Ambrogio Lorenzetti

Ambrogio Lorenzetti Imagem na Infobox.
Aniversário 1290
Seu
Morte 9 de junho de 1348
Seu
Atividade Pintor
Mestre Duccio di Buoninsegna
Ambiente de trabalho Seu
Movimento Escola de Siena
Irmãos Pietro Lorenzetti
Trabalhos primários
Os efeitos do bom e do mau governo , Anunciação

Ambrogio Lorenzetti ( Siena , c. 1290 - Siena,1348) é um pintor da escola de Siena , conhecido desde 1317 até sua morte em 1348 devido à Peste Negra . Ele é um dos mestres da escola do Quattrocento de Siena. Irmão jovem de Pietro Lorenzetti , destaca-se sobretudo pela forte componente alegórica e pelo complexo simbolismo das suas obras e pela profunda humanidade dos sujeitos que representa.

Biografia

Primeira Virgem de Vico l'Abate

Ele provavelmente foi treinado na oficina de Duccio di Buoninsegna, como seu irmão mais velho, Pietro Lorenzetti e Simone Martini .

A Madonna di Vico l'Abate feita para a Igreja de Sant'Angelo di Vico l'Abate perto de San Casciano em Val di Pesa , e exibida no Museu Giuliano Ghelli em San Casciano , é considerada a primeira obra entre as atribuíveis a Ambrogio Lorenzetti. É datado pelo autor em 1319. O painel é totalmente diferente do anterior Maestà ou Madonnas com o Menino de Duccio di Buoninsegna, a ponto de sugerir que, ao contrário de seu irmão Pietro Lorenzetti e Simone Martini, Ambrogio não foi formado em sua oficina . A presença desta obra em uma cidade perto de Florença , e relatos subsequentes de que Ambrogio esteve em Florença e seus arredores pelo menos até 1332, também sugerem que, embora um nativo de Siena, ele provavelmente foi treinado com o florentino Giotto e os escultor Arnolfo di Cambio , como atesta a solidez de seus personagens. As dissimilaridades com Giotto e os seus discípulos são, no entanto, consideráveis, afastando-o da escola florentina da pintura e ajudando a revelar, ao estilo de Ambrogio Lorenzetti, alguns traços verdadeiramente originais que surgem da génese da sua produção.

Nesta pintura, as fisionomias de Maria e do Menino não são muito suaves. As figuras têm uma presença escultórica poderosa, que também ecoa as estátuas de Arnolfo di Cambio. A representação da Virgem 'cara s, à maneira bizantina e recorda as obras da segunda metade do XIII th  século (alguns especialistas até a especular que o cliente pediu explicitamente o autor para se referir ao estilo de' tempo). O manto da Madonna é reproduzido em uma cor compacta e com dobras imperceptíveis na cortina. Os rostos têm uma caracterização claro-escuro que não é excelente e o trono é um banco de madeira angular simples que apresenta decorações geométricas; arquitetura é reduzida ao mínimo. Esses são provavelmente os limites de um jovem pintor que, no entanto, mais tarde terá um desenvolvimento vertiginoso.

No entanto, o naturalismo ígneo na representação dos personagens já é notável nesta primeira pintura e antecipa o que será uma das maiores contribuições de Ambrósio para a história da arte. As mãos de Maria seguram o bebê em vez de cercá-lo. A mão direita está inclinada em relação ao antebraço para segurar a perna direita de Jesus. Os dedos das duas mãos não são paralelos, mas apresentam uma disposição que lhes permite apoiar melhor a criança. O dedo indicador da mão direita se destaca e dá um naturalismo funcional ao gesto nunca antes visto. A criança olha para sua mãe; seus pulsos e o encurtamento do pé esquerdo mostram uma criança sacudindo e chutando como um bebê de verdade.

