A obra de arte utilizou como materiais o corpo , o tempo e o espaço . As características formais segundo historiadores e teóricos da action art contemporânea são a presença do artista, o imediatismo aqui e agora , o contexto em que a ação é apresentada, a desmaterialização da obra e o espectador que se tornou ator. Seja orquestrada ou improvisada, sutil ou direta, a arte de ação é um aspecto vivo, às vezes provocativo e desconfortável da arte de hoje.
A arte de ação remonta há muito tempo na história da humanidade . Da ação necessária para imprimir a mão em uma parede de pedra, passando pelos ritos de iniciação, ao ato de pintar entendido como uma obra em si e aos eventos artísticos em que o espectador se torna ator, a action art permanece um conceito aberto e incontrolável.
Movimentos diferentes vanguardas do XX ° século e a arte contemporânea participar do desenvolvimento da arte de ação como o futurismo , dadaísmo , Gutai , a pintura de ação , a Internacional Situacionista , o vienense Actionism , teatro invisível , fluxus , a arte sociológica , a arte pop , Mass Moving , a arte corporal , a arte performática , a estética relacional, a arte comunitária , a arte social e muito mais.
Devido à sua natureza efêmera , a arte de ação ainda escapa em grande parte às leis do mercado . Adaptando-se às condições impostas pelos artistas, alguns museus oferecem formas inovadoras de aquisição de obras performáticas .
As práticas da arte de ação estão mudando constantemente. Eles transgridem os códigos tradicionais de áreas como artes visuais , teatro , dança e música . As práticas da action art determinam seus critérios operacionais e delimitam suas metodologias fora das convenções estilísticas da arte. Curiosamente, as primeiras manifestações da action art ocorreram em 3 países diferentes no mesmo período, de 1956 a 1959 . Esta é a publicação do artista Manifesto Gutai japonês Jiro Yoshihara em 1956 , implementação privada do primeiro artista francês de Antropometrias Yves Klein em 1958 e realização do primeiro acontecimento 18 Happenings in Six Parts do artista americano Allan Kaprow em Nova York em 1959 . Essa prática da arte baseada no performativo (alguns teóricos refutam essa afirmação) ressoou em diferentes culturas desde suas origens.
As práticas da action art são reconhecidas pelos critérios performativos que os artistas se impõem. Eles passam pela expressão do corpo, tanto individual quanto social. Eles fazem parte do presente. Eles exploram espaços privados e públicos. Eles participam de movimentos históricos e conceitos artísticos inovadores. A análise crítica faz parte da abordagem de artistas e teóricos da action art. O conceito evolui e é regularmente confrontado com diferentes práticas durante conferências e eventos de action art em todos os países. Sem ser exaustivo, agora é possível diferenciar as categorias da action art, identificando os componentes que estabelecem a situação, a atitude e a experiência sensível. Certos neologismos surgiram ao longo dos anos e foram adotados por artistas, críticos e teóricos da arte. Esta terminologia caracteriza cada uma das práticas de action art na sua relação com o artista, a estratégia de intervenção, o contexto de apresentação, o público-espectador-ator, o nível de interatividade da comunicação.
O termo pintura de ação foi cunhado pelo crítico de arte Harold Rosenberg em 1952 . Segundo Rosenberg, a tela para pintores como Jackson Pollock e Franz Kline torna-se uma arena para atuar. A ação, o gesto poderoso, a intensidade da pincelada e os giclês de tinta evocam a carga instintiva necessária à realização das obras pictóricas. Sobre a tela colocada no chão, o pintor, de pé, escorre a tinta girando rapidamente ao redor do quadro. A tela traz assim o traço da velocidade da execução e da violência do gesto que a projeta. Nessas linhas curiosas em que a imagem desaparece, surge um corpo de tinta que é o do pintor em ação. É o acontecimento desta luta que a tela acolhe e não uma representação sensível que seria apenas o resultado de um conflito com um desfecho sublime.
Em uma entrevista de 1944, Pollock disse: “No terreno, estou mais confortável. Sinto-me mais perto da pintura, pertenço mais a ela; porque assim posso andar por aí, trabalhar dos quatro lados, literalmente estar na pintura. " .
