Natureza morta

A natureza morta é um gênero artístico , principalmente pictórico, que representa elementos inanimados (comida, jogo, frutas, flores, objetos diversos ...) organizados de certa forma dentro do quadro definido pelo artista, muitas vezes com uma intenção simbólica.

Charles Sterling propõe a seguinte definição:

“Uma natureza morta autêntica nasce no dia em que um pintor toma a decisão fundamental de escolher como tema e organizar um conjunto de objetos em uma entidade plástica. Que dependendo da época e do ambiente em que trabalha, os carrega de todo tipo de alusões espirituais, nada muda em seu profundo desígnio artístico: o de nos impor sua emoção poética diante da beleza que vislumbrou. .nesses objetos e sua montagem. "

- ( Natureza morta desde a Antiguidade até os dias atuais , 1952 ).

História e tipos de naturezas mortas

O termo aparece apenas no final do XVII th  século. Até então, apenas a expressão "  cose naturali  " ("coisas naturais") tinha sido utilizada por Giorgio Vasari para designar os motivos pintados de Giovanni da Udine . Na Flandres, por volta de 1650 , a palavra stilleven aparece para "pedaços de frutas, flores, peixes" ou "pedaços de comida servidos" , então adotada pelos alemães ( "  Stillleben  " ) e pelos ingleses ( "  naturezas mortas  " ), que se traduziria como "vida silenciosa ou natureza morta". Na Espanha , a expressão relativa às naturezas mortas é bodegón , que deriva do termo bodega (“local de armazenamento de alimentos”), seguido de um aumentativo . Por extensão, designa a antecâmara da adega de tabernas modestas e as naturezas mortas feitas de recipientes e alimentos neste tipo de sala. Em meados do século XVII E  , a expressão “coite life”, traduzida do holandês, permanece marginal. A Academia, ligada à hierarquia dos gêneros , coloca os pintores de flores e frutas por último. Um século depois, a “natureza morta” - expressão atestada em 1736 - condensa este juízo, substituindo coite , ou seja, tranquilo, silencioso, por morto . Diderot , em seus Salões , fala em "naturezas inanimadas".

Pré-história

Segundo Laurence Bertrand Dorléac , podemos considerar os machados esculpidos na pedra do Monte de Gavrinis como a primeira natureza morta da história, por volta de 3500 aC. Antes, a representação mais antiga conhecida de um objeto é atualmente o chifre de búfalo de Vênus de Laussel , por volta de 25.000 aC.

Depois dos eixos de Gavrinis, podemos ver naturezas mortas em pictogramas mesopotâmicos e os objetos miniaturizados produzidos por esta cultura, em particular no contexto de oferendas; mas encontra-se especialmente no Egito , por exemplo, com as pinturas de frisos de objetos nos sarcófagos do Império do Meio . Um objeto votivo da 12ª dinastia representa uma mesa com quatro pães, dois vasos e animais para comer.

Laurence Bertrand Dorléac chama nossa atenção para a multiplicidade de naturezas mortas pré-históricas: “a carruagem Val Camonica imaginada na Idade do Bronze, os longos barcos a remos nas pinturas rupestres de Norrköping, a tiara dos hititas, o disco solar e o crescente lunar do Cartagineses, a urna-cabana dos etruscos, o tabernáculo, a menorá e o Livro dos judeus, as plantas dos minoicos, os sinos dos citas, o bustier da deusa cobra dos cretenses, etc. "

antiguidade

Outras naturezas mortas aparecem durante o período helenístico , mas apenas as descrições permanecem, nenhuma pintura da Antiguidade tendo sobrevivido. De acordo com Plínio, o Velho , os mais famosos naturezas-mortistes este período foi Piraïcos ( IV e e III ª  séculos aC. ). Pintou lojas de barbeiros e sapateiros , burros e principalmente mantimentos, provavelmente mesas de cavaletes . Falamos então de ropografia (representação de pequenos objetos) e hipoarografia (representação de objetos de base), que possuem conotações pejorativas. Porém, Piraïkos, ainda segundo Plínio, conhece um verdadeiro sucesso e suas pinturas, percebidas como menores, vendem melhor e mais caras do que as de seus contemporâneos mais à vista.

