Não

Teatro Nôgaku *  Herança cultural intangível
Representação do Noh: a dança Okina.
País *	Japão
Listagem	Lista representativa
Ano de registro	2008
Ano de proclamação	2001

O teatro Noh ou Noh (能, Noh ) É um dos estilos tradicionais do teatro japonês de uma concepção de vida religiosa e aristocrática. Noh combina crônicas em verso com pantomimas dançadas. Usando trajes suntuosos e máscaras específicas (são 138 máscaras diferentes), os atores atuam principalmente para shoguns e samurais . Teatro Noh é composto por teatro lírico da XIV ª e XV ª  séculos, o jogo despojado e codificado. Esses atores são acompanhados por uma pequena orquestra e um coro. Seus gestos são estilizados tanto quanto as palavras que parecem ser cantadas.

Formada no final do XIII th  século no Japão , Noh é uma forma teatral unindo duas tradições: a pantomima dançaram e crônicas recitadas por vagando monges versificado. O drama , cujo protagonista é coberto por uma máscara, era representado em dias de festa em santuários. Seus atores , protegidos por daimyos e shoguns , desde então transmitiram os segredos de sua arte de pai para filho. O Noh evoluiu de várias maneiras na arte popular e aristocrática. Também formará a base de outras formas dramáticas, como o kabuki . Depois de Zeami estabeleceu as regras Noh, diretório congelou a tarde XVI th  século e que ainda permanece intacta. O Noh é único em seu charme sutil ( yūgen ) e no uso de máscaras distintas. Ao colocar a máscara, os atores deixam simbolicamente sua própria personalidade para interpretar os personagens que irão interpretar. Em vez de contar uma trama complicada, o teatro Noh altamente estilizado e simplificado, portanto, desenvolve uma emoção ou atmosfera simples. Funcionando da mesma forma que os treinadores, a teatralidade permite passar a outra interpretação de si mesmo.

Noh foi uma das primeiras formas de drama a ser inscrita em 2008 (originalmente proclamada em 2001) na Lista Representativa do Patrimônio Cultural Imaterial da UNESCO , sendo um tipo de teatro Nôgaku junto ao kyōgen .

Definição e significado da palavra nô

Noh pode ser definido como um “drama lírico” desde que a palavra “drama” seja entendida em seu primeiro significado de “ação”, o lirismo de Noh sendo principalmente poético e requerendo apenas ritmo e timbres da música.

A palavra "não" vem de um verbo que significa "ser capaz, ser poderoso, capaz de"; daí, usado como um nome, o significado de "poder, faculdade, talento".

O termo nô foi usado desde muito cedo para designar o "talento" de artistas, dançarinos ou performers de que eram capazes. Ao mudar o significado (talento> o que se executa com talento> peça executada), rapidamente passamos a designar a própria peça. É este último significado de "peça" que Zeami Motokiyo atribui à palavra "nô" no Nôsakusho dedicado à forma de compor o nô.

História

Origens do Noh

O teatro japonês tem suas origens nas danças rituais e na coreografia sagrada. A entrada destas danças em folclore foi efetuada pela perda progressiva de seu significado religioso em favor de mais beleza e requinte, em especial por iniciativa da corte imperial do VIII th  século, e sua representação no mundo secular para o entretenimento de homens e não mais apenas dos deuses. Este processo banalização enquanto um conjunto heterogêneo de danças, brincadeiras e pantomimas resultados no nascimento do XIV th  século uma forma de teatro desenvolvido puramente japonês: Noh.

Entre as origens do Noh estão os ritos religiosos kagura e as danças camponesas destinadas a garantir boas colheitas e apaziguar os maus espíritos. A partir do XII th  século, estas danças campos foram organizados nas principais cidades e templos especialmente Kyoto , a capital imperial; os habitantes da cidade os chamavam de dengaku . Muito populares durante os festivais xintoístas sazonais, esses rituais mágicos gradualmente se tornaram espetáculos, com atores desempenhando o papel de transplantadores ou proprietários de terras para obter mais realismo. Por volta de 1250, esses espetáculos eram chamados de dengaku nô , para separá-los das danças agrárias primitivas e provinciais, e no espaço de um século, os dengaku nô eram realizados fora de templos, representações seculares muito apreciadas pelos cidadãos e nobres em verso.

Na corte imperial em artes privilegiados Heian foram o gagaku (música) e Bugaku (dança que acompanha o gagaku ) importado do continente asiático para o VI th e VIII th  séculos. Essas artes pretendiam ser harmoniosas, elegantes, refinadas e destinadas a um público principalmente aristocrático. Quase na mesma época o sangaku também chegou da Ásia , uma espécie de "feira mostra pantomimas [...] cômicas, piadas rudimentares, show de marionetes, contadores de histórias itinerantes, dançarinos gesticulando para expulsar demônios" , de natureza puramente popular. A partir do X th  século, sangaku chinês foi chamado Sarugaku (macaco ou música macaco), então Sarugaku Noh no Japão, que é enriquecido em contato com o povo de esquetes cômicos ou facial.

A última etapa antes da formação do verdadeiro espetáculo dramático que é noh foi o surgimento do diálogo. Este último aparecia principalmente em festivais populares, os matsuri , onde se estabelecia o intercâmbio falado entre dançarinos. As trupes sarugaku adaptaram notavelmente lendas tradicionais das cerimônias religiosas de Ano Novo em espetáculo para vários personagens que dialogam; Durante a era Kamakura, as trupes sarugaku realizavam essas peças nos templos do Japão para o povo.

