Projeto

Com a década de 1930, a criatividade e a teorização do design cruzam o Atlântico. Raymond Loewy escreve “a feiura vende mal” e sugere dar um forte valor estético e simbólico aos objetos manufaturados para reavivar a economia. Além do Cadillac, a garrafa da Coca-Cola, ela também desenha o maço de cigarros da Lucky Strike e exibe a marca e o logotipo da propaganda nas duas faces da embalagem. A marca será identificável em todas as embalagens jogadas na rua.

Loewy não está isolada, Walter Dorwin Teague , Wells Coates , Russel Wright e Henry Dreyfuss representam esta criatividade americana que se afirma e para a qual a indústria do país oferece amplas saídas.

Por sua vez, Jacques Viénot teoriza a estética industrial por meio de "leis" que ainda fundam o Instituto Francês de Design .

A Feira Internacional de Nova York abriu suas portas em abril de 1939 para celebrar a confiança recuperada após anos de crise, os designers americanos estão em destaque nesta exposição universal que acolhe - com uma infeliz noção de tempo - "o mundo de amanhã". Quando ela termina, a Segunda Guerra Mundial estourou e os esforços dos designers para tornar o mundo um pouco mais bonito, um pouco melhor, são relegados a segundo plano.

Pós-guerra e design orgânico

O período do pós-guerra que Penny Sparke chama de neomodernismo apresenta uma ampla adoção por designers de ambos os lados do Atlântico de formas fluidas, arredondadas e flexíveis: será chamado de design orgânico.

Alvar Aalto estabelecido no processo de suas realizações mobiliário de laminado de madeira já utilizado na arquitetura desde o início do XX °  século. Em termos de materiais, o tubo de aço, onipresente no design dos anos 1930, foi substituído pelo plástico . Da Escandinávia também vêm Arne Jacobsen e sua famosa cadeira Ant ou sua cadeira Egg , Eero Saarinen e sua cadeira Tulip, enquanto as formas totalmente orgânicas do terminal TBWA de Nova York - Aeroporto Internacional John F. Kennedy (1956-1962) atraem o público. O ceramista e vidreiro Kaj Franck , o marceneiro Hans Wegner , o pau para toda obra Tapio Wirkkala completam a série de florescimento artístico escandinavo.

Entre os designers desta era chave - os americanos cinquenta estão a todo vapor - mencionemos os americanos Charles e Ray Eames ou George Nelson . Eliot Noyes , ativo na IBM , deu uma forma orgânica e simpática às máquinas de escrever produzidas para automação de escritório - ele também foi creditado com o pavilhão da IBM na Expo 1964 em Nova York.

Os italianos Gio Ponti , Carlo Mollino , Marcello Nizzoli acompanharam o boom da indústria italiana do pós-guerra e criaram os ícones de La Dolce Vita  : vespa , máquina de café expresso , bela carroçaria, etc. Devemos ao Flaminio Bertoni as linhas Citroën desde o Traction Avant, passando pelo 2CV até o DS .

Na Alemanha, a tradição artística proveniente da Bauhaus renasce com a Hochschule für Gestaltung Ulm . Entre os designers alemães desse período, citemos Hans Gugelot , Dieter Rams assume a direção artística dos produtos Braun GmbH .

No Reino Unido, Ernest Race criou um estilo “moderno”, o equivalente em design do New Look de Christian Dior , que foi imediatamente adotado por toda a Europa. Robin Day e sua esposa Lucienne nos deixaram com tecidos do estilo dos anos cinquenta instantaneamente reconhecíveis. Douglas Scott projetou o ônibus vermelho de dois andares , que desde então se tornou um dos ícones britânicos.

O Japão, outra potência industrial da época, não nos deixou um designer de ponta, mas o design anônimo produzido por equipes de empresas como a Sony atesta um forte profissionalismo neste país.

