O Segundo Renascimento (1540 a 1559/1564), anteriormente denominado Estilo Henri II , marca a partir de 1540 , o amadurecimento do estilo surgido no início do século, bem como sua naturalização enquanto o Vale do Loire se encontra relegado a um conservatório de formas da Primeira Renascença . Esse novo período se desenvolveu principalmente durante os reinados de Henrique II , Francisco II e Carlos IX , para não terminar até por volta de 1559-1564, no exato momento em que começaram as Guerras de Religião , que seriam marcadas pelo massacre de São Bartolomeu e a Contra-Reforma Católica.
Marcando um verdadeiro ponto de viragem estilística, esta nova geração de artistas, influenciado pela chegada do arquiteto italiano Sebastiano Serlio em Paris em 1540, opera uma síntese original entre as lições da Antiguidade, a do Renascimento italiano e tradições nacionais..
Este período também marcou o surgimento de novos móveis como caquetoire (ou caqueteuse), a poltrona , a cadeira vertugadin e algumas formas de assento com pinças (também dito Savonarola , ou faudesteuil ) assentos com estrutura de pé dobrável X. o XIX th século e imitado sob o nome de estilo Henry II .
Pátio do hotel Escoville em Caen (1533-1540).
A chamada ala Lescot do Palácio do Louvre (1546-1556).
O castelo de Fère-en-Tardenois (cerca de 1560).
Casa de Jean d'Alibert em Orléans (cerca de 1560).
O Château du Grand Jardin (1533-1546).
Castelo de Bournazel (meio XVI th século).
O castelo Bastie d'Urfé (1536-1558).
O Segundo Renascimento marca a partir de 1540 o amadurecimento do estilo surgido no início do século bem como sua naturalização, enquanto o Vale do Loire se encontra relegado a um conservatório das formas do Primeiro Renascimento. Esse novo período se desenvolveu principalmente durante os reinados de Henrique II, Francisco II e Carlos IX, para não terminar até por volta de 1559-1564, no exato momento em que começaram as Guerras de Religião, que seriam marcadas pelo massacre do Santo - Barthélemy e a Contra-Reforma.
Enquanto o Primeiro Renascimento é gradualmente aceito nas províncias, toda uma série de inovações estão sendo sentidas na Ilha-de-França .
A partir de 1540, o classicismo progride, com a chegada à França de Sebastiano Serlio (1475-1555): embora sua obra arquitetônica permaneça limitada, sua influência é considerável com a publicação de seu Tratado de Arquitetura (1537-1551). Graças às suas obras gravadas, é um dos primeiros a apresentar a outros artistas a beleza dos monumentos da Antiguidade, ajudando assim a desenvolver planos e decorações para mais sobriedade e regularidade. No entanto, arquitetura francesa continua a manter suas próprias características que seduzem Serlio: as janelas de sótão "são grandes ornamentos para edifícios como uma coroa" ea grande sótão coberto com ardósia azulada são "coisas muito agradáveis e nobres".
Os arquitetos que na época do estilo Luís XII e da Primeira Renascença eram tradicionalistas e cheios de verve mestres maçons, consequentemente tornaram-se estudiosos e estudiosos, alguns dos quais fizeram sua viagem de estudos à Itália .
Marcando um verdadeiro ponto de inflexão estilístico, esta nova geração de artistas opera uma síntese original entre as lições da Antiguidade, a do Renascimento italiano e as tradições nacionais. Entre os mais famosos, Philibert Delorme é o autor do Hôtel de Bullioud em Lyon , dos castelos de Saint-Maur-des-Fossés e Anet, bem como da capela de Villers-Cotterêts ; Pierre Lescot construiu a ala renascentista do Palácio do Louvre e do Hôtel de Jacques de Ligneris ( museu Carnavalet ); Jean Bullant construiu os castelos de Écouen e Fère-en-Tardenois, bem como o pequeno castelo de Chantilly .
Esses arquitetos agora colaboram estreitamente com os escultores e definem uma arquitetura e decoração eruditas, preferindo a beleza das linhas à riqueza da ornamentação: Benvenuto Cellini esculpe para a Golden Gate, o relevo de bronze da Ninfa de Fontainebleau ; seu trabalho tipicamente maneirista causou grande impressão na França e provavelmente influenciou Jean Goujon , diretor da fonte dos Inocentes e da decoração da fachada do Louvre; A influência maneirista também permeia a obra de Pierre Bontemps , responsável pela tumba de François I er em Saint-Denis e o monumento do coração de François I er .