Qualquer ideia de começo ou fim é abolida. Atacando a tela por todos os lados em que o artista gira como numa dança, a obra nada mais é do que uma curiosa Via Láctea, um entrelaçamento de linhas coloridas e mais ou menos grossas onde o fundo e a forma se entrelaçam.
GutaiFundado em 1954 por Jiro Yoshihara , gutaï, gu (instrumento) taï (corpo) é um movimento artístico japonês que se baseia na ação do corpo e na importância da matéria que age por este corpo. Ao contrário da action painting, que está interessada apenas na pintura como material, os artistas gutaï vão levar a noção de automatismo muito mais longe, eles farão escolhas criativas de material, suporte, ação e estilo de apresentação nunca feito antes. Os modos de expressão visam investir a totalidade do espaço e a participação dos espectadores, e geralmente baseiam-se em uma ação corporal exacerbada. Por exemplo, o caso de Kazuo Shiraga fazendo grandes telas pintadas com os pés: pendurado em uma corda presa ao teto, que lhe permite manter o equilíbrio, mas também, pendurado nela, modular seu pisoteio do pigmento no suporte . A de Saburo Murakami , cruzando repentinamente um túnel de vinte e uma telas de papel kraft, perfurando-as com os punhos em um barulho aterrorizante.
Segundo Ben Vaillier : “A contribuição essencial do grupo Gutaï não está na estética (conteúdo das telas penduradas nas paredes) que Tapié queria fazer crer, mas numa explosão de materialidade gestual. Essas pessoas têm ideias com matéria e ação. Um trabalha com lama, o outro com fumaça, o terceiro com molas, etc. Eles atacam todos os sentidos, auditivos e visuais, com uma mistura de ideia, ação e matéria. " .
AcontecendoEvento , ou evento, é o termo cunhado por George Brecht em 1959 para descrever as ações que ele imaginou durante as aulas de John Cage na New School for Social Research . O evento é caracterizado por sua dimensão impessoal e seu caráter íntimo. Se dificilmente envolve o espectador em sua realização, o evento é abertamente posto como realizável por qualquer intérprete e envolve totalmente aquele que o atua. O acontecimento ganha sentido no momento da sua execução, que é simples dadas as instruções dadas pela partitura e a banalidade dos acessórios necessários à sua interpretação.
Essas ações são, por natureza, profundamente conceitualizadas. O método de Brecht é escrever instruções simples em pequenas caixas que podem ser executadas por qualquer pessoa e apresentadas em diferentes contextos na frente de um público. O intérprete pode interpretar à sua maneira. Este modo de funcionamento deu origem à criação de re-performances que permitem atualizar os eventos criados pelos artistas do Fluxus de 1960 a 1970 . O artista Ben Vautier (Benjamin Vautier) explica muito bem a importância de George Brecht na evolução das ações do Fluxus e nas motivações dos diversos autores de eventos. Trata-se da inserção de comportamentos banais da vida vivida em um contexto artístico, a autoridade e o ego do artista afirmando a ação como arte ou não arte.
Arte corporalAs ações artísticas realizadas no âmbito da body art e do actionism vienense enquadram-se na categoria da performance em que o corpo, material de arte presente e real , se expressa de forma brutal e sem artifícios. Os artistas da body art reivindicam uma ruptura com a estética, ao mesmo tempo que a arte se reúne com a vida. A ideia de que o corpo é um produto esculpido pelo condicionamento social é onipresente na arte corporal. Nessas práticas, o corpo se apresenta como receptáculo de mecanismos sociológicos, isto é, precisamente como portador desses hábitos que Pierre Bourdieu então define da seguinte forma:
“A cultura torna-se natureza, isto é, incorporada, classe feita corpo, o gosto contribui para a formação de uma classe: princípio da classificação incorporada que rege todas as formas de incorporação, escolhe e modifica tudo o que o corpo ingere, digere, assimila, fisiologicamente e psicologicamente. "
DesempenhoAs performances expressam um processo de desmaterialização do objeto em benefício da ação. Tecnicamente, a performance é focada no indivíduo / artista. Seu corpo , seus sons, seus gestos tornam-se os materiais (teóricos, econômicos, políticos, comunicacionais) de uma arte potencialmente interativa com o público. A performance participa de forma exemplar nestes fenômenos que se generalizam em todas as formas culturais, nomeadamente o imediatismo pós-moderno e a cultura do ego.