Muito popular, secular e às vezes vulgar, o nô sarugaku teve, como o nô dengaku, uma importância primordial no nascimento do teatro japonês. Kan'ami e Zeami, os dois fundadores do noh, o primeiro gênero verdadeiro do teatro clássico japonês, são ambos líderes de uma trupe sarugaku . Nesse sentido, o noh pode ser descrito como o “avatar final de sarugaku  ”  ; até a XVII th  século , nô também é conhecido por Sarugaku No. nô , ou simplesmente Sarugaku .

Kan'ami e Zeami

Por volta de 1350, o dengaku nô era valorizado pelas elites por sua tradição literária e poética, enquanto o sarugaku nô era percebido como mais popular, até mesmo grotesco e vulgar. No auge, os programas do dengaku no eram cuidadosamente elaborados (números dramáticos, danças, acrobacias, acompanhamento musical) e atingiam um público muito grande, de imperadores a espectadores em festivais country. Essa situação mudou durante uma apresentação de sarugaku noh com a presença do shogun Ashikaga Yoshimitsu em 1374. Impressionado com a atuação do ator, ele o convidou para ir ao palácio sob sua proteção, apesar da relutância de sua corte. Este ator foi nomeado Kan'ami , e seu filho Zeami .

Kan'ami ganhou algum reconhecimento por ter desenvolvido sua prática de sarugaku tomando emprestados elementos de dengaku para forjar o que mais tarde foi chamado de Noh. Os dengaku nô colocam acima de tudo a busca por um esteticismo muito apurado que os japoneses chamam de yūgen , o “charme discreto”. Essa busca pelo yūgen rapidamente levou o gênero a um maneirismo extremo desprovido de originalidade. Kan'ami teve a ideia de combinar para seus dramas líricos o yūgen com a mimetização dramática ( monomane ) do sarugaku , mais rude e mais impetuoso, adaptado ao cenário em cena de personagens violentos como guerreiros e demônios. Ele também desenvolveu a música e o canto, inspirando-se na música kusemai popular e rítmica . Essas evoluções, perseguidas e teorizadas por seu filho Zeami, romperam definitivamente com a tradição na medida em que colocavam a beleza do espetáculo antes dos limites rituais e cerimoniais: a partir de agora contava apenas a arte teatral e a estética, que não deveriam ser para atender às demandas. dos religiosos. Essa maneira teatral foi um grande sucesso com a corte do shogunal. Kan'ami dirigiu uma das sete irmandades ( za ) de atores sarugaku chamados Yūzaki: parece que muito rapidamente, as outras seis irmandades, bem como as duas irmandades dengaku que existiam em seu tempo, desapareceram ou copiaram seu Noh.

Kan'ami morreu em 1384, e foi seu filho Zeami, criado na corte do shogun, que assumiu o palácio à frente da nova escola de atores No Kanze (Kanze-ryū) e que foi um dos decisivos importância no estabelecimento do noh e, mais geralmente, do teatro clássico japonês. Longe de ficar satisfeito com o repertório do pai, ele reescreveu e arranjou essas peças à sua maneira e também utilizou o repertório do dengaku . Na verdade, ele concedeu em seu teatro uma importância crescente e então preponderante a um princípio que chamou de sōō , a "concordância" entre o autor e seu tempo, entre o autor e o ator, e entre o ator e seu público. Assim, não só reescreveu todas as peças do repertório a seu gosto, mas também incentivou os atores a escrever ou improvisar, de forma a satisfazer um público agora diversificado e exigente. Historicamente, Zeami é o autor mais prolífico do Noh com uma centena de peças, quase metade do repertório conhecido e executado hoje, e também legou seus Tratados que teorizam o Noh como ele o praticava.

Noh e shoguns

Zeami manteve seu prestígio na corte sob os xoguns Ashikaga Yoshimitsu , Ashikaga Yoshimochi e Ashikaga Yoshikazu . Mas, quando estava envelhecendo, o shogun Ashikaga Yoshinori mandou Zeami e seu filho embora e negou-lhes acesso ao palácio. Entre os potenciais sucessores de Zeami estavam de fato seu filho, Motosama, muito talentoso segundo seu pai, mas que morreu jovem em 1432, seu pupilo e genro Komparu Zenchiku e seu sobrinho On'ami . Foi este último, um ótimo ator e habilidoso cortesão, que obteve os favores do shogun e o posto de Zeami no palácio. Zeami, porém, após a morte de seu filho, escolheu como sucessor Komparu Zenchiku, um dos mestres noh de estilo complexo e sutil, autor de várias peças e tratados técnicos. Zenchiku era um ator menos brilhante do que On'ami, mas um autor erudito versado em poesia tradicional e teologia budista. Esta escolha, que não seguiu laços de sangue nem a preferência do shogun, causou uma ruptura entre as escolas Kanze (dirigidas por On'ami por decisão do shogun) e Komparu. Zeami foi exilado em 1434 e morreu em 1444, em Kyoto, onde pôde retornar pouco antes do fim de sua vida. Sob a direção da escola Kanze de On'ami, as apresentações de Noh permaneceram muito populares: seu estilo muito vivo estava mais de acordo com o gosto da época.

Alguns bons escritores vivia Noh, ainda popular, a XV ª e XVI th  séculos, mas com menos talento do que os precursores. As novas peças do repertório eram mais dramáticas, esplêndidas e acessíveis, enquanto tocar espontaneamente trupes amadoras colheu algum sucesso. A guerra Ōnin ( 1467 - 1477 ) e o enfraquecimento resultante do poder dos xoguns foram um sério golpe para o Noh. Para sobreviver, os descendentes de On'ami e Zenchiku Komparu tentaram alcançar um público maior introduzindo mais ação e mais personagens.

