| Aniversário |
16 de setembro de 1935 Quincy |
|---|---|
| Nacionalidade | americano |
| Atividades | Escritor , poeta , artista de land art , artista visual , ilustrador |
| Treinamento | Academia phillips |
| Representado por | Paula Cooper Gallery ( en ) , Konrad Fischer Galerie ( d ) , Artists Rights Society |
| Ambiente de trabalho | Nova york |
| Movimento | Minimalismo |
| Influenciado por | Hollis Frampton |
| Cônjuge | Ana mendieta |
| Distinção | Bolsa Guggenheim (1984) |
| Local na rede Internet | www.carlandre.net |
Carl Andre , nascido em16 de setembro de 1935em Quincy , Massachusetts , é um pintor e escultor minimalista americano.
Filho de um carpinteiro de estaleiro, Carl Andre foi educado em escolas públicas em sua cidade natal , Quincy , Massachusetts, e na Phillips Academy em Andover , perto de Boston (1951-1953). Foi neste último que estudou arte, sob a direção de Patrick Morgan, e fez amizade com o futuro cineasta Hollis Frampton e com o fotógrafo Michael Chapman . Depois de se matricular brevemente no Kenyon College em Gambier (Ohio) , ele trabalhou para a Boston Gear Works e economizou dinheiro suficiente para fazer uma viagem à Europa (1954), onde seu tio inglês, Raymond Baxter (homem do rádio), o apresentou aos megálitos de Stonehenge , que teria grande influência em sua obra, e a obra de Brancusi, que o marcou a ponto de se definir como seu discípulo. Cumpriu o serviço militar nos serviços de inteligência da Carolina do Norte (1955-1956), onde trabalhou como criptógrafo para o serviço secreto, usando suas habilidades em aritmética. Em seguida, mudou-se para Nova York em 1957, onde trabalhou em uma editora e conheceu o pintor Frank Stella, com quem dividiu seu estúdio para estudar pintura.
Aos poucos, ele abandonou a pintura para se voltar para a escultura, desenvolvendo esculturas modulares em madeira influenciadas por Brancusi e pelas pinturas negras de Stella, depois montagens de blocos de madeira crua. Com pouco dinheiro, ele trabalhou ao mesmo tempo (1959-1964) como mecânico e motorista para a ferrovia da Pensilvânia em Nova Jersey . A horizontalidade da arquitetura ferroviária parece inspirá-lo para o desenvolvimento de suas futuras obras. Em 1965, participou com Robert Morris , Donald Judd e Larry Bell na exposição “Shape and Structures” organizada por Henry Geldzahler na Tibor Gallery em Nagy em Nova York. Poucos meses depois fez sua primeira exposição pessoal onde expôs montagens de vigas horizontais em estirofórmio (plástico industrial).
Na década de 1970 , o artista produziu muitas grandes instalações, como Blocks and Stones para o Center for the Visual Arts em Portland ( Oregon ) (1973). Em 1972, a Tate Gallery de Londres adquiriu seu VIII Equivalente (1966), comumente conhecido como The Bricks ( The Bricks ), consistindo de cento e vinte tijolos refratários dispostos em um retângulo, que foi um sucesso escandaloso internacionalmente. Ele está fazendo cada vez mais trabalhos ao ar livre, como Stone Field Sculpture ( Hartford , Connecticut , 1977 ).
Em 1970 teve uma exposição individual no Museu Guggenheim de Nova York e desde então expôs regularmente, sozinho ou em grupo, nos principais museus, galerias e centros de arte da América e da Europa, entre os quais o Museu de Arte Laguna Gloria em Austin (Texas) em 1978, o Stedelijk Van Abbemuseum em Eindhoven ( Holanda ) em 1987, o Museu de Arte Moderna de Oxford ( Reino Unido ) em 1996 e o museu Cantini de Marselha ( França ) em 1997.
André foi poeta antes de se interessar pela escultura, ele usa palavras, "partículas de linguagem", sem gramática ou sintaxe, e como os materiais em suas esculturas, ele os usa para sua carga emocional. Esta obra, composta por caligramas, óperas e livros, foi apresentada na América e na Europa. Uma coleção importante foi reunida pelo Museu Stedjlik em Amsterdã , porém sua poesia nunca foi publicada, daí o público ignorá-la.
Andre mora e trabalha em Nova York. É representado pela Paula Cooper Gallery de Nova York.
Ana Mendieta , sua esposa morreu em 8 de Setembro de 1985 em Nova Iorque depois de cair do 34 º andar. Carl André, presente no apartamento, é preso imediatamente. Em 1986, foi absolvido do assassinato de Ana Mendieta , por falta de provas que comprovassem sua possível culpa. O casal acabara de brigar. A absolvição causou polêmica nos círculos artísticos e feministas.
Desde o lançamento da palavra sobre violência contra as mulheres em maio de 2014, um grupo de mulheres do No Wave Performance Task se manifestou na retrospectiva de Carl Andre na Fundação Dia Art com o slogan "J" gostaria que Ana Mendieta ainda estivesse viva ”. Em março de 2015, um novo evento aconteceu no Dia in Beacon.