Período pós-guerra de "Modernismo de Conservação"

Em seu livro 100 Years of Design , Penny Sparke cria esse oxímoro sobre esses grandes artistas do período entre guerras, certamente produtores de linhas limpas e seguidores do modernismo , mas que não são, não mais ontem do que hoje 'hui, considerados designers. O que os aproxima? Eles criam peças únicas combinando materiais modernos e materiais de luxo tradicionais, para uma clientela abastada.

Citemos, entre esses conservadores modernistas amplamente celebrados durante a Exposição de Artes Decorativas , os designers de interiores franceses Jacques-Émile Ruhlmann e Jean Dunand , este último especialmente famoso por seus lacas, ou Eileen Gray , inglesa principalmente ativa em Paris. Em outros lugares, o austríaco Josef Frank ou a americana Sylvie Maugham , em seus respectivos países, invejam as classes médias que veem nas primeiras revistas de decoração suas conquistas.

Este exemplo nos lembra que sempre houve polêmica sobre a definição de designer, principalmente na França. Em primeiro lugar, porque o termo não está protegido, não é um estatuto nem uma profissão oficialmente reconhecida pela administração.

Entre 1961 e 1974, o movimento Archigram inglês , liderado entre outros por Peter Cook , desenvolveu uma arquitetura sem fundamento, puramente teórica, e publicou uma revisão da arquitetura. Seus integrantes reagem à era do consumo e desenvolvem trabalhos em pop art, mídia de massa e eletrônica.

No final dos anos 1960, em paralelo com o movimento da arquitetura radical (ou design radical ), o antidesign , carregado pela obra de Joe Colombo , repensa o habitat a partir do design e contra as formas hierárquicas da arquitetura. “A cápsula insiste na sua surpreendente concordância com a emancipação disciplinar do design no final dos anos 1960, quando tenta se libertar dessa tutela histórica para se estabelecer como uma disciplina adequada do habitat. Esta posição é notavelmente ilustrada pelo trabalho de Joe Colombo. Ele inventa as condições de um cotidiano moderno em correspondência com o mundo em uma relação espaço-temporal harmoniosa e convida seus pares a repensar completamente o habitat com base no design. "

A agência italiana Archizoom foi fundada em 1966 em Florença, Itália por Andrea Branzi , Gilberto Corretti, Paolo Deganello, Massimo Morozzi, Dario Bartolini e Lucia Bartolini. O grupo Superstudio foi fundado em 1966 em Florença, Itália, por Adolfo Natalini e Cristiano Toraldo di Francia. Natalini escreveu em 1971: “se o design é mais um incentivo ao consumo, então devemos rejeitar o design; se a arquitetura serve antes para codificar o modelo burguês de sociedade e propriedade, então devemos rejeitar a arquitetura; se arquitetura e urbanismo são antes a formalização das atuais divisões sociais injustas, então devemos rejeitar a urbanização e suas cidades ... até que qualquer ato de design vise atender às necessidades básicas. Até então, o design deve desaparecer. Podemos viver sem arquitetura. "

O Grupo Memphis foi fundado por Ettore Sottsass em 1980, o movimento é uma reação ao estilo internacional , marcado por uma produção humorística e poética.

Droog Design foi descoberto na Feira Internacional de Móveis de Milão em 1993, na exposição oficial da Design Academy em Eindhoven. Caracterizadas por uma impertinência, uma abordagem crítica e excêntrica, as produções costumam ser um manifesto. É uma fundação dirigida pelo historiador da arte Renny Ramakers e pelo designer Gijs Bakker , ambos da Holanda. A Droog Design define-se como uma marca e reúne designers internacionais convergindo nesta mesma abordagem (Jan Konings, Jurgen Bey , Marcel Wanders , Tejo Remy , Piet Hein Eek ...) Este movimento é antes de tudo uma afronta ao design institucionalizado, com fluidez e formas funcionais. Este grupo está intimamente ligado às ideias das décadas de 1960 e 1970, especialmente o design radical . O fenômeno realmente abriu uma brecha nos desafios da disciplina e em nossas referências culturais.