O renascimento do Noh, entretanto, ocorreu sob os auspícios do daimyō Oda Nobunaga ( 1534 - 1582 ) e Toyotomi Hideyoshi ( 1537 - 1598 ), sendo este último um grande amador praticante do Noh, que garantiu a proteção das tropas. Foi de acordo com suas preferências estéticas (as da classe samurai) que foi criada a escola Kita ( ryū ) , além das quatro escolas tradicionais. Ao mesmo tempo, a esplêndida cultura da era Momoyama marcou o Noh, transmitindo-lhe o gosto pelos trajes magníficos, a forma definitiva das máscaras ainda hoje utilizadas, bem como a forma do palco.

Eventualmente, o gênero acabou desaparecendo do espaço público na era Edo , com Toyotomi Hideyoshi sendo o último grande protetor do gênero. O Noh se tornou a arte oficial das cerimônias daimyo sob o patrocínio direto do shogunato Tokugawa e dificilmente era realizado exceto em castelos, tornando-se mais lento, austero, distinto, sujeito ao conservadorismo. Essa fase do classicismo sem criatividade do Noh estava em sintonia com os tempos, a do xogunato Tokugawa e suas cerimônias dignas e solenes separadas do entretenimento popular, de modo que qualquer inovação era proibida. É esse Noh de ritmo lento que é conhecido hoje, provavelmente muito distante das peças de Zeami.

A partir do período Edo, outros tipos de teatro substituíram o Noh com imenso sucesso popular, principalmente o bunraku e o kabuki .

Teatro nô nos tempos modernos

Noh quase desapareceu com seus protetores na era Meiji . É uma sorte que um ator secundário da escola Kanze, Umewaka Minoru I , continue sua prática e seu ensino. Finalmente, a corte imperial novamente protege o Noh para trazer ao teatro dignitários estrangeiros visitantes, o kabuki , que suplantou o Noh em popularidade no período Edo , decididamente não adequado à seriedade das reuniões oficiais. Foi neste momento que o termo nōgaku começou a ser usado para designar o conjunto formado por não e Kyogen e que os primeiros quartos foram construídos exclusivamente dedicada a esta arte.

Ameaçado novamente após a Segunda Guerra Mundial , o Noh conseguiu sobreviver e hoje constitui uma das artes tradicionais mais estabelecidas e reconhecidas. Noh foi uma das primeiras formas de drama a ser inscrita em 2008 (originalmente proclamada em 2001) na Lista Representativa do Patrimônio Cultural Imaterial da Unesco como uma das modalidades de teatro Nôgaku , junto com kyōgen .

Dramaturgia

Em sua forma mais tradicional, um noh é uma peça em dois atos que compreende partes de diálogo, cantadas ou dançadas. A cena, os personagens, as formas das canções, danças e música são rigorosamente codificados.

A cena

A cena, convencional desde cerca de 1700, procede do dispositivo chinês  : um quadrilátero quase nu (exceto o kagami-ita , pintura de um pinheiro no fundo da cena) aberto em três lados entre as pilastras de cedro que marcam os lados. Ângulos . A parede à direita do palco é chamada de kagami-ita , espelho-quadro. Uma pequena porta é fornecida para permitir a entrada dos assistentes de palco e do coro. O palco elevado é sempre coberto por um telhado, mesmo em recinto fechado, e rodeado ao nível do solo por gravilha branca em que se plantam pequenos pinheiros ao pé dos pilares. Sob o palco está um sistema de potes de cerâmica amplificando os sons durante as danças. Os detalhes desse sistema são prerrogativas das famílias dos construtores de cenas Noh.

Os atores acessam o palco pelo hashigakari , uma estreita passarela à esquerda do palco, um dispositivo adaptado ao kabuki no caminho das flores ( hanamichi ). Considerado parte integrante do palco, esse caminho é fechado nos bastidores por uma cortina de cinco cores. O ritmo e a velocidade de abertura desta cortina dão ao público indicações sobre o clima do palco. Nesse momento o ator, ainda invisível, faz um hiraki para o público, depois retorna à passarela e inicia sua entrada. Assim, ele já está no palco antes mesmo de se apresentar ao público e o personagem que ele encarna se lança na longa passarela, o hashigakari que lhe impõe entradas espetaculares. Ao longo desta passarela estão dispostos três pinheiros de tamanho decrescente; são benchmarks usados ​​pelo ator até sua chegada ao set principal.

Organização da cena Noh

Diagrama

Lenda

1: Kagami-no-ma (sala do espelho) 2: Hashigakari (ponte) 3: cena 4-7: Quatro pilares, respectivamente Metsuke-Bashira , Shite-Bashira , Fue-Bashira e Waki-Bashira . 8: Jiutai-za (localização do coro). 9: Músicos. Da direita para a esquerda, fue-za (flauta transversal No-kan ), kotsuzumi-za (tambor pequeno), ohtsuzumi-za (tambor médio) e às vezes taiko-za (tambor grande). 10: Kohken-za (soprador) 11: Kyogen-za 12: Kizahashi (etapas) 13: Shirazu (areia branca) 14-16: Alfinetes 17: Gakuya (bastidores) 18: Makuguchi (entrada principal, obstruída por uma cortina pesada de três ou cinco cores, Agemaku ) 19: Kirido-guchi (entrada do coro e soprador) 20: Kagami-ita (desenho de um pinheiro, geralmente no estilo da escola Kanō .

O público é colocado em frente ao palco (butai) e também entre a ponte e o flanco esquerdo do butai . Observado a mais de 180 graus, o ator deve, portanto, prestar atenção especial ao seu posicionamento. As máscaras restringem muito seu campo de visão, o ator usa os quatro pilares para se orientar e o pilar da junção da passarela com o palco principal (chamado de pilar da merda ) para se posicionar.

Atores e personagens

Um conjunto Noh tem cerca de vinte e cinco artistas.