Andre instala quatro conceitos principais em todo o seu trabalho:
A característica mais marcante do trabalho de André é a erradicação da característica fundamental da escultura, a verticalidade. A escultura deixa de ser uma forma autônoma e passa a ser toda uma "forma-escultura-lugar". Concentra e retém a energia que a constitui, pois a paisagem participa na sua intervenção in situ e o espaço passa a ser o elemento essencial - todo o espaço, até ao firmamento. A escultura torna-se lugar: lugar em si e no lugar que a contém. André questiona o respeito clássico imposto pelas obras, ele nos leva a caminhar sobre uma obra que não impõe nenhum ponto de vista privilegiado, nenhum eixo, nenhuma hierarquia.
Ele dá corpo ao significado da escultura ao adicionar a ela uma dimensão que ele chama de “clástica” (em oposição à arte “plástica”), para qualificar o que pode ser “montado a partir de elementos constituintes” ou “desmontado em seus elementos constituintes”. Esta palavra explica a sua atitude artística, residindo no alinhamento dos elementos industriais em série e no terreno, favorecendo um desdobramento horizontal da escultura em que todas as partes do mecanismo são modulares.
Andre diz que cria em torno de espaços de apresentação. O trabalho minimalista de André se manifesta na grande simplicidade no uso que faz das matérias-primas. Ele não inventa nenhuma técnica particular ou know-how relegando o tradicional ao passado da escultura. O gesto é, portanto, recusado e a atenção do espectador fixa-se no próprio material. Assim, a escultura se recusa a ocupar apenas o espaço: ela o apanha.
No final de 1959, ele construiu sua primeira série de esculturas de pirâmides no estúdio de Hollis Frampton . São um passo essencial em sua abordagem: são as primeiras obras construídas e não esculpidas, compostas por elementos de madeira cuja forma final traduz uma pirâmide e influenciadas pela Coluna Sem Fim de Brancusi e as Pinturas Negras de Frank Stella .
Os três principais materiais que usa são madeira , especialmente cedro, pedra e metais . O artista exclui qualquer mistura de materiais, às vezes pode usar algumas combinações de metais, mas para André cada material tem suas próprias qualidades em termos de tato, cor ou som. A madeira é para ele "a mãe dos materiais". Sua escolha de materiais é definida por seu ambiente e pelos recursos à sua disposição. Ele afirma que seus componentes são “indicadores econômicos”.
Utiliza automaticamente seus materiais na forma de módulos de dimensões padronizadas que denomina, continuamente com base na tabela periódica, "elementos" ou "partículas". Para montar essas partículas, Andre usa números para dar formas ásperas às suas esculturas. Suas configurações não vêm por acaso, a matemática traz medida, ritmo e proporção ao seu trabalho.
Placas de metal industriais colocadas no solo são o aspecto mais conhecido do trabalho de Andre desde o início dos anos 1970 . O artista cria assim peças onde a planura do fundo está em perfeita harmonia com o aspecto plano do material. Ao “horizontalizar” a sua escultura, o artista a define como um lugar que o espectador é aliás convidado a explorar ao caminhar sobre ela (este é um dos pontos de vista experimentais da obra).
"Eu sim, ele diz, que colocam a Coluna Sem Fim de Brancusi no chão, ao invés do trem para o céu ...". André costuma dizer que o ideal para ele é uma estrada feita de uma simples justaposição de unidades padrão de placas industriais colocadas no chão uma após a outra.
Muitas de suas obras retilíneas no chão, orientam os passos dos visitantes de uma sala a outra em suas exposições. Mas algumas dessas obras, como 7 Cu Slant 30 (Dusseldorf, 1990), cruzam o espaço, dividem-no e forçam seus cruzamentos para continuar a exposição. Portanto, não é mais o material que é esculpido, mas o espaço que é entalhado.
Sua estética também se expressa através do material e tende a aproximar o fim e o meio. Não há romantismo no gesto do artesão atrelado ao seu confronto com o material. Suas esculturas não são fruto de um ato escultórico impresso no material para influenciá-lo, mas sim uma forma de revelar o material por meio das qualidades estéticas que lhe são próprias. Se o material é usado usinado de forma o mais neutra possível, é porque o artista respeita a noção de massa, gravidade, densidade, todas as características que o espectador deve ser capaz de sentir naturalmente diante de suas obras. Por fim, o espaço que o recebe fica tal como está e muitas vezes determina a realização da escultura com a qual se funde para constituir toda a obra: ou seja, o espaço é um dos componentes da obra.
Andre concebeu na escultura moderna uma obra tão comum quanto drástica; seu trabalho nunca derivou de seus fundamentos iniciais, ele os aprofundou permanecendo diligente em uma ética de trabalho que expressou em 1970 da seguinte forma: “[...] Acho que minha maior dificuldade, a parte mais dolorosa e mais difícil do meu trabalho é limpar a minha mente, para me livrar de todo esse peso de significados que absorvi, devido à cultura circundante, de todas aquelas coisas que parecem ter a ver com arte quando, justamente, é o contrário. Este é o único aspecto do termo “arte minimalista” que para mim sempre esteve em primeiro plano e que me fez sempre considerar um artista minimalista. É absolutamente necessário nos livrarmos das redes de segurança, das certezas, dos preconceitos, para chegar a algo mais próximo, que parece uma espécie de vazio. Para então reconstruir a partir desta situação reduzida. Pode ser uma outra forma de buscar a arte pobre, você tem que empobrecer a própria cabeça [...] ”.
Em 2011, André ganhou o Prêmio Haftmann , o prêmio artístico mais rico da Europa (150.000 francos suíços , ou € 120.000), concedido pela Roswitha Haftmann Foundation, uma fundação suíça, a um "artista vivo que produziu uma obra de primeira importância ”.