Na Borgonha , o Château d'Ancy-le-Franc (1538-1546) é um dos primeiros edifícios a responder a este novo ideal. Obra do arquiteto Serlio, este castelo construído por Antoine III de Clermont , de 1538 a 1546, marca uma evolução para o classicismo na França. Com esta construção começa então em solo francês o que se denomina: arquitetura modular. Só aqui a luz sinuosas frontões das janelas do primeiro andar, recordar o Primeiro Renascimento. De resto, nada distrai da disposição uniforme dos arcos ou janelas, separados por um vão de pilastras gémeas, encerrando um nicho e montados sobre um estilobato alto . Esta alternância de uma baía principal e outra secundária (aqui fingida já que representada por um nicho) emoldurada por pilastras representa um dos primeiros exemplos na França da baía rítmica tratada com tanta franqueza e com tanto rigor. Este novo estilo inspirará mais tarde o arquiteto do Château de Bournazel durante a construção do pórtico oriental.
Esta exigência de clareza continuou no Château d'Écouen (1532-1567), na Ilha-de-França. Basta comparar este edifício com um castelo da Primeira Renascença, como o Azay-le-Rideau, para ver as profundas diferenças entre as arquiteturas das duas épocas. Todo o aparato defensivo, machicolagens ou a passagem de Azay-le -Rideau desaparece pura e simplesmente no castelo de Écouen. As torres de esquina de Chambord tornam-se, como em Ancy-le-Franc e Villandry , simples pavilhões quadrados. O mesmo vale para a ornamentação . Basta comparar as claraboias de Écouen com as do Vale do Loire para perceber o quão longe chegamos. A estratificação de pináculos, nichos de concha e pequenos arcobotantes da Primeira Renascença é seguida por uma composição de linhas limpas decoradas de forma muito sóbria, onde as flautas antigas substituem nas pilastras folhagens e arabescos da época de Francisco I er : um estilo severo em seguida, a luz agracia a Primeira Renascença. Assumindo um arranjo já observado em Villandry, o castelo apresenta um arranjo moderno pela regularidade da sua planta quadrangular onde os pavilhões se articulam harmoniosamente. Para ventilar o espaço interior, uma ala baixa fecha o pátio. A entrada é então feita por um corpo frontal encimado por uma loggia onde a estátua equestre de Anne de Montmorency , retoma as composições observadas nos castelos de Gaillon e Anet. Todo o edifício está isolado graças a uma vala fortificada que lembra o ataque militar do proprietário. A parte de trás do pátio não é mais composta por um edifício principal, mas por uma galeria cerimonial simples que conecta duas alas de apartamentos, dos quais os do rei e da rainha dão para a planície da França . No piso inferior desenvolvem-se os banhos coletivos como em Fontainebleau , ligados a zonas de lazer (jardim, campo de ténis ). A fachada da ala norte, assumida por Jean Bullant, apresenta uma nova sobreposição de ordens regulares, encimada por uma cornija clássica inspirada na Antiguidade. No entanto, as pesquisas realizadas na fachada sul para se adaptar às proporções das estátuas dos escravos de Michelangelo , oferecidas por Henrique II, deram-lhe a oportunidade de usar pela primeira vez na França a ordem colossal : as colunas que agora ocupam o dois níveis até a base do telhado, são inspirados no Panteão de Roma e são encimados por um entablamento clássico, criando a ilusão de um monumento antigo. Embora a influência das conquistas de Miguel Ângelo no Capitólio e de São Pedro em Roma sejam evidentes, as referências ao Renascimento italiano estão gradualmente desaparecendo diante de exemplos do mundo romano .