Entre florença e siena

O período 1320-1322 é o mais nebuloso da vida artística do pintor porque as obras situadas neste período não apresentam datação ou documentação precisa. No entanto, parece provável que foi dividido entre Florença e Siena. Um documento dos Arquivos do Estado de Florença datado de 1321 refere-se a uma dívida contraída pelo artista para com um certo Meo di Lapo que levou à apreensão de um quadro de Nudo di Vermiglio . Outro documento atesta que em 1328-1330 Ambrogio foi inscrito na Arte dei Medici e Speziali , uma corporação de artes e ofícios da cidade de Florença que, nessa altura, também recebia pintores. Lorenzo Ghiberti descreve alguns de seus afrescos em um convento florentino agostiniano, provavelmente pintado entre 1327 e 1332.

Recebeu numerosas encomendas em Florença, onde rapidamente adquiriu a reputação de pintor culto, "mais um filósofo do que um artista", e se, em 1332, ainda estava registado entre os pintores florentinos, foi em Siena que fez as suas obras .trabalhos mais significativos.

Em 1324, Lorenzetti vende uma pequena propriedade de terra para comprar uma casa em Siena e pagar o imposto sobre o sal . Outro documento datado de 1331 certifica o pagamento de uma comissão consultiva a um juiz colateral do podestado de Siena.

Alguns pesquisadores atribuem a estes anos a Madonna da Pinacoteca di Brera , a Madonna Blumenthal do Metropolitan Museum of Art , a Virgem Lactante da ermida agostiniana de Lecceto, exposta hoje no Museu Diocesano de Siena, o Crucifixo da Igreja de Santa Lúcia em Montenero d'Orcia em Castel del Piano e o Crucifixo da Igreja Carmelita de Siena e exposto na Galeria Nacional da cidade. No entanto, o consenso sobre a datação desses trabalhos está longe de ser unânime entre os pesquisadores e as incertezas permanecem.

No entanto, os estudiosos concordam com uma datação entre 1324 e 1331 do Crucifixo das Carmelitas de Sena, sobretudo porque datam desses anos o Políptico das Carmelitas de seu irmão Pietro, com quem Ambrogio sempre pintou na mesma cidade. A obra, de considerável dimensão, caracteriza-se pelo seu grande volume, típico da escola toscana, mas mostra peculiaridades no rosto, na cabeceira e na decoração típicas do modo de Siena, anunciando a maturidade do pintor.

Por outro lado, é certa a datação em 1332 do tríptico da igreja de São Procule em Florença: muitas testemunhas leram, ao longo dos séculos, a assinatura do artista e a data por ele aposta (1332) que hoje são ' hui perdido. O tríptico, recentemente remontado na Galeria Uffizi em Florença, mostra a Madona e o Menino entre os Santos Nicolau (à esquerda) e Procule (à direita). Acima dos três painéis, as cúspides mostram o Cristo Redentor (centro) e os Santos João Evangelista (à esquerda) e João Batista (à direita). Comparado com a Virgem de Vico l'Abate de 1319, Ambrogio Lorenzetti fez progressos notáveis ​​na representação volumétrica dos personagens, no refinamento das figuras, no uso de modulações de claro-escuro, no perfil marcado dos personagens, na rica decoração, agora muito mais perto dos da escola de Giotto. As posturas das personagens ainda são rígidas e parecem gessadas, distinguindo-se assim das de Giotto do início dos anos trinta (por exemplo do contemporâneo Políptico de Bolonha ) ou mesmo das de Simone Martini ou de Lippo Memmi (por exemplo da Virgem na Contemporânea Criança de Memmi no Museu de Arte Nelson-Atkins em Kansas City ).

No entanto, ainda é a humanidade da relação entre Maria e o Menino que distingue a obra. Nessa pintura, o Menino Jesus olha para a mãe com os olhos arregalados e a boca entreaberta, gerando uma expressão típica de um bebê recém-nascido. Maria olha para trás e oferece ao Menino uma expressão serena e tranquilizadora, assim como os dedos de sua mão direita para brincar. Sua mão esquerda, por outro lado, tem o desenho típico usado por Lorenzetti, com os dedos abertos que enfatizam a energia de sua pegada.

