Paisagem com Orfeu e Eurídice

Paisagem com Orfeu e Eurídice Imagem na Infobox. Paisagem com Orfeu e Eurídice .
Artista Nicolas Poussin
Datado por volta de 1650-1653
Modelo Borda
Técnico óleo sobre tela
Dimensões (H × W) 124 × 200 cm
Movimento Classicismo
Coleção Departamento de pinturas do museu do Louvre
Número de inventário INV 7307
Localização Museu do Louvre , pintura departamento 2 nd andar, sala 11., Paris ( França )

Paisagem com Orfeu e Eurídice é um óleo sobre tela pintado por volta de 1650 - 1653 por Nicolas Poussin . Suas dimensões são 124 x 200 cm. Adquirido em 1665 , faz parte da coleção de Luís XIV . Obra das coleções do Departamento de Pinturas do Louvre sob o número 7307. INV O tema é a história de Orfeu e Eurídice a partir das Metamorfoses de Ovídio . Esta pintura é uma das mais famosas e representativas das paisagens de Nicolas Poussin .

A primeira comprovação desta pintura data de 1665, quando foi adquirida pelo Rei da França Luís XIV, que a incluiu nas suas colecções. Posteriormente, a pintura ingressou nas do museu do Louvre , integrando-se ao departamento de pinturas. A obra entrou temporariamente no Louvre Lens em 2013 para a exposição temporária “La Galerie du temps”.

Nicolas Poussin nasceu por volta de 1594 na França , mais precisamente na Normandia, em Les Andelys. Sendo sua juventude pouco conhecida, sabemos, porém, que cresceu em uma família de camponeses. Aprendeu pintura em 1611, em contato com Quentin Varin , a conselho de quem partiu para a capital. Entrou no atelier de Georges Lallemand e teve acesso às coleções reais com as quais estudou diversas práticas artísticas: os mármores da Antiguidade, a pintura italiana e as gravuras de Rafael. Chegou a Paris por volta de 1612 para iniciar os trabalhos, cuja natureza é incerta, e partiu para Roma em 1624. Lá conheceu o escultor flamengo François Duquesnoy . Ele então ficou sob a proteção de vários clientes. Durante esta longa estada, presume-se que tenha visto as obras de Rafael e Ticiano, devido ao seu acesso às coleções reais. Após uma breve viagem de volta a Paris, ele permaneceu em Roma até sua morte em 1665.

Histórico

Paisagem com Orfeu e Eurídice é uma pintura 149 centímetros de altura e 225 centímetros de largura pintado por volta de 1650 - 1653 por Nicolas Poussin . O tema desta obra vem das Metamorfoses de Ovídio  : Eurídice foi picada por uma cobra , no dia de seu casamento com Orfeu . Este último toca a lira sem perceber o acidente que causou a morte de Eurídice. A obra foi adquirida poucos anos depois, em 1665 , e faz parte do acervo de Luís XIV .

Ela entrou nas coleções do Departamento de Pinturas do Louvre , e é inventariada sob o número 7307 INV.

Se o contexto de criação da pintura é confuso, você deve saber que a tela foi cortada em sua altura de 22 centímetros. Este ato pode fornecer informações sobre sua origem. A aquisição pelo colecionador e amante de Poussin, Jean Pointel, permite-nos saber um pouco mais sobre o motivo deste enfeite. Segundo Brejon de Lavergnée, os escritos de Félibien forneceriam mais detalhes sobre a questão, sabendo que se presume que o corte seja anterior a 1685. Seus escritos afirmam que A paisagem com um homem morto por uma cobra , mantida na National Gallery de Londres , também recortado em sua altura, foi feito para este Jean Pointel, de fato, é possível supor que essas duas pinturas foram feitas para a mesma ocasião 1 . Além disso, parecem ter uma linha de tempo semelhante e convergir em vários pontos. A presença da cobra, do trágico, da paisagem e de seu suposto contexto de comando reforçam a visão dessas duas pinturas como pendentes, possuindo uma relação possivelmente narrativa.