Existem quatro categorias principais de artistas e cinco categorias principais de funções:

• o shitekata corresponde ao tipo de jogo do ator mais representado. Esses atores desempenham vários papéis, incluindo o shite (o protagonista), o tsure (o companheiro do shite ), o ji-utai (coro cantado, composto de seis a oito atores) e o kōken (assistentes de palco);
• o ator wakikata personifica os papéis de waki , um personagem secundário que é a contraparte da merda  ;
• o kyōgenkata é o estilo de jogo para atores que desempenham papéis no popular diretório Noh e em todas as partes de distribuição de Kyogen (representado entre duas peças noh);
• o estilo hayashikata é o dos músicos que tocam os quatro instrumentos usados ​​no nô.

Merda

O merda (literalmente "aquele que atua") é antes de tudo o ator que interpreta o protagonista da peça e que executa as danças. Ele deve ser capaz de interpretar uma ampla gama de personagens, desde a criança até o deus, incluindo o velho ou a velha. Sendo todos os atores a tradição dos homens, a natureza de um personagem é expressa por seu figurino, muito elaborado, e principalmente por sua máscara, menor que o tamanho real. Com algumas exceções, apenas atores de Shite usam máscaras, com fama de concentrar a essência do personagem a ser interpretado. Alguns quartos toleram uma merda sem máscara; são encenações especiais que levam em conta a especificidade do ator, uma força intrínseca à sua idade (criança ou velho). Em qualquer dos casos, ele deve tentar manter um rosto inexpressivo, como todo mundo no palco, e brincar como se estivesse usando uma máscara ( hitamen ). Ao interpretar um ser sobrenatural, o shite geralmente passa por uma transformação ou metamorfose ao longo da peça, como um deus ou espírito sendo revelado em sua verdadeira forma. Em vez disso, em salas do mundo real, é a situação que sofre uma reviravolta radical.

Waki

O waki (literalmente "o do lado") tem o papel fundamental de questionar o shite para lhe dar um motivo para a execução de sua dança, bem como para descrever lugares e situações. Sentado de lado no palco, ele serve de meio de comunicação entre o público e a merda . O papel do waki é essencial no primeiro ato: visa revelar a verdadeira forma do shite , provocar sua "transformação" pelo diálogo. Tendo chegado a esse fim, ele se retira do show e muitas vezes finge dormir durante todo o último ato, quando o merda é um ser sobrenatural. Representado sem máscara, exceto para papéis femininos, o waki é quase sempre um personagem humano vivo e masculino. Pode ser um aristocrata, cortesão ou enviado, um sacerdote, um monge, um samurai ou um plebeu, sendo sua função social indicada por seu traje.

Outros atores

Os tsure (literalmente “acompanhar, seguir”) são personagens secundários que acompanham com sua canção ou o shite , fala-se então de shite-zure , ou o waki , fala-se então de waki-zure . Personagens sem nome, a certeza não influencia a ação da peça. Na peça, mais do que um personagem, a tsure é apenas uma voz.

Os tomo (literalmente "companheiros") são utilitários e têm apenas um papel episódico. Eles representam servos.

O kōken (literalmente "supervisor") não é um ator. Mas, embora não participe da peça, é fundamental para o seu bom andamento. Sentado no fundo do palco em traje de cidade, ele arruma os objetos necessários com antecedência, faz com que desapareçam quando já não existem e fornece na hora certa aqueles que são essenciais durante a ação (espada, leque, bengala, etc.) . Pode substituir a merda, se necessário .

O kyōgen-shi , presente em um grande número de noh, é o cômico da peça. Às vezes envolvido na ação como auxiliar (porteiro do templo, barqueiro, porteiro etc.), ele tem, na maioria das vezes, apenas uma conexão indireta com a própria peça. Seu papel é essencialmente ocupar o palco durante o ai (literalmente "intervalo"), o interlúdio que separa o noh em duas partes.

O ji é um coro, ou participa diretamente da ação substituindo um ator para interpretar determinadas músicas ou, um personagem atemporal, expressa o sentimento que a ação sugere. Por exemplo, muitas vezes é o coro que narra ou comenta a ação durante a dança principal do shite . Ao contrário da tragédia grega, nunca representa um grupo de personagens.

Escolas e treinamento

Os artistas seguem uma formação completa de seu ofício. Assim, seja ator, dançarino ou músico, o artista estudará sobretudo o canto. O discípulo, por exemplo um percussionista, durante uma aula de tsuzumi , prepara-se para golpear seu instrumento e então o mestre canta a canção da peça em questão. O discípulo atento ao canto aprende a situar os ritmos que memorizou no canto que deve "encorajar". Para entender o conceito dessa forma musical, é essencial se iniciar no ritmo da música.

Além disso, não estando sozinho no palco, ele deve se combinar com outras percussões em um contexto musical onde o compasso é flutuante (e não constante como o de um metrônomo) e exige escuta constante entre os artistas. É a música que guia o todo. Para adquirir essa capacidade de escuta poderosa, também estudamos todos os outros instrumentos. Assim, todos os artistas são multidisciplinares mas em palco, salvo em casos excepcionais, o artista tocará apenas na sua especialidade. Cantar é o elemento essencial comum a todos os artistas.

Música e texto

Além dos atores, o palco é ocupado por músicos, dispostos na parte de trás do palco, e por um coro de oito a doze pessoas ocupando a lateral direita. A música é produzida por meio de três tipos de tambores de tamanho crescente, um carregado no ombro ( ko-tsuzumi ), o segundo no quadril ( ō-tsuzumi ) e o terceiro ( taiko ) tocado com baquetas. Cipreste , também como uma flauta de bambu de sete buracos ( fue é o nome genérico para flautas transversais no Japão, o teatro noh usa a flauta nokan ). Os dois primeiros tambores têm corpo de cereja, o terceiro de olmo, os dois primeiros são esticados com couro de cavalo, o taiko, de vaca, e regulados por cordões de linho na cor laranja.