Design de ficção e design especulativo

Promovido em particular pelo ensaísta Julian Bleecker em Design fiction: A Short Essay on Design, Science, Fact and Fiction (2009), pelo escritor de ficção científica Bruce Sterling ou por teóricos como Alexandra Midal e Nicolas Nova , o design fiction imagina os usos e objetos do futuro segundo parâmetros prospectivos, especulativos, quando não são decididamente utópicos. Instituições como o Royal College of Art de Londres, a Escola de Arquitetura e Design da Universidade de Greenwich , a Universidade de Arte e Design de Genebra , a Escola de Pesquisa Gráfica de Bruxelas com o Mestrado em Design e Política de Múltiplos e o MIT são bem-vindos professores e alunos interessados ​​em design-ficção.

Disciplinas e subdisciplinas de design

• O designer diferencia-se do artesão pelo facto de não ser especialista num material (madeira, metal, plástico, etc.), do técnico pelo facto de não ser especialista numa área técnica e de engenharia pelo facto de atravessa os campos do conhecimento de forma transversal. Nisso, podemos aproximá-lo do maestro ou do diretor no cinema .

• O design é concebido como uma navegação permanente entre a unidade e o global, entre o pensamento (propósito) e a prática (desenho). Nesse sentido, podemos comparar essa abordagem àquela do pensamento complexo e sistêmico .
• O design não consiste em acumular conhecimentos, mas sim em criar, através da compreensão, ligações lógicas entre as coisas (fluxos, conceitos, imagens, símbolos, etc.).

Embora o design seja inerentemente não especializado e cubra uma ampla variedade de campos, tem havido uma tendência gradual de separação em subdisciplinas devido a:

• o paradigma ocidental atual com base no disjunção (no XVII th  século) e, em seguida, a especialização ( XIX th  século) para servir como a vontade de um mestre.
• realidade profissional em negócios que exige maior especialização por área. Daí a tendência das escolas profissionais de setorizarem sua formação.

• de uma tendência para uma definição do “design” anglo-saxão para profissões já existentes: a cenografia é cada vez mais designada por design de espaço. Essencialmente, por razões de avaliação. O design de jogos é preferido pelas mesmas razões da computação gráfica. Este último ponto não é válido para o Canadá francófono, onde a tendência aos anglicismos é ferozmente combatida pela elite intelectual e artística, grande criadora e consumidora de design.
• de alguma confusão: inicialmente , há uma distinção entre design gráfico (praticado por um designer para servir a um design global) e design gráfico , uma disciplina autônoma que tem sua própria história que remonta aos primeiros vestígios do homem nas cavernas de Lascaux.
• e novos campos de design que exigem novas formulações: design sensorial , design de movimento , design paramétrico , etc.

As separações são feitas por:

• finalidade tipológica: design de espaço, design de produto, design de movimento , design gráfico , design de som , web design , transporte de design . Estas são as subdisciplinas clássicas baseadas na especialização e na aquisição de conhecimentos e ferramentas específicas para cada área. O objetivo dessas subdisciplinas é essencialmente a execução.
• modo de ação, intenção ou processo de design industrial , Ecodesign , Collaborative design , interactivo e Design Digital , Design Estratégico , desenho paramétrico , pesquisa de design , design de direitos de autor . Com base mais no posicionamento e em uma estratégia criativa. As competências são focadas mais na reflexão do que no conhecimento adquirido.

Desenho de autor e desenho industrial

No início da história do design, vemos dois grandes visões (dois ideais que correspondem as ideologias dominantes) que se opõem e cruzam-se ao longo do XX °  século. Podemos, assim, situar o design entre esses dois extremos:

• Por um lado, haveria um desenho de autor  : privilegiando o trabalho à escala humana, a proximidade com artesãos altamente qualificados ou técnicos de diferentes ramos. O know-how (e, portanto, o backup) é de grande importância. As peças produzidas em pequenas séries costumam ser muito caras, porque a mão-de-obra (know-how) tem um preço. A peça final não poderia ter existido independentemente do trabalhador. Pode ser comparado ao movimento Arts & Crafts de William Morris. É um desenho que está do lado da realização e que define o cidadão mais como um trabalhador.
• Por outro lado, haveria um desenho industrial  : atuando dentro de uma empresa, esse desenho coletivo está localizado a montante do projeto, ou seja, na fase de desenho . os produtos são produzidos em grandes séries para reduzir os custos iniciais de moldes de fundição, injeções, prensas, etc. A quantidade de material e os processos de fabricação são otimizados para resultar em um produto o mais econômico possível. Na hora da produção, um funcionário não qualificado é suficiente, novamente para reduzir custos. A peça existe independentemente dos funcionários, pois são intercambiáveis. É um design que concebe, que projeta. É um design que está do lado do design e o cidadão é definido mais como um cliente.

Design e artes plásticas

O design há muito é definido, em particular pelos acadêmicos, como enquadrado nas artes decorativas , classificado como artes menores , devido a uma prática subjugada a algo: móveis, espaço, indústria, a uma função, etc.

A distinção entre artes menores e maiores remonta ao Renascimento , quando os artistas proclamaram a sua obra cosa Mental , ou seja, "coisa da mente", ou seja, pertencente às artes liberais como a música, a poesia. Ou a matemática e não a mecânica artes que são exercidas pela mão e são da responsabilidade das empresas . Para tanto, multiplicaram as marcas de semelhança com o auxílio de estudos de perspectiva e anatomia, inclusive de engenharia como Leonardo da Vinci e da produção de poesia como Michelangelo. Para obter este reconhecimento, eles são reunidos com sucesso com os príncipes patronos , a fim de entrar em sua corte, onde havia muitos eruditos e literatos, e obter comissões e pensões como estes. Nos tempos do humanismo, os artistas eram versáteis, ou seja, ao mesmo tempo escultores, pintores e arquitetos, o que ipso facto acedeu a estas três profissões ao rango das artes liberais, uma vez obtida a assimilação dos artistas. No final do século XVI E  , foram criadas as academias, que credenciaram o sistema e proclamaram o desenho, a arquitetura, a escultura e a pintura “grandes artes” e depois “belas artes”. Essas práticas foram, portanto, excluídas dos ofícios aos quais ainda pertenciam móveis, ourives, estofadores e tecelões, vidreiros, ceramistas etc., que foram relegados à categoria de artes menores. Em causa, a sua implicação demasiado forte na transformação do material e no trabalho manual, mesmo na execução em detrimento da imaginação. Artes e ofícios também do lado de fora perto de academias desde que o poder estava dentro das corporações e fabricantes , embora o sabor da aristocracia de luxo ameaçado a borrar a distinção no início do XVIII th  século. O reforço das artes plásticas pelo Prix ​​de Rome e pelo Salon consolidou então sua posição dominante. Por extensão, o design, que surgiu durante a revolução industrial , foi assimilado às artes menores porque também tratava do objeto, quando não era simplesmente o trabalho de artesãos como Thonet . Uma luta pela valorização das artes menores e contra a hierarquia das artes, consideradas ramificações do academismo , começou, em grande parte sob a liderança de William Morris e do Arts and Crafts. O fim das corporações também facilitou essa busca por reconhecimento.

As clássicas distinções entre arte e design continuam presentes, como sublinha Stéphane Laurent (historiador) num artigo recente, o que não deixa de ter problemas no que diz respeito ao reconhecimento cultural do design. Oponhamos assim o design à arte pela “  utilidade  ”, porque está ao serviço de uma função e não é “pura” contemplação, ou seja, numa abordagem intelectual que se situaria fora das contingências materialistas. Além disso, como designer de objetos a serviço da indústria, o design é frequentemente associado a interesses mercantis e consumistas .