Apesar dessa visão crítica de seus contemporâneos, a natureza-morta da Antiguidade já tinha outra ambição que a do mero prazer mimético . “É claro que as naturezas-mortas helenísticas e romanas que representavam refeições prontas tinham uma alusão epicurista” , como aponta Charles Sterling. Mosaicos de naturezas- mortas , como o mosaico Xenia, são freqüentemente encontrados , assim como vaidades nos átrios e triclínios romanos de verão, onde os convidados para as refeições lembravam assim o carpe diem de Horácio.

Meia idade

Na Idade Média, pintamos principalmente objetos simbólicos. Com a hegemonia católica, a representação dos objetos como único sujeito de uma obra desapareceu na Idade Média . Naquela época, “o espírito realista se esvaiu em favor de uma linguagem emblemática compreendida em toda a cristandade. Os objetos, ao se submeterem ao tema de uma composição, contribuem para o desenvolvimento do tema religioso; eles são de importância primordial no significado de certas cenas bíblicas; eles os localizam, eles os datam, eles caracterizam os personagens ” ( Michel e Fabrice Faré , catálogo da exposição ). Esses objetos, portanto, não existem mais por sua própria existência, mas pelo que simbolizam, e esta é uma das principais razões pelas quais os especialistas muitas vezes concordam em considerar que não havia natureza morta durante esse período.

Tivemos que esperar pelas teologias de São Francisco de Assis e de São Tomás de Aquino , o retorno da filosofia aristotélica e também das teorias de Roger Bacon e William de Ockham para ver o catolicismo reconciliado com as sensações e a experiência da natureza que reaparecem algum interesse no assunto como tal, através das obras de Giotto ( fresco em trompe l'oeil de 1305 , representando um lustre em ferro forjado para a capela Scrovegni em Pádua , Itália ) e Duccio di Buoninsegna . No entanto, serão necessários mais dois séculos para ver a representação de objetos como o tema de uma pintura.

XVI th  século XVII th  século

No mundo moderno, a vida ainda é nascido no XVI th  século Itália (1504), incluindo Fede Galizia . No XVI th e XVIII th  séculos, ainda vida tem sua origem na Flandres e Holanda; no norte, nos dedicamos à pintura burguesa e no sul, às obras religiosas. Este tipo cresce e atribui ao início do XVII °  século, nas Escolas do Norte ( Flandres e Holanda , em particular, na forma de "monocromático almoço"), ainda muito provável que seja um pensamento real. Em seguida, se espalhou para a Europa e, particularmente, para a França . Em 1650, na Holanda , surgiu o termo stilleben , para a natureza-morta inglesa , na Espanha bodegones e na França "natureza-morta".

Muitos eram, então, naturezas mortas de flores. As Grandes Descobertas e a chegada à Europa de plantas desconhecidas (e outras maravilhas naturais) suscitaram um enorme interesse pela natureza que conduziu à acumulação de exemplares (em gabinetes de curiosidades e jardins botânicos ), depois à sua classificação, criação de catálogos, depois as obras botânicas e, portanto, o surgimento da ilustração científica . As pessoas começaram a valorizar esses objetos por si mesmas, despojadas de qualquer associação religiosa, moral ou mitológica.