A ala Lescot do Louvre, realizada a partir de 1546, é uma obra-prima da Segunda Renascença. Esta obra de Pierre Lescot, um arquiteto antigo, foi decorada por Jean Goujon. A escadaria inicialmente planeada no centro do edifício principal foi deslocada a pedido de Henrique II com vista à criação de uma grande sala onde eram colocadas as cariátides gregas, moldadas a pedido de Jean Goujon, no Erecteion da Acrópole de Atenas . Como um manifesto do estilo francês, defendido por Lescot, a fachada apresenta uma superposição de novas ordens clássicas sem atingir a regularidade italiana: à medida que se sobe, as proporções tornam-se cada vez mais finas e a ideia de coroar as duas ordens sobrepostas de uma ampla bandana decorada, levando a aclimatar na França, o piso do sótão tão popular na Itália, ao usar pela primeira vez telhado quebrado em francês , para dar a ilusão de um telhado reto. Apesar da pequena protuberância, as fachadas , última lembrança das torres medievais , bastam para animar a fachada. As admiráveis esculturas de Jean Goujon ajudam a tornar este edifício uma obra única. No rés-do-chão, os arcos semicirculares emoldurados por pilastras acentuam as verticais e horizontais enquanto o conjunto de apoios duplos emoldurados por nicho decorado com medalha, representa um arranjo que se tornará típico da arquitetura francesa.
Outra grande conquista desse período, o castelo de Anet, foi construído por Philibert Delorme, às custas do rei, para Diane de Poitiers , amante de Henrique II. Destruída durante a Revolução , apenas a capela e as três ordens sobrepostas preservadas na Beaux-Arts de Paris permanecem hoje sem alternâncias . Já típica do Segundo Renascimento, a planta quadrangular apresenta uma habitação situada em frente à entrada. Valas com bastiões, como em Écouen, têm canhões para festas e pompa. A entrada em forma de pirâmide é uma reminiscência italiana que representa um arco triunfal reinterpretado por Delorme. Quatro colunas jônicas sustentam um arco caindo sobre uma arquitrave, enquanto as colunas das passagens laterais são inspiradas no palácio Farnese de Sangallo, o Jovem . Sob o recorte das balaustradas , um jogo de policromia de materiais, emoldura a ninfa produzida por Cellini para a Porta Dorée de Fontainebleau. No topo, um grupo de autômatos, desaparecido, marcava as horas. Em todos os lugares, Philibert Delorme expressa seu gosto por invenções bizarras inspiradas no capricho de Michelangelo: Sob essa influência, um uso sem precedentes de volumes arredondados aparece enquanto muitos detalhes como frontões sinuosos ou pilastras embainhadas revelam um conhecimento profundo das obras de Michel-Angelesques. É assim que as chaminés, chamadas " sarcófagos ", que se desenvolvem em ambos os lados do edifício, parecem uma memória distante dos túmulos dos Medici em Florença . Situado no final do pátio, o corpo principal do edifício central, pela sua sobreposição de ordens, dá um aspecto ascendente ao mesmo tempo que assume a mesma sobreposição de ordens canônicas, observada na ala norte de Écouen: em outros lugares o mesmo tipo de antiguidade estátuas colocadas em nichos emoldurados por duplo suporte. Às ordens clássicas, Delorme prefere criar uma ordem inusitada: A coluna anelada apresentada pelo arquitecto como solução para um problema técnico que permite ocultar as juntas das colunas emparelhadas. Esta invenção também expressa a nova maturidade da arquitetura francesa com a reflexão sobre a criação de uma ordem francesa, uma idéia abandonada sobre a morte de Henri II, mas tomado por Jules Hardouin-Mansart , durante a construção do Salão dos Espelhos. Do Palácio de Versalhes .
A capela do castelo Anet continua a ser o feito mais inovador. Esta é a primeira vez na França que o plano centralizado é usado. Se a talha de nichos rodeados por pilastras é influenciada por obras contemporâneas de Bramante e Michelangelo, o friso que a recobre é inspirado por Sangallo . As esculturas podem ser de Jean Goujon. O edifício é os esmaltes de ajuste de François I st e apóstolos de Scibec Carpi . A abóbada da cúpula desenvolve uma decoração composta por um entrelaçamento de círculos que reflectem, de forma octogonal, no pavimento do terreno. Este motivo, inspirado nos elementos frequentemente encontrados nos mosaicos romanos, mostra a vontade de ultrapassar o modelo italiano, referindo-se diretamente a conquistas antigas, a fim de criar uma arquitetura francesa original.
Além desses grandes projetos reais, as grandes residências da cidade participaram da naturalização desse novo estilo: Sob o impulso do Segundo Renascimento, toda a suntuosa decoração de folhagens e medalhões enormes e cheios de verve adornando a Galeria do Hotel de Chabouillé ( Moret-sur-Loing ), desaparecem face ao sistema de proporções modulares , estritamente aplicado ao entablamento da casa de Jean d'Alibert em Orléans , onde cartuchos esculpidos, inspirados na Escola de Fontainebleau, superam as janelas. Respondendo a uma exigência de clareza buscada durante este período, as mansões desenvolveram-se entre o pátio e o jardim como em Paris, em particular no hotel Jacques de Ligneris (museu Carnavalet).