A função da música é criar o clima, geralmente uma atmosfera estranha, especialmente quando elementos sobrenaturais estão envolvidos. As velhas máscaras Noh eram seguradas pela boca e os atores não conseguiam pronunciar um texto, então o coro falava por eles.

Em essência, o coro é responsável por fornecer os elementos da narrativa, comentar a narrativa e dizer as falas de um ator quando este executa uma dança, ou amplificar a intensidade dramática de um discurso. O domínio da percussão na música sublinha a importância fundamental do ritmo na execução do Noh.

O texto é cantado de acordo com entonações rigorosamente codificadas.

Existem nove formas cantadas:

• o tipo de prosa cantada shidai é geralmente um recitativo bastante simples;
• o issei começa o papel do merda . É uma das formas mais melódicas do Noh e sua execução costuma ser confiada a duas vozes, shite e shite-zure  ;
• o uta (literalmente "canção") retorna várias vezes durante a peça, geralmente quatro;
• o sashi cuja forma apresenta certa regularidade designa uma passagem situada entre duas formas de caráter distinto para conectá-las ou preparar a segunda;
• o kuri é uma música animada com várias inflexões que apresenta o kuse . Muitas vezes começa com uma máxima, uma generalidade;
• o kuse , a forma cantada mais desenvolvida. O kuse , de ritmo calmo e regular, costuma ser acompanhado por uma dança;
• o rongi (literalmente “discussão”) é uma espécie de diálogo cantado entre o coro e a merda  ;
• o waka segue a dança de shite durante a qual não há canto. O leque se abre na frente do rosto, o shite , imóvel no centro do palco, canta a primeira linha, o coro pega e continua a peça enquanto o shite executa uma nova dança;
• o kiri (literalmente “finale”) é um coro razoavelmente curto e de forma livre que fecha a peça.

Devido à fixação do diretório para o final do XVI th  século , o texto está em japonês arcaico, incompreensível para japoneses contemporâneos. A maioria dos quartos, portanto, oferece traduções do texto.

Estrutura de um Noh

O nô tradicionalmente compreende dois atos ( ba ), um de exposição e outro de ação. O merda , ator na primeira parte vira bailarino na segunda, o que é sublinhado pela troca de figurino, então mais suntuosa. Esta mudança de papel corresponde na peça a uma transformação do aspecto do shite , à revelação da sua verdadeira forma através da mediação do waki  : distinguimos assim o “  shite de antes” ( mae-shite ) do “  shite . depois ”( nochi-shite ).

Um ato é dividido em cenas chamadas dan compostas por módulos ( shōdan ) codificados muito mais pelas formas literárias ou musicais empregadas do que pela entrada ou saída dos personagens. O padrão mais comum de um noh, conforme as variações são possíveis, é mostrado abaixo.

Primeiro ato

• Cena 1: entrada para o waki . Canção introdutória ( shidai ), apresentação de waki ( nanori ), canção explicando as circunstâncias que ocasionaram o waki e preparando para a chegada de shite ( michiyuki ).
• Cena 2: entrada para o mae-shite . Canção mae-shite introdutória ( issei com ou sem ni no ku ), recitação ou poema cantado ( sashi ), canção ( uta , sage-uta ou age-uta ).
• Cena 3: diálogo e exposição. O diálogo entre shite e waki ( MondoGames ) com ou sem katari (narrativa), sashi ( Kakaru ), uta canto .
• Cena 4: desenvolvimento. Cantando em um registro agudo ( kuri ), sashi , cantando e freqüentemente dançando shite ( kuse ).
• Cena 5: continuação do desenvolvimento e conclusão parcial. Diálogo cantado ( rongi ), retirada dos atores ( naka-iri ), interlúdio.

Segundo ato

• Cena 6: entrada para o nochi-shite . Canção de transição de waki ( machi-utai ), canção introdutória de nochi-shite ( issei ).
• Cena 7: dança shite principal conduzida pelo canto do kuse ou pela orquestra.
• Cena 8: conclusão. Poema clássico ( waka ), final cantado e dançado ( kiri ). Dança do waka interrompida pelo canto do merda que entoa o kiri .

quartos

Uma peça Noh envolve todas as categorias de atores. Existem aproximadamente duzentos e cinquenta peças no repertório. Eles podem ser divididos em dois grupos chamados genzai nō e mugen nō de acordo com seu realismo, ou em seis categorias de acordo com o tema. Este último determina quando a peça é executada durante o tradicional dia Noh, que tem uma peça de cada uma dessas categorias.

Para consultar o diretório completo:

• Lista de peças nō: AM
• Lista de peças nō: NZ

Genzai nō e mugen nō

Existem dois grupos principais de noh de acordo com seu realismo: as aparições noh ( mugen noh ) e o noh do mundo real ( genzai noh ). As peças desses dois grupos apresentam uma estrutura recorrente inspirada em rituais religiosos, composta por dois atos e um interlúdio.

As aparições Noh apresentam fantasmas, divindades, demônios e outros personagens irreais: o primeiro ato é o aparecimento do personagem imaginário representado pelo merda em forma humana (velho ou às vezes jovem) que narra sua vida de forma desconexa. Passado, suas lendas e tormentos waki . O interlúdio ( ai ) é um resumo cômico ou factual da narrativa do personagem ou das lendas associadas ao local, geralmente feito por um ator de kyōgen  ; permite que o ator principal mude de roupa. O segundo ato é o clímax onde o personagem imaginário se revela em um traje impressionante em sua verdadeira forma e revive sua história do primeiro ato de forma muito aleatória, sem sequer manter um fio cronológico. Neste ato, música, canto e dança se misturam para entregar um espetáculo que deve fascinar o espectador com seu surrealismo e sua poesia. Quando o personagem é um espírito ou fantasma, essa parte é mais freqüentemente semelhante a um sonho, ocorrendo em um sonho ou visão waki .

