Título original | Explodir |
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Produção | Michelangelo Antonioni |
Cenário |
Michelangelo Antonioni Tonino Guerra Edward Bond depois de Julio Cortázar |
Atores principais | |
País nativo |
Reino Unido Itália Estados Unidos |
Gentil | Drama |
Duração | 111 minutos |
Saída | 1966 |
Para mais detalhes, consulte a ficha técnica e distribuição
Blow-Up é umfilmebritânico-italiano-americanodeMichelangelo Antonioni, lançado em1966e inspirado noconto Las babas del diablo(Os Filhos da Virgem) deJulio Cortázar.
O filme ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1967 .
Em Londres , nos anos 1960 : Thomas, fotógrafo de moda , após uma reportagem fotográfica sobre moradores de rua , passa a manhã em um parque e, atraído pela luz, tira fotos. O lugar está quase deserto, exceto por um casal se beijando, que Thomas fotografa de longe. A mulher, Jane, finalmente percebe sua presença e, muito irritada, pede a ele os negativos; mas Thomas foge. Jane o encontra à tarde e chega a se oferecer a ele: Thomas lhe dá um filme, mas não é o que ele acabou de usar. Ele revela as fotografias do parque e percebe, por ampliações sucessivas, que de fato foi testemunha de um assassinato. Ele vai à cena à noite e descobre o cadáver que suas fotografias lhe revelaram. De volta para casa, ele encontra seu estúdio vazio: todas as suas fotos e negativos foram roubados. Atormentado, ele busca conselhos de seu editor e amigo, mas em vão. Enquanto dirigia, ele acidentalmente vê a mulher novamente e a segue até um clube, onde um show do Yardbirds está acontecendo . Quando o guitarrista quebra seu violão e joga o pescoço na platéia, ele participa da confusão que se segue e consegue se apoderar da relíquia, depois foge; mas depois de ter espalhado seus perseguidores, ele acaba jogando este pedaço de madeira que se mostra inútil, enquanto ele perde de vista a mulher, decididamente inatingível. No início da manhã, ele retorna ao parque para fotografar o cadáver, mas ele desapareceu. Ele então assiste a um jogo de tênis simulado (os mesmos mímicos aparecem em uma breve seqüência no início do filme); pego no jogo, ele finge pegar a bola (inexistente) fora do campo e a joga de volta para os mímicos; quando o jogo recomeça, os sons da bola são claramente ouvidos, enquanto o próprio protagonista desaparece.
Antonioni foi inspirado pelo fotógrafo David Bailey para a personagem de Thomas e pela parceira de David Bailey, a modelo Jean Shrimpton , para a personagem de Jane. Esses dois protagonistas nunca são chamados por seus nomes no filme, mas são chamados assim no roteiro. Antonioni gosta que os personagens sejam o mais anônimos possível.
Antonioni, embora dirige o filme em Londres , faz questão de ter toda uma equipe técnica italiana, o que gera custos de produção consideráveis. Ao final do tempo de filmagem previsto, ele conversa com seu produtor e amigo Carlo Ponti , e avisa que precisa de uma extensão de crédito para terminar o filme; em particular, ele ainda não filmou a cena central, a do assassinato. Comum a todos os cineastas “de ultrapassagem”, o hábito de Antonioni é nunca filmar cenas importantes no início para pressionar o produtor quando chegar a hora . Mas desta vez, Carlo Ponti não cede. Antonioni deve, portanto, retornar à Itália e considerar a edição do filme sem algumas das cenas essenciais para a compreensão do espectador.
As várias cenas do parque são filmadas principalmente em Maryon Park em Charlton District , sudeste de Londres. Para que o gramado do parque por onde passeia o personagem David Hemmings se destaque na imagem, Antonioni o cobre com uma camada de tinta verde . Na cena do clube onde Michael Palin do Monty Python faz uma aparição, ocorrem Yardbirds ; Antonioni pensara primeiro no Who e no Velvet Underground .
O fotógrafo de moda britânico John Cowan é o autor das fotografias do filme, e o pintor britânico Ian Stephenson, o autor das pinturas abstratas vistas no início do filme no distrito de Notting Hill . A pintura abstrata visível no estúdio de Thomas é obra do pintor britânico Alan Davie . Ela teria desaparecido após as filmagens do filme. As ampliações em preto e branco das fotos do assassinato no parque foram feitas por Don McCullin , um famoso fotógrafo de guerra, que acompanhou Antonioni durante a patrulha.
A trilha sonora do filme é dirigida por Herbie Hancock . Além disso, uma cena do filme mostra um show dos Yardbirds , período Jeff Beck e Jimmy Page (tocando a faixa "Stroll On" ).