1 Poussin e a natureza, p. 2387

O assunto: o mito de Orfeu e Eurídice

O tema da pintura parte de um episódio da mitologia greco-romana e ilustra um momento fundamental do mito de Orfeu e Eurídice. A história parte das Metamorfoses de Ovídio , uma das principais fontes dos relatos dessa mitologia. A história de Orfeu e Eurídice começa, no dia do casamento, com um presságio terrível que devemos ter em mente devido às múltiplas interpretações da pintura de Poussin. Na verdade, durante a cerimônia de casamento, era costume queimar um fogo sagrado, que representa o deus Himeneu, a divindade protetora do casamento. Por razões desconhecidas, as chamas se apagaram durante as festividades, sem ninguém prestar atenção, sinal que sugeria o trágico destino do jovem casal. O episódio representado é aquele em que Eurídice acaba de ser picada por uma cobra, picada que vai causar a sua morte. Orfeu conseguirá colocar Eurídice no Mundo Inferior, com a única condição de não se virar para vê-la até que os dois tenham partido. Mas Orfeu quebrará este aviso e conduzirá com sua imprudência a perda final de Eurídice. O trágico destino afetará então os dois amantes, Orfeu sendo condenado a viver na dor do ente querido perdido.

A partir da década de 1640, é possível perceber que Poussin deu maior atenção aos assuntos antigos. É, portanto, com certa coerência que ele retoma aqui as histórias de Ovídio. Além disso, esses mitos permitem-lhe representar ideias mais abstratas que trabalham nele, como aqui, a relação com o trágico.

Descrição analisada

A composição é fortemente inspirada no livro X das Metamorfoses de Ovídio , com a cena que representa a morte de Eurídice em primeiro plano. Na verdade, o casal provavelmente acabou de se casar, como diz a lenda e Eurídice depositou sua coroa de flores que ela usou durante a cerimônia e que talvez seja a que estava presente na pedra à direita da pintura. Em primeiro plano está o jovem casal Orfeu e Eurídice. O grupo de personagens é composto por Orfeu, que toca a lira de capa vermelha, seguido pelas náiades que o ouvem com paixão e que, na lenda, acompanham Eurídice. Himeneu fica entre as náiades e Eurídice. Se Orfeu ingenuamente toca sua lira para algumas ninfas, Hyménée, que parece estar se aproximando dele, parece menos despreocupado. Eurydice é retratada como uma beleza clássica. Ela acaba de ser mordida pela cobra e grita de dor e medo. As náiades parecem extasiadas com a música de Orfeu e indiferentes à intimidade que o casal pode desejar logo após o casamento. Eles não ouvem os gritos de Eurídice e não viram a ação porque ainda estão ouvindo o músico sem se preocupar com mais nada. Esta cena se passa em uma paisagem idílica, exceto pela fumaça que emana do Castelo de Santo Ângelo ao fundo.

Orfeu também não parece mostrar interesse em ficar com sua esposa e joga de bom grado pelas ninfas e por si mesmo, enquanto Eurídice fica de fora. De fato, Orfeu e as ninfas parecem formar um grupo separado de Eurídice por Hyménée, que está de costas para Eurídice. Ela se afastou para colher flores silvestres com sua cesta e a cobra a morde. Eurídice acaba de ser mordida na pintura porque a cobra é mostrada fugindo. Ela fica então sozinha em sua dor porque ninguém mais notou o ataque da cobra, exceto o pescador que está bem atrás dela. Esta está prestes a se levantar e se aproximar dela. Ela é ignorada porque os outros personagens parecem ouvir as notas do músico com paixão, exceto Hyménée, que parece indiferente. Orfeu também se distancia da esposa por sua atitude, e parece esquecer seus deveres maritais. Ele não parece se importar com sua esposa e seu casamento. Existe uma forte oposição entre a expressão horrorizada de Eurídice e o rosto de Orfeu que expressa êxtase e serenidade por estar imerso em sua arte. Sua cabeça está erguida para o céu, seja para buscar inspiração, seja para agradecer aos deuses ou para chamá-los para testemunhar sua bela música. Diante de sua atitude e da lenda, é possível se perguntar se Orfeu é mesmo compatível com o casamento e se ele não teria voltado ao Mundo Inferior voluntária e inconscientemente, pois teria entendido que, mesmo que amasse Eurídice, não ser feliz no casal. Na história, esta é provavelmente a primeira representação de Eurídice sendo picada por uma cobra em toda a iconografia do mito de Orfeu e Eurídice.

A ação está congelada, mas o resto da história depende da interpretação do espectador. Quanto à personagem Eurídice, ela é a personagem mais importante, pois está no centro da composição e é dominada pela vastidão da paisagem. O espectador testemunha, impotente, a agonia da inocência, bem como a erupção do trágico acontecimento em uma paisagem idílica. A felicidade do casamento e a imprudência voam para longe e a infelicidade e a tragédia se instalam. A luz gradualmente dá lugar à sombra que se aproxima do palco principal. A cobra é um animal recorrente nas obras de Poussin porque também está presente em Paisagem com um homem mordido por uma cobra , Inverno: o Dilúvio e Moisés transformando a vara de Arão em cobra .