Design e arquitetura

O design está intrinsecamente ligado à arquitetura pela sua importância no mobiliário, que é o equipamento da construção. O desenvolvimento de um projeto de design segue um processo próximo da arquitetura devido à forte implicação da função e da técnica no processo de criação. Além disso, a representação é semelhante, pois ambos usam planos e perspectivas. Essas semelhanças explicam que a fronteira entre design e arquitetura pode parecer confusa, tanto que muitos arquitetos se dedicam à criação de móveis, até mesmo de equipamentos domésticos, como luminárias. Durante o Renascimento, Jacques Androuet Hoop entregou modelos, enquanto tabelas Eugène Viollet-le-Duc inventado o XIX th  século para reconstruir mobiliário medieval num espírito de arte total. Na verdade, é a preocupação com a complementaridade entre o todo e o detalhe, a unidade de estilo ou estética, que leva muitos arquitetos a projetar objetos para interiores. O período mais prolífico a esse respeito é provavelmente o início do XX °  século Art Nouveau Assim, com Hector Guimard , Gaudí , Frank Lloyd Wright ou Henry Van de Velde e modernismo com Le Corbusier , Alvar Aalto , Marcel Breuer , Mies van der Rohe ou Eero Saarinen entregou uma série de conjuntos e modelos, às vezes especialmente desenvolvidos para um edifício específico, como a poltrona Barcelona de Mies van der Rohe ou os móveis de madeira laminada colada para o sanatório Paimio de Aalto. Alguns designers projetaram móveis em associação com arquitetos como Philippe Starck . Devido à crescente complexidade das técnicas e à especialização das habilidades, poucos arquitetos hoje desejam transpor suas pesquisas para o mobiliário como Zaha Hadid . Uma empresa de móveis como a Knoll se tornou conhecida na publicação de móveis arquitetônicos. Além disso, uma das componentes do design, nomeadamente o design de interiores, é definida como uma atividade criativa desenvolvida no âmbito de um projeto de arquitetura ou de um conjunto existente para conceber a disposição do espaço.

Design e técnica

Existem duas posturas em relação à técnica. Também encontramos essas duas posturas no mundo da música, com Pierre Boulez para a primeira e Pierre Schaeffer para a segunda.

• A primeira é dizer que a estética está dissociada da técnica , que são duas áreas de atuação que não devem ser influenciadas. A estética tendo predomínio sobre as outras. É de longe o mais praticado, por razões históricas, porque nesta perspectiva consideramos que a essência de um projeto está no conceito.

Como resultado, os designers não são legitimados para seguir um projeto além dos esboços que oferecem. E, ao mesmo tempo, deles recebemos propostas ingênuas, pouco práticas, porque ignoram a questão da realização. No entanto, no caso de autores talentosos, obtêm-se realizações muitas vezes excepcionais, que não poderiam ter visto a luz do dia de outra forma. O orçamento necessário está acima da média.

• para o segundo, o design (inicialmente denominado estética industrial), é uma disciplina herdada do pensamento estético. Nesse sentido, contém necessariamente a questão da técnica. Para Simondon , o pensamento estético une o pensamento técnico , aquele que fragmenta e analisa, e o pensamento holístico , contemplativo da totalidade. Ele toma o lugar do pensamento mágico por meio da filosofia. Nesse sentido, o pensamento estético (design) é o que manifesta a incompletude do nosso conhecimento e a insatisfação das divisões.

Design e indústria

Em primeiro lugar, não é possível criar um objeto ou serviço que não seja viável de uma perspectiva industrial . Em certos casos, o designer pode realizar para si mesmo parte da concepção técnica das peças que desenha em relação ao fabricante. Em particular, o projetista escolhe seus materiais (embora não necessariamente entre nos detalhes da linha de aço, por exemplo), as técnicas de fabricação que farão a peça, etc. O designer frequentemente possui uma extensa cultura técnica que lhe permite entender completamente os aspectos da manufatura.

Design e engenharia

Também é bastante comum ver o estilista colaborar com os engenheiros durante o estudo do estilo. Isso permite, por exemplo, dimensionar completamente a peça para ter certeza de que a forma será fixada de uma vez por todas no final do estudo. Quando o objeto inclui um mecanismo, ele permite que o mecanismo seja devidamente incorporado ao objeto. Em web design, o estilista deve saber o que pode ser alcançado ao criar seu programa. Às vezes, eles podem fazer parte do código HTML para a exibição. Nos métodos ágeis, a colaboração estilista-designer segue um modo interativo e requer que os dois protagonistas trabalhem completamente juntos.