O filme causou escândalo quando foi lançado na Grã-Bretanha : é a primeira vez em um filme britânico que corpos femininos completamente nus (neste caso, os de Jane Birkin e Gillian Hills ) são exibidos. Na Argentina, cinco minutos são cortadas pela ditadura censura comitê . Mas, muito rapidamente, a crítica foi seduzida pelas qualidades estéticas do filme, que, selecionado para o Festival de Cannes de 1967 , tornou-se um dos favoritos e, por fim, conquistou a Palma de Ouro .
O filme tem muitos aspectos simbólicos e apresenta uma tendência a favorecer uma representação poética em vez de uma representação realista e plausível. Em particular, as ampliações sucessivas de uma mesma imagem, permitindo ao protagonista ver sempre mais detalhes que não apareciam à primeira vista, e revelar um segredo (ver a polissemia da palavra " explodir " em inglês), não o fariam não ser tecnicamente possível, sendo rapidamente atingido o limite absoluto da resolução da chapa fotográfica. Isso sublinha até que ponto o ponto de vista de um indivíduo influencia o sentido atribuído à realidade , a ponto de distorcer consideravelmente o que é ou o que foi , mesmo na presença de signos materiais que são, em princípio, objetivos . Assim, a ambigüidade é habilmente mantida quanto ao caráter real ou imaginário do assassinato: Thomas sozinho viu - ou acreditou ver - o corpo, e as razões pelas quais esta mulher exige a destruição de suas fotografias poderiam ser bem diferentes, assim como o saque de seu estúdio pode não estar relacionado a este incidente. Obcecado pelo que pensa ter visto, o personagem interpreta o que seus sentidos percebem de uma forma que apenas reforça sua ideia preconcebida, apesar do bom senso, atribuindo a cada detalhe (possivelmente apenas um artefato ) um significado em relação a ele (em virtude de o fenômeno da pareidolia ). Esses processos narrativos referem-se aos princípios do existencialismo , segundo os quais os eventos - e por extensão os seres - não têm sentido em si mesmos , não têm essência , adquirindo sentido apenas quando contextualizados e interpretados .
As cenas finais ilustram e reforçam esse discurso subjacente: durante a cena do show, frustrado por um chiado inoportuno retornado por seu amplificador, o famoso guitarrista Jeff Beck quebra seu violão e joga o pescoço na platéia (quase apático no instante anterior), causando um tumulto repentino para apreender o objeto que se tornou uma relíquia , investido de alto valor simbólico, no contexto ritualizado de um show de rock, e por meio de um fetichismo irracional , particularmente presente no caso das celebridades do espetáculo (que elas mesmas são fetichizadas por razão de sua fama, em troca esta fetichização ajuda a ampliar enormemente, como um feedback através de um loop de feedback incessante entre causa e efeito, entre a razão do desejo e o desejo despertado); o protagonista consegue pegá-lo e foge, até deixar seus perseguidores que também buscam recuperar o objeto fetichizado; mas uma vez na rua, fora do contexto que lhe deu o seu valor simbólico, o objeto de repente perde seus atributos e torna-se novamente um pedaço de madeira desprovido de utilidade (ou seja: um desperdício ), que o protagonista percebe desde, depois com um breve olhar, ele casualmente o joga no chão e sai. Um homem que acabou de ver feito, mas não esteve presente no concerto e, portanto, não está ciente do contexto que, por um tempo, deu a este objeto um significado adicional, tornando-o altamente desejável, vai pegar o pega, observa por um breve momento, sem saber o que fazer para jogá-la de volta.
Em seguida, vem a famosa cena final, que sustenta ainda mais essa noção, mostrando um bando de mímicos jogando tênis com uma bola imaginária : a bola de tênis existe , pois é jogada com a maior convicção; criamos o contexto que cria o significado que, por sua vez, recria a realidade, apesar da natureza factícia de todo o dispositivo. E essa convicção infalível exerce sobre o protagonista um efeito persuasivo, literalmente, mimético : ele entra no jogo , leva o jogo com a maior seriedade (como, num famoso capítulo de O Ser e o Nada , Jean-Paulo Sartre descreve meticulosamente a atitude de um garçom que finge ser um garçom), até que ouve a bola quando o jogo recomeça - sugerindo que, ao longo da história, depende menos do que seus sentidos percebem do que de sua interpretação , como bêbada de si mesma, dela próprias percepções . E o espectador com ele - porque também é um meta-comentário sobre o poder sugestivo do cinema.