O assunto de mugen nō geralmente se refere a uma lenda ou obra literária. Escrito em uma linguagem arcaica e poética, o texto é cantado de acordo com entonações obedecendo a rígidas regras de kata (formas impostas pela tradição). Da mesma forma, os atores adotam um degrau deslizante característico para este tipo de peça, e os movimentos das danças são eles próprios muito codificados. Essa estilização extrema dá a cada movimento e entoação seu próprio significado convencional. O desenvolvimento das características essenciais do mugen nō é atribuído a Zeami . Seu objetivo é despertar no público um estado de espírito específico para a contemplação da beleza, tendo como referência o sentimento vivido diante da beleza de uma flor ( hana ).

Já os nô do mundo real estão voltados para a expressão mais ou menos implícita dos sentimentos dos personagens humanos em situações trágicas principalmente por meio do diálogo, mas também do canto e da dança. O interlúdio entre os dois atos não tem mais nenhuma função real, exceto marcar uma pausa, e a história apela menos à tradição literária e poética.

Os seis tipos de moedas

As peças são geralmente classificadas por assunto em cinco categorias, que governam sua ordem de execução no programa do dia Noh. Em apresentações importantes, principalmente na passagem de ano, o espetáculo começa com um sexto tipo de peça, a Okina ou a dança do velho com forte carga religiosa.

As seis categorias são:

• Okina ou kamiuta  ;
• Um r  grupo: deuses nô ( kami mono );
• 2 e  categoria: guerreiros Noh ( shura mono );
• 3  categoria E : mulheres Noh ( Kazura mono );
• 4 th  grupo: nô variada ( Zatsu mono );
• 5 th  categoria: demons nô ( oni mono ).

Em geral, as peças na quarta categoria (vários nô) são nô do mundo real ( genzai nō ), as outras categorias caindo sob a aparência nô ( mugen nō ).

Okina ou Kamiuta

É uma peça única que combina dança e ritual xintoísta . A rigor, isso não é noh, mas uma cerimônia religiosa usando o mesmo repertório de técnicas do noh e do kyōgen . É em Okina que o caráter primitivo e religioso do antigo kagura permanece. Representa a bênção dada por uma divindade ao público. A máscara é então um objeto religioso por si só.

Essas peças também são conhecidas como sanban , "os três rituais", em referência às três peças essenciais chichi-no-jo , okina e kyōgen sanba-sarugaku . O papel principal é desempenhado por um ator Noh, o papel secundário por um ator Kyōgen . Essas peças são apenas parte dos dias Noh por ocasião do Ano Novo ou apresentações especiais, onde são sempre entregues no início do programa.

Nô de deuses

Também chamados de waki nō (“depois de nô”, ou seja, depois de okina ), eles têm uma divindade como personagem principal. Normalmente, o primeiro ato narra o encontro de um sacerdote (o waki ) com a divindade (o merda ), mas apareceu em forma humana, em um lugar famoso ou a caminho de tal lugar. No final do ato, o deus revela sua condição de divindade e retorna, ele ou uma divindade aparentada, para o ato II para executar uma dança e abençoar o público, um templo ou as plantações.

Guerreiros nô

No shura-nō japonês , essas peças são centradas em torno do espírito de guerreiros que morreram e que caíram no inferno após sua morte. Eles então retornam para recontar sua última batalha ou vida no ashura (inferno da guerra). O texto muitas vezes se refere a antigas crônicas épicas, embora o objetivo seja acima de tudo lançar luz sobre qualquer tormento humano que condena o guerreiro a assombrar o mundo dos vivos.

Não de mulheres

Chamadas de “woman's nô” ou “wig-nô” ( kazura-nō ), essas peças giram em torno da mente de uma bela mulher com um passado trágico, muitas vezes retirado de antigos romances clássicos ( Dit du Genji , Contes d'Ise ...) , até mesmo o espírito de uma planta ou deusa. O momento essencial dessas peças está na dança graciosa do segundo ato, sem nenhuma ação real.

Noh variado

Essa categoria um tanto mal definida inclui noh que não pertencem a outros grupos, geralmente peças do mundo real; René Sieffert, portanto, o define como a categoria de “nô variado”. Alguns temas principais nessas peças podem ser identificados: kyōran mono , noh do delírio ou desespero (geralmente após o desaparecimento de um ente querido, como uma criança ou um amor traído); os épicos Noh baseados em crônicas históricas (o Conto do Heike, por exemplo); o ninjō , nô de sentimentos humanos frequentemente trágicos (criança abusada, guerreiro caído, nobre exilado ...); entretenimento noh, abandonando a narrativa em favor da beleza estética das danças e canções.

Existem também os nohs centrados em um elemento sobrenatural, mas que são classificados como nohs no mundo real quando o surgimento de criaturas imaginárias se dá no contexto histórico de eventos reais, no mundo dos humanos, remetendo ao folclore e às crenças populares. As peças mais numerosas geralmente retratam uma personagem, muitas vezes uma mulher, caindo na loucura por ciúme ou após a morte de um ente querido.

Demônios nô

Também conhecido como “noh do fim” ( kiri nō ), essas peças incluem um personagem sobrenatural, demônio, goblin, criaturas que habitam os infernos budistas ou outro espírito, embora o personagem central de alguns seja simplesmente um jovem nobre. Mais raramente, o ser sobrenatural é auspicioso, como um rei dragão. Essas peças têm um ritmo mais rápido, apoiado no uso da baqueta ( taiko ). Uma dança rítmica é o ponto alto, que também marca o fim do programa Noh.