Os espécimes coletados, trocados e vendidos serviram de modelo para pintores que deram representações realistas deles. A paixão para a horticultura criou um mercado desde o início do XVII °  século, naturezas-mortas de flores (pintado para fins estéticos) e para miniatura (revelando uma abordagem mais científica). Entre os primeiros floristas a favor do naturalismo, podemos citar o flamengo ou holandês Jan Brueghel, o Velho (1568-1625 ou Ambrosius Bosschaert, o Velho (1573-1621), depois Jean-Michel Picart (1600-1682), que estava no início de sua carreira a serviço de um famoso "curioso" (amador de curiosidades): Henri de Bourbon-Verneuil O francês (nascido em Lille) Jean-Baptiste Monnoyer (1636-1699) é conhecido principalmente por suas flores, frutas e objetos d'art (1665), pintura que representa objetos como os guardados em armários de curiosidades, todos adornados com uma espécie de guirlanda de flores e frutas. Em O livro de todos os tipos de flores da natureza (por volta de 1670-1680?), apresenta arranjos florais em que as flores são representadas de maneira exata e precisa.

No XVII th  século, em Espanha , ainda, vida, muitas vezes vêm na forma de vaidades a moral católica. Em contraste, a Europa do Norte protestante recusou temas religiosos e se dedicou à pintura burguesa, através de paisagens e naturezas mortas. Este último torna-se então um instrumento ao serviço das duas principais potências religiosas do momento.

No entanto, por trás dessas mensagens piedosas esbanjadas por naturezas mortas, esconde-se um verdadeiro interesse mimético. Os objetos representados certamente conservam seu simbolismo religioso, herdado de textos cristãos , mas, ao contrário do período medieval, o aspecto estético da pintura assume importância primordial e a natureza morta é uma oportunidade de provar a habilidade do artista.

XVIII th  século

No XVIII th  século França, a representação de objetos de simbolismo vai estética e vice-versa. Nos textos de Diderot dedicado a Chardin , o mimético puro prazer, não reconhecida pelo o XVII º  século nas vaidades e manifesta a sua plena representação de objetos na pintura está constantemente dividido entre o prazer de mimese e que o simbólico . Essa dualidade da natureza morta é ilustrada desde a Antiguidade, e também por sua primeira classificação de gêneros, que coloca a natureza morta no fundo da escala, ao considerar Zeuxis um pintor de gênio por ter conseguido pintar uvas que enganam até os pássaros.

No final do século, Watelet desdenha dedicar um artigo à natureza-morta em seu volume da Enciclopédia Metódica dedicado às artes plásticas, e escreve sobre Chardin que ele "pintou da maneira mais charmosa e verdadeira., Natureza-morta: ele nada devia à imitação, às convenções de qualquer artista, e parecia ter inventado a arte " , para concluir depois de alguns elogios técnicos, que era " um pintor muito grande em pequena espécie. " .

A natureza morta é assim colocada na dobradiça entre o desejo artístico de competir com a Natureza, herdado da Antiguidade e redescoberto no Renascimento , e a expressão do artista pela forma de representá-la, que dominará o século seguinte. Chardin com Poussin e artista Claude Lorrain francesa antes da XIX th  século que teve a maior influência sobre a pintura moderna.

XIX th  século

No XIX th  século, Delacroix aprendeu a diferenciar de outros pintores da vida ainda. Esses pintores promoveram a arte e a ciência aos seus olhos. O valor simbólico do objeto foi se perpetuando com o tempo e se tornou uma constante matemática na pintura francesa. Uma ferramenta na qual podemos nos basear para medir o grau de evolução da sociedade, cultura, religião ... Pintamos objetos do cotidiano, ao contrário do período neoclássico (aproximadamente o período de 1700 a 1850 ) onde são pintados objetos da Antiguidade Romana e Grega.