Em seu comentário em áudio, incluído no DVD lançado em 2004, o crítico e historiador Peter Brunette explica essas cenas:
“É uma sequência muito interessante, e que leva ao que eu acho que é o significado final do filme, especialmente porque está perto do fim. Estes são os Yardbirds. Uma das coisas mais notáveis sobre essa cena é que até a fúria estourar no final, todos aqui parecem zumbis. Lembre-se de que isso se passa no Swinging London dos anos 1960. E acredito que Antonioni está fazendo um comentário contundente aqui. Mais uma vez, ele tem essa atitude de puxão-repulsão, esse sentimento compartilhado sobre tudo isso. Por um lado, ele se sente atraído por isso e disse que se sente atraído pela liberdade sexual e por tudo o que vem com ela. Por outro lado, acho que ele vê o outro lado da chamada liberação sexual, e percebe que isso também gera muitas dificuldades. Então, ao longo do filme, na festa e na cena do show do Yardbirds, temos essas pessoas que parecem estar realmente entediadas, que não parecem estar se divertindo de jeito nenhum. E, claro, parte do show - uma versão primitiva do punk rock, eu acho - é quebrar seus instrumentos para jogá-los para o público. E um confronto violento ocorre para obter este braço de guitarra. No entanto, uma vez que David Hemmings agarra aquele braço da guitarra e o tira, ele fica fora de contexto, tornando-o sem sentido e, portanto, desprovido de utilidade e valor, tanto que ele o joga fora. O importante aqui é que o sentido e a construção que sobrepomos à realidade é sempre função do grupo social. E é contextual. Qualquer palavra pode ter um significado diferente em um contexto diferente. É o contexto que determina o significado. Isso é o que descobrimos aqui, e o que encontramos de forma muito vívida na cena da destruição do violão. Nada mais significativo do que esse objeto naquele momento, porque ele é parte integrante desse ambiente, dessa encenação: as pessoas vão se matando para se apoderar desse .. artefato, daquele artefato sagrado, cheio de significado; e David Hemmings está no meio entre os melhores deles. Ele ganha. Ele recuperou esse objeto, esse objeto intensamente significativo. No entanto, fora do contexto, é apenas uma escala quebrada. E para verificar esse princípio e corroborá-lo com ainda mais força, alguém se aproxima, pega, olha e joga de volta. "
Em entrevista ao lançamento do filme, Antonioni disse que o filme não era sobre a relação “entre o homem e o homem”, mas sim a relação “entre o homem e a realidade”. Anthony Quinn, em um artigo do Guardian , descreveu Blow-Up como "uma obra de percepção e ambigüidade", sugerindo uma ligação entre certos elementos do filme e o famoso filme de Zapruder , um documento amador que capturou o assassinato de John Fitzgerald Kennedy em 1963 e tendo desde então sido objeto de inúmeras análises, igualmente obsessivas, decompondo a seqüência curta imagem por imagem e escrutinando os menores detalhes, extrapolados em apoio a várias teses conspiratórias . Segundo o autor Thomas Beltzer, o filme explora as características “inerentemente alienantes” de nossa mídia , a câmera nos transformando em voyeurs passivos, programáveis para experimentar reações previsíveis , em última instância perturbados e até mesmo humanamente mortos ”. Bosley Crowther em uma crítica para o The New York Times (publicada em 19 de dezembro de 1966, um dia após o lançamento) afirma que o filme explora "o assunto do envolvimento pessoal e da participação emocional em um mundo superexcitado e viciado em mídia e tão sobrecarregado de estímulos sintéticos que as percepções naturais ficam sobrecarregadas ”. O crítico de cinema Roger Ebert descreveu o filme como "um ato de conjuração hipnótica, no qual um personagem é brevemente despertado de seu sono profundo de alienação e tédio , e então vagueia novamente".
Em resposta a Blow-Up , Francis Ford Coppola dirigiu Secret Conversation , lançado em 1974, onde o crime é revelado desta vez por meio de técnica sonora. Então, em 1981, o destino Blow Out de Brian De Palma , o dispositivo surge como uma síntese dos dois filmes anteriores, revelando a verdade através do casamento de imagem e som. Esses três filmes, um por década, podem ser considerados a posteriori como uma “trilogia de pontos de vista”.
A cena de pose com Veruschka é parodiada no início de Austin Powers 2: The Spy Who Shot Me .
Este filme também inspirou fortemente Dario Argento para a realização de seu giallo Os arrepios da angústia, no qual David Hemmings desempenha o papel principal.
Blow-Up também despertou a vocação de fotógrafo do nova-iorquino Bruce Gilden .
Cinquenta anos depois, nas polémicas que se seguiram ao caso Weinstein , Laure Murat redescobre, neste filme que julgava conhecer e admirar, o comportamento do fotógrafo, protagonista principal, para com as mulheres, a quem ele chama. tira a roupa e brutaliza. Ela toma como exemplo cenas que não a haviam chocado anteriormente e cita, em sua nova análise, Régis Michel : “A arte ocidental só pode falar de sexo de um modo: a violência. " . No entanto, esta análise foi fortemente discutida pelos cinéfilos (ver em particular a resposta de Thomas Clerc ao artigo de Laure Murat) e as críticas foram numerosas. Em primeiro lugar, a cena é muito menos caricatural do que Laure Murat a expõe e o jogo do sexo parece ser compartilhado. Finalmente, o personagem é deliberadamente mostrado como hostil e é de fato sua evolução (sua abertura) que o filme descreve.