Existem tantos tipos de apresentações quanto artistas. As características culturais de uma etnia ou de um espaço-tempo geográfico são os critérios pelos quais se organiza a apresentação da performance. O mesmo desempenho será percebido de forma diferente de uma região geográfica para outra. Na maioria das vezes, a performance é estruturada de acordo com o contexto de sua apresentação. Existem performances em que o corpo está totalmente presente, outras em que o objeto , mídia ou equipamento tecnológico tende a constituir a parte principal da atividade; outras vezes, a investigação pressupõe um questionamento teórico, enquanto em certas ocasiões há interatividade entre o performer e o público.
Segundo Alain-Martin Richard, “Na performance, você tem um público que vai aos lugares onde a performance acontece, seja em um cinema alugado ou em outro lugar, mas é um lugar reconhecido. Portanto, há todo um esquema artístico que, em última análise, é encontrado na performance. " .
As performances são apresentadas em ambientes institucionais com qualificação artística: galerias de arte, museus e eventos de action art.
Teatro invisívelO teatro invisível foi inventado na América Latina , numa época em que estava se tornando muito perigoso fazer campanha abertamente. Foi Augusto Boal , fundador do movimento do teatro oprimido , que espalhou esta forma de teatro pelo mundo . Ele deseja iniciar, através das ações deste teatro, uma revolução estética em reação ao modelo dominante importado da Europa . O teatro invisível tem a grande vantagem de ser pobre. Sem necessidade de equipamento técnico, sem fantasia, muito menos maquiagem. Ele é, por definição, alérgico a propaganda e marketing . Não se enquadra em nenhuma das restrições próprias do teatro supervisionado, que diz respeito à linguagem, forma e atuação, os atores não são remunerados e não reclamam entrada. Todos os jogadores escapam assim ao serviço do imposto de diversão, das autoridades fiscais, dos ministérios que distribuem subsídios e dos reguladores do lucrativo art. Em suma, ele é evasivo.
No teatro invisível, não só o público é participante, mas, sem saber que se trata de uma ação teatral, são eles próprios que escrevem a peça, que a criam. Apenas o esboço inicial é imposto a ele. É uma forma de teatro de rua , de teatro direto que busca unir os cidadãos em torno de comportamentos sociais opressores.
“Venha assistir ao espetáculo que está para começar; de volta para casa, com seus amigos, execute suas próprias peças e veja o que você nunca foi capaz de ver: o óbvio. O teatro não é apenas um evento, é um modo de vida! Todos somos atores: ser cidadão não é viver em sociedade, é mudá-la. " (Declaração de Augusto Boal à UNESCO , 27 de março de 2009 ).
Movimento de massaMass Moving é um movimento artístico nascido na Bélgica e na Holanda . É um coletivo de artistas e engenheiros que tem como objetivos tirar Arte dos museus investindo na cidade, promover a terra, denunciar convenções estabelecidas por meio de estratégias lúdicas e participativas da arte. Suas ações no espaço público são caracterizadas por seu compromisso ecológico e político . Sem lugares fixos, nômades, o coletivo Mass Moving viaja pelo mundo imaginando ações transgressivas e imaginativas sobre questões sociais. Sentindo a sua recuperação pela Société du spectacle e do mercado de arte , seus membros decidiram em 5 de janeiro, 1976 a cessar toda a atividade e destruir todos os seus arquivos em um fogo- escuro queima . Mass Moving apela ao corpo social e ao anonimato em suas ações. Colaborações entre artistas e participação pública abrir um caminho a ser seguido pelos artistas do final do XX ° século em estética relacional em arte comunitária e arte social.