"Artistas do XIX °  século, exceto Delacroix , não inventou novos arranjos. O próprio Manet herdou essas fórmulas não sem penetrá-las, é verdade, com seu gênio. "

“Outras ocupações são voltadas para as pessoas felizes do século. Muitos deles estão convencidos do progresso de idéias e maneiras. Renunciando a obras de morte, guerra e caça, elas se aplicam à vida do espírito. Os pintores de naturezas mortas promoverão arte e ciência em seus olhos, habilmente misturando atributos. Assim, o valor simbólico do objeto, para além dos séculos, não se perde totalmente. Ela se perpetua, se modifica de acordo com os tempos. Aparece como uma constante na pintura francesa de naturezas mortas. Os troféus das artes e ciências retêm a memória de alegorias distantes e emblemas antigos da Idade Média. Seu significado apenas evolui. A desordem dos armários amadores, das mesas atulhadas de livros e papéis, representados em pinturas, já não evoca a melancolia das pesquisas vãs. Os objetos agora simbolizam a febre de saber! "

-  Ibidem , p.  18 .

Mas se esta citação resume parte da representação da vida ainda da XIX th  século, ele não indica a extensão do progresso experimentado este tipo neste momento.

Principalmente porque a natureza-morta foi percebida como um gênero menor excessivamente mimético nos séculos anteriores, ela não foi investida com os significados e aspirações complexos associados a outros gêneros estimados, como a pintura de história ou o retrato , e ela foi capaz de se tornar uma verdadeiro instrumento pioneiro de investigação formal no XX º  século . Esta transição do gênero de vida ainda como menor ao de quase inevitável ferramenta de plástico XX th  século é através de Cézanne que primeiro e antes de os cubistas , as experiências durante a vida ainda novos sistemas perspectivistas / representante .

XX th  século

O que define as vanguardas do XX °  século é essencialmente a escolha de temas: a partir de itens domésticos simples, frutas (não exóticas) e, mais genericamente, simples objetos da vida cotidiana. As mensagens extra-pictóricas da pintura dos Antigos são removidas e a vela se transforma em uma lamparina a gás, etc.

Estranhamente, a vida ainda através da arte do XX °  século, quando esse tipo é percebido pela maioria das pessoas como alheio à arte contemporânea . O gênero evoluiu e representação de objetos é mais estreitamente relacionado com o simbolismo cristão, como era no XVII th  século, mas o significado da vida ainda tem evoluído com a do objeto. Portanto, não é surpreendente encontrar naturezas-mortas tanto em surrealistas quanto na pop art , onde por si só simboliza uma “sociedade de consumo”.

Seja como for, a natureza morta hoje está dividida entre seu passado pesado e sua onipresença na arte contemporânea. Se quiséssemos abrir o debate, seria tentador refletir sobre o ready-made como natureza-morta contemporânea. Pois, se a forma de arte não atende à definição de Charles Sterling citada na introdução, ela continua sendo o desenvolvimento de um objeto inofensivo por meio da arte, e alguns curadores não hesitam em associar o ready-made com a natureza-morta, como demonstrado por a exposição Objects of Desire: The Modern Still Life , organizada pelo Museum of Modern Art de Nova York , em 1997 . A questão da natureza morta, portanto, permanece em aberto hoje.

Escolas

Escola flamenga

XVII th  século

No XVII th  século, paralelamente à pintura paisagens e interiores, aparecem representações de objetos inanimados pintadas por si. Primeiramente na forma de estudos (de flores, frutas, etc.), os arranjos simples de comida levam o nome de almoço e, para representações mais suntuosas, de banquete . Foi só por volta de 1650 que o termo stilleven apareceu para designar naturezas mortas.

As naturezas mortas vão tomando gradualmente todos os objetos decorativos ou domésticos como sujeitos a representar. Eles logo refletem o luxo crescente das classes médias. Assim, os tapetes persas substituem as toalhas de mesa brancas e as louças de barro chinesas. Essas pinturas recebem compradores de uma clientela abastada que decora suas casas com esse reflexo de seu padrão de vida.

As naturezas-mortas desse período são mais do que representações cuidadosas de objetos. Muitas vezes incorporam uma mensagem, a mais familiar das quais é a da vaidade das coisas terrenas e da transitoriedade da vida, daí o termo vaidade muitas vezes anexado às naturezas mortas flamengas.