Também produziu quatro pinturas que representam episódios da vida de São Nicolau para a Igreja de São Procole em Florença, e por isso datam de cerca de 1322, agora expostos na Galeria Uffizi. Essas pinturas destacam uma veia narrativa notável do artista e sua capacidade de criar arquiteturas complexas, onde também evita a convenção imprópria de perfurar paredes para mostrar o que está acontecendo nos quartos. Por exemplo, na cena de São Nicolau trazendo à vida a criança estrangulada pelo demônio , a criança protagonista é representada quatro vezes, em tantos momentos sucessivos que acontecem nos dois andares de um edifício: o térreo. -Chaussée é aberto por um arco, enquanto a parte superior é visível através de uma loggia. Além disso, nessas cenas, o fundo dourado é quase abolido, a arquitetura ocupando quase todo o fundo.

Retorne ao campo de Siena

Por volta de 1335, Ambrogio Lorenzetti retornou ao campo de Siena. Ugurgeri Azzolini relata que em 1649 ele viu as assinaturas de Ambrogio Lorenzetti e seu irmão Pietro nos afrescos então dilapidados do Hospital Santa Maria della Scala com a data de 1335. Esses afrescos agora estão perdidos. Lorenzo Ghiberti também menciona afrescos de Pietro e Ambrogio Lorenzetti no claustro e na casa capitular da Basílica de São Francisco de Siena , afrescos dos quais ainda hoje restam apenas algumas cenas e que datam de cerca de 1336. A copresença de seu irmão Pietro, nesses ciclos de afrescos de Siena, sugere que Ambrogio pôde receber encomendas em sua cidade natal graças à sua intercessão.

Ambrogio atua nos mesmos anos como artista autônomo e independente, especialmente no campo de Siena: um retábulo com a Virgem e o Menino, São Miguel Arcanjo e os santos do mosteiro de San Cristoforo a Rofeno, agora está preservado no Museu de Arte Sacra de Asciano , obra datada de 1332-1337 e provavelmente realizada a partir do tríptico de Saint-Procole. Quase todos os historiadores atribuem a ele os quatro santos de um políptico desmembrado de proveniência desconhecida e exibido hoje no Museo dell'Opera del Duomo em Siena por volta de 1332-1335. O Crucifixo da Igreja de Santa Lúcia em Montenero d'Orcia, perto de Castel del Piano, também é datado de cerca de 1335, não sem incertezas. A datação em 1335 da esplêndida Maestà da igreja agostiniana de San Pietro all'Orto em Massa Marittima (propriedade de Siena na época) e agora em exibição no Museu de Arte Sacra da mesma cidade, está mais bem estabelecida. Ambrogio também deixou um Maestà e afrescos na capela da Ermida de Montesiepi , na Abadia de San Galgano , afrescos que podem ser datados de 1334-1336, conforme evidenciado por um documento que atesta a presença do pintor em San Galgano em 1334 e inscrição agora perdida, mas lida em 1645, relativa ao ano de 1336.

Nessas obras, os personagens adquirem aquela postura mais relaxada e equilibrada que caracteriza o estilo de Giotto e seu aluno Taddeo Gaddi , bem como o dos últimos anos de Simone Martini e seu cunhado Lippo Memmi. Suas obras, no entanto, parecem mais articuladas e muitas vezes carregadas de alegorias complexas. A esplêndida Maestà de Massa Marittima , por exemplo, é dominada por uma infinidade de personagens. Nas laterais dos degraus do trono estão seis anjos (três de cada lado) com instrumentos musicais e incensários . Em cada lado do trono estão mais quatro anjos, dois segurando as almofadas do trono e mais dois jogando flores. Todas as outras figuras de pé representam uma multidão de profetas, santos e patriarcas. Esta “superlotação” confere ao retábulo do mosteiro de San Cristoforo a Rofeno, que representa o nascimento de Jesus Cristo, um novo significado. Aos pés do trono estão as personificações das três virtudes teológicas , de baixo para cima, fé, esperança e caridade , como indicam as inscrições nos degraus. A sua disposição não é fortuita: segundo a definição de Pietro Cantore, a fé constrói os alicerces do edifício eclesial e, de facto, encontra-se no degrau que forma a base do trono, a esperança eleva a Igreja ao céu, simbolizada pelo pesado torre que sustenta, enquanto a Caridade concretiza o amor da Igreja por Deus Pai e pelo próximo.