Na obra, a luz sugere que a ação aconteça no final da tarde. Como costuma acontecer nas paisagens de Poussin, a luz vem do canto superior esquerdo, o que nos dá uma pista sobre a hora do dia. A cena trágica é iluminada teatralmente e é possível perceber a ausência de uma fonte de luz, mesmo que o espectador saiba que ela existe. Este último processo de não mostrar a fonte de luz deixa uma grande liberdade ao pintor que pode posicionar as áreas de sombras e luzes de acordo com sua vontade. A luz também se opõe ao drama da ação porque parece serena, quase mágica e traz uma majestade clássica ao tema. A luz ilumina totalmente o evento e uma área sombreada à esquerda avança lentamente em direção ao casal, símbolo da escuridão que prevalece sobre a natureza paradisíaca e o casamento feliz.

A organização da composição também é reveladora da tensão da cena. A composição é, portanto, dividida pelo rio, mas também podemos ver um oblíquo tomar forma e separar a pintura em duas. Essa linha é formada pela sombra da vegetação, bem como pela organização das nuvens no céu, que são como que empurradas pela luz que, também, atravessa a pintura nessa direção, iluminando e devolvendo sua primazia ao os personagens do centro. A profundidade se deve à multiplicidade dos planos. O jogo de cores também traça alguns paralelos. O grupo de pessoas que se espalha pelo lago mais adiante, separadas pelo ponto de água, é acentuado com toques de vermelho, a cor que Orfeu usa, talvez para lembrar seu descuido. Mas aqui é possível ver personagens curtindo os prazeres da vida, tocando música despreocupada e contribuindo assim para a harmonia da pintura. Isso mostra que ele tem uma visão benevolente da condição humana. Inconscientes dos infortúnios do mundo, estão nos infortúnios deles, em sua bolha. Além disso, o rio os separa do fogo fatal. Existe um contraste entre a harmonia do primeiro plano e a tensão que aí reina ao fundo. A conexão pode ser o acidente que acontece com Eurydice, cujo rosto expressa preocupação.

O lugar dos personagens é mínimo em comparação com a decoração. Existe uma forte oposição entre o tamanho dos personagens e o da natureza. Este último é o verdadeiro tema da pintura e as ações dos humanos são consideradas insignificantes na sua frente. Na verdade, o homem não pode mudar a ordem das coisas estabelecidas pela natureza. A paisagem deixa de ser um gênero menor e Nicolas Poussin coloca a natureza em seu lugar, ou seja, acima do homem. Há também um contraste entre a natureza encantadora e alegre e a cena dramática que se desenrola diante do espectador. Isso pode ser interpretado como sorte que pode mudar. O reverso da sorte pode acontecer a qualquer pessoa a qualquer momento, com uma simples mordida. Nicolas Poussin descreve aqui a força da fatalidade. É também uma forma de refletir sobre o artista que, cego, se perde, através de suas paixões, mas também refletindo sobre os acontecimentos da vida humana. Reversões da fortuna e do ciclo do tempo são temas apreciados por Nicolas Poussin.

É também uma leitura cristã de um sujeito mitológico, o que é usual em Poussin, porque a moralidade é a força da natureza que é uma criação divina. A natureza é imponente, mas acima de tudo tão perfeita que parece irreal. É harmonioso e acolhedor. A tela é, portanto, dividida em duas partes à beira do rio: na frente dela está essa cena trágica que se desenrola e, na outra, os homens estão despreocupados e a vida continua. Embora as paisagens de Poussin sejam sempre fruto de sua imaginação, ele lembra a Itália com o Castelo de Santo Ângelo ao fundo e que, normalmente, fica em Roma. O Castelo de Santo Ângelo, de onde escapa o fumo, também pode ser objecto de interpretação. Sabemos que se trata de um monumento romano (próximo ao Tibre) desviado de suas funções funerárias para se tornar uma estrutura militar. Mas aqui, segundo o historiador de arte e curador Dominique Ponnau, parece que o monumento está presente por sua função primária, a de mausoléu. Sua presença pode ser interpretada como o reforço do símbolo fatal. Mais intrigante, por trás do lago, Friedlaender vê ali a cidade dos ciconianos, onde se deu o casamento (que, no entanto, fica na Grécia, não em Roma, onde se encontra o velho mausoléu mencionado). O conjunto numa paisagem, calma, muito serena, num clima ameno. No entanto, é possível notar que a vegetação de clima temperado e não mediterrâneo contrasta com esta paisagem que se assemelha fortemente às da Toscana ou do Lácio. A riqueza do verde não combina com o sol escaldante. Embora os autores acreditem que seja a cidade grega dos ciconianos, mantém-se que se trata mais do campo romano. O castelo ao fundo solta uma fumaça que pode ser interpretada como o início de um incêndio, uma festa preparada nas cozinhas, o anúncio do trágico destino de Eurídice ou a lembrança da tocha de Himeneu que apitou. Durante a cerimônia de casamento entre Orfeu e Eurídice.