A natureza morta flamenga é caracterizada por:

  • suas amplas composições;
  • a acumulação decorativa de objetos, a relacionar com a abundância e prosperidade dos Países Baixos, então espanhóis;
  • o uso de grandes formatos.

O estúdio de Pierre Paul Rubens emprega muitos pintores de naturezas mortas, cujo estilo mais ou menos replica o do mestre. Seus principais representantes são:

XVIII th  século

A arte de Flamengo ainda a vida se perpetua XVIII th  século, e enxames toda a Europa. Abraham Brueghel difunde seu estilo em Nápoles, por exemplo.

Escola de espanhol

As naturezas mortas espanholas são principalmente inspiradas na tradição flamenga - a arte hispano-flamenga  - com a qual a Espanha manteve relações políticas, culturais e econômicas estreitas. No entanto, essas naturezas mortas - ou bodegones  - são cenas de natureza morta e de gênero.

“Aparecendo em Sevilha e em Toledo , os bodegones , que reúnem elementos de naturezas mortas e cenas de gênero, constituem um dos raros gêneros seculares da pintura espanhola . Eles mostram pessoas comuns em atividades diárias, como buscar água, cozinhar, comer e beber. A representação dos personagens é tão cuidadosa quanto a dos objetos e dos alimentos, com atenção especial aos valores táteis e à representação da superfície. "

- Karin Hellwig, "Pintura do XVII th  Itália, Espanha e França do século", em Arte barroca , ed. Citadels, p. 413.

Iniciado com Juan Sánchez Cotán e Francisco de Zurbarán no século de ouro espanhol, ele evolui XVIII th  pintores do século, como Luis Paret y Alcázar e Luis Egidio Meléndez que abandonam a moral católica ao naturalismo e atenção aos detalhes.

Francisco de Goya quebra essa tradição para focar na morte. Ele rejeita o conceito tradicional de vida e retorna à estética de Rembrandt. Suas pinturas são metáforas claras para a morte; animais mortos são vítimas de corpos apresentados de maneira direta e cruel. Morte, existência efêmera e fatalismo permeiam suas obras ( Natureza morta com costela e cabeça de cordeiro , Natureza morta com peru , etc.).

O tipo encontrado impulso no XX º  século, com pinturas de Juan Gris , Pablo Picasso ( Still Life com matador espada , morta com cadeira de palha , etc.), Joan Miró ( Ainda vida com sapato velho ), mas acima de tudo Salvador Dalí , com uma produção abundante referente aos seus antecessores ( Sifão e garrafa de cachaça com rolha , Cesta de Pão , Vida Morta , etc.).

Escola holandesa

XVII th  século

As escolas flamenga e holandesa freqüentemente se opõem . Na verdade, no norte da Holanda, o sistema político-econômico significa que os patronos são frequentemente burgueses - ricos ou não - e não aristocratas ricos. A natureza morta, tema burguês por excelência, assume, portanto, grande importância, e é caracterizada por:

  • pequenos formatos;
  • poucos objetos, mas montados em uma composição aprendida, muitas vezes com uma faca colocada transversalmente para cavar a profundidade e / ou uma placa colocada desequilibrada em uma saliência;
  • observação cuidadosa, gosto pela representação precisa dos materiais;
  • uma forte conotação moralizante, mais ou menos para decifrar. Assim, um limão descascado em espiral pode representar a passagem do tempo, assim como um copo meio cheio, enquanto o açúcar marca a ambigüidade entre a doçura e o perigo, o copo revestido mostra que tudo foi consumido e remete à morte…

Os pintores holandeses às vezes produzem pinturas de maneira quase mecânica. Cada um tem a sua especialidade: flores, livros, refeições interrompidas ... Notamos um forte desenvolvimento da vaidade, que se caracteriza pela presença de uma caveira, de um relógio ou de uma ampulheta, referências à passagem do tempo e vaidade dos bens.