Uma das últimas ações do Mass Moving é eloqüente quanto à apropriação de territórios físicos e culturais. Este é o Sound Stream , uma cadeia de órgãos eólicos que se estende dos Camarões à Noruega. O historiador da arte Sébastien Biset o descreve da seguinte forma: “Este projeto incorpora, na ação, a noção de sítio sem se limitar apenas à sua concepção espacial. Com efeito, mais do que marcar uma série de sítios, este rio sonoro, universal e unificador, investe e reconfigura-os criando com eles outras relações: na periferia de uma ação escultórica e paisagística, a proposta do Mass Moving celebra a harmonia e a universalidade que geram uma espécie de estética comunicativa ”
ManobraA manobra , conceito iniciado com o coletivo Inter / Le Lieu, teorizado por Alain-Martin Richard em 1990 em Quebec ( Canadá ), é semelhante ao movimento Mass Moving por sua intervenção direta na vida cívica. Além de investir no espaço público real, o trabalhador constrói situações reais e virtuais graças à Internet. O projeto textual Atopie criado pelo coletivo Les cause perdus , que inclui Alain-Martin Richard e Martin Mainguy, é um exemplo convincente. Aqui está a descrição: “A Atopia Textual é uma causa perdida é uma manobra artística que ocorre simultaneamente no planeta Terra e no planeta WEB. Este projeto foi lançado em 21 de dezembro de 2000 na cidade de Quebec. Os participantes são convidados a circular objetos de metal de uma escultura perfurada ao redor da terra, passando-os de mão em mão. Existem 476 peças de esculturas circulares achatadas chamadas de disco. Os participantes se cadastram no site e inscrevem uma produção digital (som, imagem, texto ou vídeo) marcando assim sua presença no projeto. O acúmulo desses documentos constitui um banco de dados que os movimenta de forma aleatória constantemente renovada. Uma das vertentes do projeto pretende fazer com que todas essas produções individuais sejam uma obra coletiva em movimento, visível no site e também na realidade ... física ... material ... Navegando pelos meandros deste site, você vai se deparar com a escultura, o texto desconstruído a ser reconstituído, as inúmeras produções sonoras, visuais e textuais que constituem a história e a memória de cada disco e da Atopia como um todo, o estado de atopia em modulação permanente. "
De acordo com a análise de modelos econômicos ligados ao perfil de artistas de todos os horizontes do mundo da arte liderados por Dominique Dagot-Duvauroux e um coletivo de pesquisadores, os artistas pertencentes à action art seriam do tipo artista 360 °. De acordo com esta pesquisa, esses artistas vivem graças a convocatórias e comissões sem necessariamente terem suas obras materializadas ou permanentes. São performances, intervenções artísticas efêmeras, instalações ou serviços multimídia envolventes. A promoção dos seus trabalhos exige respostas positivas aos convites à apresentação de propostas. Esses artistas também são chamados para curar eventos e exposições artísticas, fornecer consultoria de negócios e administrar centros de arte e cultura. São muitos os locais onde as suas atividades são divulgadas porque o seu trabalho não conduz necessariamente a um trabalho material. Eles devem construir uma rede ampla para divulgar seu trabalho e / ou desenvolver uma base territorial forte que lhes permita interagir com a comunidade. O artista de action art costuma ter uma formação de alto nível, fortemente institucionalizada, o que lhe dá acesso à docência em programas de nível universitário e escolas de arte.
No Ocidente, nos últimos quarenta anos, desenvolvimentos recentes no mundo artístico levaram a essa observação de superação organizacional, onde o papel do Estado e o papel dos comerciantes se fundiram. Devemos falar de padronização e generalização do dito molde institucionalizador.
Novas abordagens estão sendo testadas em relação ao mercado de action art que faz parte da economia global da arte contemporânea. Como prova, uma prática museológica que pode parecer estranha aos não iniciados: a de pagar artistas para a preparação de uma exposição. Além disso, alguns artistas podem ser remunerados na forma de taxas, royalties ou taxas. Outros recebem o direito de apresentação de obras por museus, exatamente no modelo do direito de representação nas artes cênicas , onde a obra não pode ser vendida, mas apenas apresentada. Em suma, a action art está em constante transformação e sua economia está sempre em busca da inovação.