Nesta paisagem de Nicolas Poussin, é possível ver uma obra com desenho psicológico. Cada motivo tem seu significado, é mais psicológico porque você tem que decifrar tudo, ficar atento ao que a composição pode significar. Existe um contraste real entre a alegria de viver e o trágico que se forma e que podemos adivinhar pelo pano de fundo e pela tensão que reina nesta composição. É preciso lembrar que o trágico é convidado em uma paisagem idílica. As duas atmosferas coexistem.

Há um contraste entre o povo alegre e despreocupado, o apaixonado Orfeu, as indiferentes náiades e Eurídice, sozinhas em seu sofrimento que anuncia a tempestade. É uma oposição entre a vida e a morte, entre o que está vivo e o que está morrendo. Na verdade, enquanto Eurídice acaba de ser mordida, a vida continua ao seu redor ou sua tragédia ocorre conforme a vida se desenrola. Do outro lado do rio, os homens tomam banho, despreocupados, enquanto outros trabalham. A natureza, portanto, segue seu curso regular. O ciclo da vida está presente: o homem trabalha, se diverte e morre. A vida, portanto, está muito presente na composição que se move por esses personagens ativos. Nicolas Poussin mostra seu apego à natureza, representando-a majestosa e graciosa, mas também aos humanos que levam suas vidas inocentes. A vida do homem é efêmera, mas a ordem da natureza é eterna.

É um momento em que Poussin desejará pintar as ações humanas e, como nos diz o historiador da arte e especialista em Poussin Anthony Blunt, os grandes sentimentos nobres. Ele prossegue dizendo que a pintura deve estar de acordo com os princípios da razão. É por isso que a composição é tão ordenada, tão regulamentada. Existe essa ideia de recriar como a natureza teria feito, ou seja, de forma perfeita. “Uma pintura que se dirige à mente e não ao olho”, afirma Blunt. Ele expressa paixões em suas pinturas de paisagens, o que deve fazer com que quem as olhe sinta emoções. É uma obra muito poética onde existe uma unidade e harmonia naturais.

Nicolas Poussin e as paisagens

O momento em que Pousin fez esta pintura corresponde ao momento em que atingiu a maturidade artística. Este período conta com suas obras entre as mais famosas, em particular suas paisagens. A prática da paisagem de Poussin é mais frequentemente feita em esboços, ele nunca vai na frente da paisagem. Ele se baseia em seus esboços primeiro e depois deixa sua imaginação continuar. Essa imaginação, onde a Normandia ainda tem um lugar grande, é importante, como Michel Déon supõe.

A pintura de paisagem é um gênero em que Poussin se destacará. Além disso, a afirmação dessas paisagens, consideradas um gênero menor pela hierarquia de Félibien, experimentará um boom considerável com o tratamento de Poussin. Serão atribuídos a ele valores heróicos que contribuirão para renovar a consideração da pintura de paisagem. As duas eliminatórias recorrentes para suas paisagens serão “ideais” e “heróicas”.

Antes de entrar no período em que pintou Orfeu e Eurídice, Poussin renovou sua pintura, inspirado por sua estada em Paris. Ele produziu telas que serão consideradas o apogeu da pintura clássica francesa. Da formação da composição, dos temas, dos temas desenvolvidos, toda uma nova visão emerge e afirma este classicismo de forma absoluta. Anthony Blunt afirma que as ideias alcançam maior clareza aqui. No entanto, este é um período em que, à medida que envelhece, começa a perder um pouco o controle das mãos.

As paisagens sempre partem da imaginação do artista e muitas vezes são qualificadas como "heróicas" ou "idealizadas" porque ele não só toma a natureza como sua principal fonte de inspiração, mas, segundo Bellori, vai além dela. O que caracteriza as paisagens de Poussin e o diferencia de outros paisagistas é sua capacidade de construir a paisagem por meio da razão. Este último será o ponto de partida para saber qual será a melhor combinação possível entre a natureza e os personagens. O artista começou a produzir essas imensas paisagens na década de 1640, quando se especializou principalmente em pinturas religiosas. Portanto, não é surpreendente notar elementos religiosos nas primeiras paisagens deste período, como São Mateus e o Anjo e São João em Pathmos .