Programa do dia Noh

A composição de um programa noh consiste, portanto, em cinco peças ( gobandate ), ou seis com Okina, uma para cada categoria descrita acima, executadas em ordem e de acordo com a estação, com uma peça kyōgen entre cada uma. René Sieffert chama esse programa de “dia nô” .

Esse arranjo segue o princípio essencial de jo-ha-kyū (literalmente: introdução, desenvolvimento, conclusão), que é retomado por Zeami da música gagaku clássica e leva em consideração a disposição do espectador ao longo do dia, que pode durar mais. 'relógio. A abertura com um god noh marca a ruptura com a vida cotidiana por meio de uma peça de aparência e dispensa palavras auspiciosas para o dia. O espectador deve sair preparado para as seguintes peças, e por isso o segundo nô pode ser mais complexo, poético e ancorado na tradição: os nô dos guerreiros são adequados para isso. O terceiro nô, que corresponde ao auge da atenção do espectador, é o feminino de forte valor estético e tradicional. Depois disso, a atenção do espectador diminui e uma peça variada do mundo real, que requer menos reflexão e erudição, é tocada. Por fim, os demônios não permitem, pelo seu ritmo rápido e poderoso, regenerar o espectador cansado e colocá-lo de volta em boas condições para o retorno à vida cotidiana. Dessa perspectiva, os demônios noh se inspiram menos em lendas e textos antigos do que os outros noh que aparecem. Assim termina na tradição um dia de Noh.

O desenvolvimento ternário de jo-ha-kyū também se aplica à estrutura do noh: o primeiro ato introduz a peça ( jo ) e expõe seu desenvolvimento ( ha ) até o rompimento, por exemplo, a revelação da verdadeira forma do shite em mugen nō  ; o segundo ato revela a dança principal do shite , o clímax da peça, e conclui ( kyū ). Atos e cenas podem seguir o ritmo de jo-ha-kyū .

Tal programa conecta totalmente noh e kyōgen , um teatro mais cômico e popular que permite aos espectadores rir, descansar e se recuperar da tensão emocional despertada pelas peças noh. O conjunto é chamado de nōgaku desde a era Meiji .

Acessórios

Assim como o repertório, a dicção e as atitudes, os adereços vêm de uma obra tradicional e desempenham um papel na compreensão da peça. Os acessórios mais conhecidos são as máscaras, mas os figurinos e outros acessórios recebem a mesma atenção.

Máscaras

Documentos da época Momoyama ( XVI th  século) informou sessenta máscaras de Noh (japonês omote , "face"), a maioria dos quais ainda são usados hoje. Eles são usados ​​para todos os papéis de merda , exceto os papéis de crianças e homens adultos vivos (em oposição a fantasmas). Quando a merda joga sem máscara, ele deve manter uma expressão neutra, como se estivesse usando uma máscara de qualquer maneira. O desenho das máscaras noh mescla elementos reais e simbólicos, com o objetivo de fornecer informações sobre o tipo de personagem e também sobre seu estado de espírito. Ao colocar a máscara, o ator deixa simbolicamente sua própria personalidade para assumir a do personagem que vai representar. A contemplação da máscara, portanto, faz parte do trabalho de preparação para o papel. Além disso, devido à iluminação, a expressão da máscara é projetada para poder variar de acordo com o ângulo de exposição. O ator deve, portanto, controlar constantemente a inclinação de sua cabeça para apresentar sua máscara à luz de acordo com a orientação desejada pelo humor de seu personagem.

Menores em tamanho que o rosto do ator, as máscaras reduzem significativamente seu campo de visão. Ele então usa os pilares do palco para se localizar.

Tal como acontece com as peças, as máscaras são divididas em seis categorias.

Máscaras para okina

As máscaras para Okina vêm do sarugaku e, portanto, datam de seu design antes da formalização do Noh. Como resultado, os mais antigos são objetos sagrados mantidos em templos. Eles representam, com uma exceção, deuses antigos e risonhos. Eles se distinguem das máscaras noh pelo fato de que a mandíbula não é parte integrante do resto da máscara, bem como pelo formato dos olhos e das sobrancelhas.

Máscaras de velho

As máscaras de ancião incluem uma grande variedade de máscaras que se distinguem entre si pela implantação do cabelo, a presença de uma barba, o tratamento dos dentes e, principalmente, a impressão. Este último indica a verdadeira natureza da criatura que aparece sob a forma de um homem velho: um velho de verdade, também pode ser um deus, um fantasma ou um espírito que adotou tal disfarce.

Máscaras de demônio

As máscaras demoníacas, que podem ter a boca aberta ou fechada, distinguem-se pela grande expressividade dos traços e pela coloração dourada dos olhos. Esses dois elementos expressam o poder bruto e a selvageria dos seres sobrenaturais que representam. Apenas máscaras de demônio femininas têm chifres; os homens não.

Máscaras masculinas

As máscaras masculinas são a categoria mais numerosa. Eles podem representar um determinado tipo humano (o jovem bonito, por exemplo), significar uma característica física (cegueira) ou mesmo servir de disfarce para um ser sobrenatural (fantasma, jovem deus); alguns são até específicos para uma função particular.

Máscaras femininas

Assim como as máscaras masculinas, as máscaras femininas são classificadas de acordo com a idade e a expressão do personagem retratado. No entanto, eles variam muito menos na diversidade de expressão, concentrando-se mais em tipos específicos, a mulher jovem e bonita, a mãe preocupada e a velha digna. Algumas expressões, principalmente a da mulher ciumenta, não são classificadas como máscaras femininas, mas sim como máscaras do espírito vingativo. (veja também Zo-onna )

Máscaras de espírito vingativo

Máscaras de espírito vingativo são utilizadas quando a raiva, o ciúme ou o ódio dominam o caráter da criatura representada, seja um ser vivo (homem ou mulher) ou sobrenatural (um fantasma), essas máscaras significando, além disso, a passagem de um estado a outro. Eles têm em comum um penteado desgrenhado e douramento dos olhos que, como no caso das máscaras de demônio, denota a falta de contenção e selvageria dos personagens possuídos por sua paixão.

