A economia do trabalho dos artistas visa estudar as atividades econômicas (produção, troca, venda, doação) da categoria social , antropológica e histórica dos artistas , para descrever seus mecanismos e sistemas micro e macroeconômicos (comportamentos individuais ou considerados como um todo )
Ao contrário de uma percepção do artista como desinteressado economicamente, mesmo praticando arte apenas por arte , esses autores são aqui considerados como trabalhadores em um mercado de trabalho entendido como um ponto de encontro com os empregadores . Esta especialidade, na encruzilhada da economia do trabalho e da economia cultural , analisa as respostas dos artistas aos incentivos econômicos e institucionais, além das formas de contratos vinculando artistas e intermediários do mercado de arte (produtores, agentes literários, editores, etc.).
O mercado de trabalho dos artistas tem quatro características distintas:
Como resultado, a forma de remunerações e compromissos são claramente diferentes do que se observa na economia do trabalho em geral.
Além disso, existem as especificidades dos bens produzidos:
O problema essencial dos estudos artísticos é, por um lado, a aquisição das competências técnicas necessárias à arte considerada e, por outro, a avaliação dos alunos numa perspetiva de lista A / lista B vigente nos seus estabelecimentos.
Um estudo da década de 1970 destaca como o ideal romântico do criador estava embutido no design dos estudos artísticos. Embora o estudo não permita generalizações, as análises de Françoise Benhamou sobre o sistema estelar contemporâneo indicam que essa lógica continua dominante. A lógica em questão é a da preeminência do talento , concebido como inato sobre o virtuosismo técnico.
No quadro de um curso artístico, o talento é assim expresso como a capacidade de exprimir novos problemas artísticos e de os resolver por meios originais.
Exemplo: Um dos problemas artísticos de Mark Rothko era que o retrato , por dar apenas a aparência externa do indivíduo, informava sobre personagens transitórios e não dava acesso ao que ele queria capturar, o sentimento íntimo da modelo. Sua solução foi pintar retratos despojados de qualquer elemento anedótico, dando acesso a uma sensação direta de estranheza do outro.A avaliação da relevância dos problemas e da originalidade da solução baseia-se, portanto, no julgamento de pares ou formadores, eles próprios artistas. No entanto, esta avaliação é diferente da do público em geral: Caves relata experiências em que dois júris, um de artistas e um de não artistas, tiveram que julgar as mesmas obras. O primeiro júri favoreceu a originalidade, o segundo virtuosismo técnico em um estilo conhecido. Este sistema de formação incentiva, portanto, todos os artistas a desenvolverem a sua originalidade em detrimento do desenvolvimento de competências que lhes permitam assegurar um emprego alternativo em caso de insucesso. Isso leva, portanto, a um superinvestimento na busca de originalidade e a um subinvestimento em know-how negociável. No entanto, a análise deste sistema permanece limitada pela impossibilidade de saber em que medida uma maior ênfase no know-how teria consequências significativas na perda de obras originais.
A forma dos contratos nas indústrias culturais é significativamente diferente da que prevalece na maioria dos setores da economia. Assim, a remuneração baseia-se na maioria das vezes na repartição das receitas na forma de royalties , uma vez cobertos os custos de produção dos diversos atores. O problema essencial é a aproximação entre atores artísticos, que buscam não só a renda, mas também a exposição máxima de seu trabalho ao público, e atores que respondem a uma lógica econômica mais clássica de maximização de seus rendimentos ou de seus negócios.