Design e inovação

Além desse aspecto, o design interage com a técnica no cerne do processo de inovação. O design geralmente oferece inovações vinculadas ao uso que podem levar a novas pesquisas técnicas. Este é principalmente o caso do design voltado para o futuro, que dará à empresa visões sobre as possíveis inovações de amanhã e linhas de estudo para P&D . Por outro lado, o design pode tornar possível encontrar aplicações para tecnologias. A sigla P&D  : pesquisa e desenvolvimento, pode ser substituída por RID  : Pesquisa, Inovação, Desenvolvimento, nos casos em que haja um real duplo trabalho da técnica e do conceito.

Design e inovação pública

O design também recentemente se interessou por questões de design de serviços públicos e formulação de políticas públicas. Na França, sob o impulso da 27 ª Região, muitos territórios, as comunidades locais, regionais ou nacionais, têm experimentado as práticas de design para renovar e redesenhar da ação pública na reorientação em co-criação com os usuários, beneficiários e dos cidadãos. O design, portanto, começou a ser integrado como uma nova forma de inovação pública.

Design e Marketing

O design às vezes tem relacionamentos conflitantes com o marketing . Isso pode estar ligado a uma percepção negativa e caricaturada de marketing na cultura global, bem como a conflitos de interesses dentro da empresa. O design e o marketing trabalharão nas necessidades do cliente usando abordagens diferentes. Embora design e marketing possam ser vistos como abordagens muito complementares, alguns podem sentir que outros estão invadindo suas camas. Acrescente-se a isso que Philip Kotler , teórico do marketing, tomou a iniciativa de classificar o design como ferramenta de marketing. Embora Philip Kotler mais tarde tenha retornado às suas observações (correspondência com Brigitte Borja de Mozota , pesquisadora em gestão de design ) e corrigido isso, essa visão permanece em muitos manuais de marketing e alimenta conflitos e mal-entendidos nos negócios.

O design se distingue do marketing por uma abordagem principalmente empática para com o consumidor, preferindo, por exemplo, o termo usuário. Os designers colocam muita ênfase no fato de que o design considera acima de tudo o bem-estar do usuário. Isso não impede a existência de técnicas de manipulação expressas pelo design, por exemplo, no design de áreas de vendas. Geralmente seguindo abordagens empáticas, o design é uma fonte de retorno sobre o investimento e uma alavanca econômica de primeira linha e bem percebida, por sua proximidade com o usuário.

O designer vai contar muito com uma percepção intuitiva e empática do usuário. Ele desenvolve essa percepção monitorando, indo ao encontro do usuário durante as entrevistas, etc. Ao final do estudo preliminar, o designer deve ser capaz de descrever um universo, um serviço, que seja adequado ao usuário.

Um estudo de design pode ser muito mais documentado do que um estudo de marketing sobre aspectos relacionados à percepção do usuário. Por outro lado, os estudos quantitativos de marketing continuam sendo um recurso exclusivo que pode ser muito útil para o designer. É interessante incluí-los como um apêndice no brief de design .

O design torna-se complementar ao marketing quando existe uma comunicação real e um bom entendimento entre as duas profissões.

Branding é uma técnica de marketing que visa criar e gerenciar a identidade de uma marca junto aos consumidores por meio de seu design. Esta disciplina vem principalmente de países anglo-saxões.

Organizações de promoção

Na França

• Ministério da Cultura e Comunicação e Ministério da Recuperação Produtiva (trata-se da Política Nacional de Design)
• O Instituto Francês de Design (IFD): criado por Jacques Viénot (1952)
• O APCI
• AFD, Alliance Française des Designeurs
• O Centro Nacional de Design anunciado por Éric Besson em 2011
• A cidade do design em Saint-Étienne

Treinamento

Na França