Fantasias

Os figurinos ( shozoku ) vêm de nobres desgaste formais e samurai da era Muromachi ( XIV th  -  XVI th  séculos). Na maioria das vezes em seda , eles são particularmente grossos e pesados ​​para acentuar a impressão de riqueza e elegância; nos tempos antigos, os aristocratas costumavam oferecer suas roupas luxuosas aos atores.

As três categorias principais de trajes são quimonos de mangas curtas ( kosode ), quimonos de mangas largas ( ōsode ) e calças largas ( hakama ), que são divididos em vários tipos e aos quais devem ser adicionadas as outras camadas de roupas. Seus ornamentos, sofisticados e às vezes tecidos de ouro e prata, são parte integrante do personagem representado, cuja natureza e humor denotam, dependendo da idade e do sexo. Por isso, são praticamente tão importantes quanto a máscara para a composição do personagem, e são objeto de contemplação do ator que absorve seu papel. As cores têm a mesma função, em particular o vermelho que simboliza a juventude, oferecendo possibilidades de combinações muito importantes com os motivos, os tipos de trajes e as máscaras.

• Nuihaku com padrões de leque.

• Bambu e padrão de crisântemo karaori .

• Kariginu (para um papel masculino) bordado com grous dourados.

• Kamishimo azul meia-noite com padrões de listras e bolas.

Acessórios

Todos os personagens que entram no palco, incluindo músicos, são fornecidos com um ventilador . Os padrões dos fãs, como as máscaras e figurinos, fornecem informações sobre o personagem e o humor do personagem. O leque pode representar um leque, um objeto diferente (remo, espada ...), um elemento do ambiente (sol, neve ...) ou um sentimento da personagem (alegria, raiva ...).

Por fim, a decoração, minimalista porque o Noh apela sobretudo à imaginação do espectador, limita-se a uns poucos objetos leves, feitos de bambu, aos quais se ligam plantas ou tecidos, dando uma ideia do tipo de ambiente de. a sala. Ao contrário de todos os outros objetos Noh, os elementos decorativos são construídos para cada apresentação e, em seguida, destruídos. Uma caixa de peruca, geralmente uma caixa de laca, é freqüentemente usada como assento.

Não hoje

Existem cerca de 1.500 atores e músicos Noh profissionais no Japão, e essa forma de arte está começando a florescer novamente. Ao contrário do kabuki, que sempre se manteve muito popular, o noh gradualmente se voltou principalmente para uma certa elite intelectual. As cinco famílias são escolas Noh Kanze (観 世 ) , Hosho (宝 生 ) , Komparu (金 春 ) , Kita (喜 多 ) E Kongo (金剛 ) . As famílias kyōgen estando separadas.

Há cerca de sessenta apresentações por mês em Tóquio , mais trinta em Kansai , para uma coleção de duzentas e cinquenta peças executadas regularmente.

Influência no teatro ocidental

A abertura do Japão , no final do XIX °  século , atraiu o interesse de muitos artistas ocidentais. Em 1921 , o poeta Paul Claudel foi nomeado embaixador da França no Japão. O que mais o marca na estrutura dramática do Noh é sua musicalidade. Ele expõe essa ideia em alguns de seus textos críticos, como Noh e Drama e Música . A influência que o teatro Noh pode ter exercido na dramaturgia de Claudel é acima de tudo formal. Ao mesmo tempo, na Irlanda, Yeats , Prêmio Nobel de Literatura em 1923 , foi iniciado no Noh e permeou todo o seu teatro. Stanislavski ou Meyerhold também se apóiam na dramaturgia japonesa e fazem alguns experimentos de encenação oriental , mas se inspiram no kabuki por sua aparência mais colorida e exótica. Bertolt Brecht , após ser apaixonado pelo teatro chinês, adaptou em 1930 a nô: Taniko , sob o título Der Ja-sager (aquele que diz sim).

Mais recentemente, o Noh moderno de Yukio Mishima , graças à tradução francesa de Marguerite Yourcenar , apresentou ao público de língua francesa alguns elementos Noh essenciais, como “fantasmas vivos” ou metamorfoses de animais. Partes de Mishima são freqüentemente encenadas também por empresas jovens, e muitas no Festival Off the Avignon até os anos 2000 .

Atualmente na Suíça , o diretor Armen Godel , apaixonado pelo Noh e tradutor de japonês, produz obras de Racine, Corneille ou, claro, Mishima, imbuindo-as de yūgen (uma palavra típica do Noh que René Sieffert traduz como "encanto sutil") E na França , desde os anos 1980 , o diretor e diretor teatral Junji Fuseya vem iniciando artistas ocidentais em sua técnica, adaptada de sua própria formação tradicional em noh e kyōgen . Devemos também notar a inspiração que Peter Brook certamente encontrou em Yoshi Oida , com quem trabalhou por muitos anos.

Notas e referências

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Veja também

Artigos relacionados

• Máscaras de teatro japonês : lista completa classificada em ordem alfabética por nome genérico
• Sarugaku , um teatro de dimensão religiosa, uma das origens do Noh.
• Kyōgen , um teatro cômico tradicionalmente representado entre duas peças Noh.
• Mibu kyōgen , teatro de pantomima budista, vizinho de kyōgen .
• Kabuki , teatro japonês popular.
• Bunraku , teatro de fantoches japonês.
• Lista de peças nō: AM
• Lista de peças nō: NZ

links externos

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Bibliografia

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