Mas mesmo nesta pintura alegórica de um significado teológico tão complexo, Ambrogio Lorenzetti não renuncia à relação humana e naturalista entre Mãe e Filho com o controle energético usual de Maria sobre a Criança, com contato bochecha com bochecha e contato bochecha com bochecha troca de olhares próximos entre os dois personagens.

Retorno definitivo a Siena: alegorias dos efeitos do bom e do mau governo

Simone Martini, a artista referência da cidade até então, partiu para Avignon em 1336, Ambrogio foi novamente documentado em Siena em 1337, para pintar independentemente de seu irmão Pietro Lorenzetti.

A Maestà da Capela Piccolomini do Convento de Sant'Agostino em Siena data de 1337-1338, também é caracterizada por um importante significado alegórico.

Em 1338-1339, Ambrósio pintou o que hoje é considerado sua obra-prima entre as obras que chegaram até nós: as alegorias do bom e do mau governo e seus efeitos na cidade e no campo , distribuídas em três paredes, de comprimento total de cerca de 35 metros, no Salão dos Nove do Palazzo Pubblico em Siena. Na parede posterior do corredor está a Alegoria do Bom Governo, onde todos os aspectos do governo são representados por figuras humanas, como a justiça, o município de Siena, cidadãos, forças policiais, etc., e suas virtudes inspiradoras, como sabedoria divina, generosidade , paz, virtudes cardeais e virtudes teológicas , etc. Todas essas figuras interagem em uma ordem precisa para representar uma cena muito complexa. Na parede direita está a Alegoria dos Efeitos do Bom Governo na Cidade e no Campo , com uma representação alegórica do trabalho produtivo na cidade de Siena e no seu interior. Por fim, na parede esquerda está a Alegoria do Mau Governo , com as personificações da má administração e dos vícios e seus efeitos na cidade e no campo. O ciclo dos afrescos sempre foi estudado por críticos e amadores não só da história da arte, mas também da história geral , da história política , do planejamento urbano e dos costumes . É uma das primeiras mensagens de propaganda política em uma obra medieval. Do ponto de vista doutrinário, há uma referência clara ao pensamento de Santo Tomás de Aquino . “A hipótese doutrinal é claramente tomista: não só porque reflete a hierarquia de princípios e fatos, de causas e efeitos, mas porque coloca a“ autoridade ”(nas alegorias) e a“ sociabilidade ”.“ Como motivos fundamentais da ordem política, em particular, insistindo no conceito aristotélico (de Aristóteles ) da "naturalidade" da sociabilidade humana ".

Outras obras de Siena

De 1337 a 1348 (data de sua morte), Ambrogio Lorenzetti realizou inúmeras obras em Siena. Entre elas, três obras atestam uma profunda renovação estética:
- a Petite maesta , parte central de um retábulo pintado por volta de 1340 para o convento de Santa Petronilla  (it) , hoje exposta na galeria nacional da cidade  ;
- a Apresentação de Jesus no Templo , produzida em 1342 para o altar de San Crescenzio na catedral e agora em exibição na Galeria Uffizi em Florença;
- A Anunciação , pintada em 1344 para a sala Consistório do Palazzo Publico , desde então instalado na Galeria Nacional de Siena .