Sob a influência de Rembrandt , grande figura da Escola Holandesa, vão surgindo novidades estilísticas: claro-escuro intenso, um toque que se solta, aumentando o mistério e a dimensão lírica da obra.

Os grandes representantes da natureza-morta holandesa são:

Escola francesa

XVII th  século XVIII th  século XX th  século

Galeria

Notas e referências

  1. Conforme citado por Turco 2012 , p.  22
  2. Sterling 1952 , p.  39
  3. Laurence Bertrand Dorléac , To End Still Life , Paris, Gallimard,2020( ISBN  978-2-07-288609-6 e 2-07-288609-0 , OCLC  1225128789 , leia online )
  4. III E e II th  séculos aC. J.-C.
  5. Michel Faré e Fabrice Faré, Still Life, de Jan Bruegel de Velours (1568-1625) a Chaïm Soutine (1893-1943) , Bordeaux, Galerie des Beaux-Arts,1978, "Silent Life of Still Life", p.  7.
  6. Por volta de 1255-1260; † c. 1318-1319.
  7. https://www.mutualart.com/Article/Old-Mistresses--Tracing-the-Origins-of-S/73210A36A14C79C4
  8. "  Natureza morta  " , em larousse.fr .
  9. Claude-Henri Watelet , Beaux-arts , t.  2, Panckoucke, col.  "  Enciclopédia Metódica  ",1791( leia online ) , p.  137.
  10. Sterling 1952 , p.  80
  11. Hans Konig, Vermeer e seu tempo , Holanda, Time -Life International,1973, 192  p. , p.  99-102.
  12. Robert Hughes , Goya. Artysta i jego czas , Varsóvia, WAB,2006( ISBN  83-7414-248-0 , OCLC  569990350 ) , p.  76 e 248.

Veja também

Bibliografia

  • (fr) Anonymous , Still Life, de Bruegel a Soutine , Bordeaux, edições da Galerie des Beaux-Arts,1978, catálogo da exposição. Documento usado para escrever o artigo
  • (fr) Laurence Bertrand Dorléac , Para terminar com a natureza-morta , Paris, Gallimard,2020.
  • (fr) Anne-Marie Charbonneaux , Vanities in Contemporary Art , Paris, Flammarion ,2005, 231  p. Documento usado para escrever o artigo
  • (pt) Hubert Comte , naturezas mortas da Antiguidade até os dias atuais, vida silenciosa , Paris, Casterman ,1992, 142  p. Documento usado para escrever o artigo
  • (fr) Michel Faré , Still Life in France. Sua história e evolução do XVII th a XX th  século , Genève, Pierre Cailler1962. Documento usado para escrever o artigo
  • (pt) Margit Rowell , Objects of Desire: The Modern Still Life , Nova York, Museu de Arte Moderna ,1997, 231  p., catálogo da exposição, distribuído por Harry N. Abrams. Documento usado para escrever o artigo
  • (pt) Meyer Schapiro , The Apples of Cézanne. Ensaio sobre o significado da natureza-morta , Paris, Gallimard ,1982. Estilo, artista e sociedade , tradução de Blaise Allan, Daniel Arasse , Guy Durand, Louis Évrard, Vincent de la Soudière e Jean-Claude Lebensztejn.Documento usado para escrever o artigo
  • Charles Sterling , Natureza morta desde a antiguidade até os dias atuais , Paris, Tisné,1952 Documento usado para escrever o artigo
  • (pt) Charles Sterling , The Still Life from Antiquity to the XX th  century , Paris, Macula,1985( 1 st  ed. 1952), p. II, nova edição revisada. Documento usado para escrever o artigo
  • Jean Turco , Still Life: The Art of Lighting , Paris, Pearson Education France ,7 de dezembro de 2012, 192  p. ( leia online )

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