Segundo Félibien, Poussin produziu entre 1648 e 1652 uma dezena de paisagens muito variadas que se tornaram suas maiores obras na área. Seu caráter excepcional se deve ao seu ambiente específico, mas acima de tudo, ao seu objetivo moral e ao significado profundo do assunto. Paisagem com Orfeu e Eurídice se encaixa nesse período. A crueldade do destino e a força da fatalidade são os temas favoritos de Poussin, como em Paisagem com Orfeu e Eurídice, mas também Os pastores da Arcádia .

O artista começou a pintar paisagens de fato no final de sua vida, na década de 1640.

As paisagens de Poussin representam sobretudo uma natureza acolhedora, serena e imponente com uma certa simetria e uma disposição controlada. É uma natureza controlada em que o artista destaca os encantos da natureza. Este último é o lugar onde o homem vive suas atividades diárias e Poussin gosta de representar o homem em atividades simples com sua sorte, seus infortúnios e seus reveses da fortuna.

Influências e posteridade

Poussin ficou impressionado com o arranjo e a maneira como as paisagens foram criadas na obra de Ticiano. O tratamento rigoroso deste último pode ser encontrado nas pinturas de Poussin anteriores à década de 1640, como Echos e Narcisse . Com efeito, esta obra e outras, têm uma oposição entre as duas faces da pintura: uma apresenta uma vegetação arbustiva enquanto a outra sugere uma abertura para o horizonte luminoso. Essa influência vem das obras de Ticiano como o Martírio de São Pedro . Poussin trabalhou muito nesse processo para dar a ele um significado romântico, como em Aurore e Cephalus . No entanto, ele mudou seu estilo nos anos 1640-50 para pintar paisagens espetaculares e imensas. Poussin estudou o classicismo de Annibal Carrache . De fato, é possível sublinhar a contribuição das pinturas de paisagens da segunda para compreender a evolução da primeira. Sabemos que Poussin pôde ver as obras de Annibal Carrache , mas é possível sentir em suas pinturas de paisagens, principalmente as que datam do auge de sua carreira, a influência do mestre bolonhês. Especialmente no personagem heróico que muitas vezes retorna. A natureza, nas palavras de Wittkower, parece "domesticada e enobrecida pela presença do homem". Essa inspiração faz parte da continuidade de uma arte classicizante, mas diferente do cenário bolonhês. Essa continuidade será mais racional na França. Daí também o aspecto moralizante de suas pinturas. Annibale Carracci  : Paisagem com descanso na fuga para o Egito . Este trabalho também enfatiza a paisagem ao representá-la de uma forma importante em relação à ação que ali ocorre. O homem está novamente em segundo plano.

Também se pode questionar sobre a influência da filosofia de Descartes, em particular de suas Paixões da alma , publicado em 1649, no andamento das obras de Poussin. Percebe-se aí uma influência do classicismo, Wittkower fala de representação de affetti, com base na racionalidade, que pode ser ligada à importância da filosofia da época.

Percebe-se uma correlação entre estes temas morais (pinturas muito clássicas que fez depois de doar a Paris), com as clássicas tragédias de Corneille pelos grandes sentimentos e valores morais que aí se desenvolvem. Mas Poussin é racional. O tema também permite ao pintor francês ilustrar um tema recorrente em suas obras: os momentos trágicos. As fatalidades da condição humana também podem.

É possível perceber que o Dominiquin teve influência na organização racional das paisagens de Poussin. Algumas pinturas, incluindo La Parnasse , apresentam inspirações de Rafael e da escola de Bolonha. É graças às pinturas de Nicolas Poussin e Claude Lorrain, os dois maiores paisagistas de seu tempo, que a posteridade pode ter um vislumbre da zona rural romana.

Exposições

Paisagem com Orfeu e Eurídice é apresentada em 2013 e 2014 na exposição semipermanente La Galerie du temps no Louvre-Lens .

Notas e referências

  1. Aviso n o  2145 , base de Atlas , museu da grelha
  1. Louvre-Lens, o guia 2013 , p.  244
  2. Louvre-Lens, o guia 2014 , p.  244

Apêndices

Artigos relacionados

links externos

Bibliografia

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