O novo estilo não demorou a se espalhar pela França: no Vale do Loire, no castelo de Bastie d'Urfé (ou Bâtie d'Urfé ), na Borgonha, no cassino do grande jardim de Joinville (antes de 1546), em Aveyron , no Château de Bournazel (1545-1550) ou na Normandia no Hôtel d'Escoville em Caen (1537). Em Mans e Rodez , a influência do Vitruviano , Guillaume Philandrier , é provável, enquanto em Toulouse , o arquiteto Nicolas Bachelier está a serviço de todo um ambiente humanista ; entre as residências mais famosas: pode-se citar o castelo de Saint-Jory (1545 / destruído), bem como o belo exemplar das três ordens sobrepostas do hotel de Assézat (1555-1557). Alguns edifícios públicos, como o palácio do parlamento Dauphiné (1539) em Dijon ou o palácio Granvelle e a câmara municipal em Besançon, também participaram no Segundo Renascimento.
Se a arquitetura religiosa permanecer fiel às estruturas e abóbadas góticas ( catedral de Le Havre , Saint-Eustache de Paris ), muitas igrejas estão modernizando sua fachada principal ou lateral com um frontispício antigo ( Rodez , Gisors , Saint-Aignan de Chartres ) e mimo sua tela rood como um arco triunfal ( Sainte-Chapelle em Paris, Saint-Pierre de Maillezais ).
Apollo e Parnassus (1552/1556, Fontainebleau Ballroom ).
A Guerra de Tróia na plataforma dos músicos (1552/1556, Salle de Bal de Fontainebleau ).
O Rapto de Prosérpina (1552-1570, óleo sobre tela, Museu do Louvre ).
Orpheus and Eurydice (1552-1571, National Gallery , Londres ).
Moisés salvo das águas (c. 1560, óleo sobre tela, Museu do Louvre ).
A joeiramento de grãos, possivelmente devido a Giulio Camillo dell'Abbate, filho de Nicolò (1560-1570, Museu do Louvre ).
Chaminé da Vitória (1558-1560, castelo de Ecouen ).
Caça de Esaú (por volta de 1552, castelo de Écouen ).
Gravura do projeto para a Galerie d ' Ulysses (1560, Los Angeles ).
Niccolò dell 'Abate foi um artista nascido em Modena , perto de Bolonha , e que se tornou muito famoso na França , tendo desempenhado um papel fundamental na primeira escola de Fontainebleau . Esta escola foi criada por artistas italianos ativos no Chateau de Fontainebleau , onde desenvolveram um estilo que reverberou sua influência na arte francesa e do norte da Europa .
Toda a família dell'Abbate , de pai para filho, se dedicou às artes. Citamos com honra, entre os pintores de Modena, seu pai Jean, seu irmão Pierre-Paul, seu filho Jules-Camille, seu neto Hercule e seu bisneto Pierre-Paul.
Formado em Modena , foi aprendiz no ateliê de Alberto Fontana e foi aluno de Antonio Begarelli .
Em 1540, entrou ao serviço dos senhores de Scandiano , a 27 km de Modena. Entre 1540 e 1543, ele também decorou a Rocca dos príncipes Meli Lupi em Soragna, no noroeste de Parma .
Ele então trabalhou em Bolonha entre 1548 e 1552, atendendo a uma rica clientela de clérigos e banqueiros.
Em Bolonha , seu estilo é influenciado por Correggio e Parmesão . Seus numerosos retratos evocam os de Pontormo .
Em 1552, Niccolò dell 'Abate foi convidado para a França a serviço de Henrique II (na época ele era frequentemente chamado de Nicolas Labbé). No Château de Fontainebleau , colaborou na decoração do edifício real, sob a supervisão do Primatice (1504 - 1570), outro artista fundamental da Escola de Fontainebleau, bem como do pintor florentino Rosso (1494 - 1540). Dois anos depois, deu o desenho do projeto de decoração em homenagem à Condestável Anne de Montmorency .
Em Paris , ele executou afrescos nos tetos do Hôtel de Guise (agora não mais lá), com base em desenhos do Primatice. O artista então recebeu muitas encomendas de caráter privado, como pequenas pinturas portáteis de temas mitológicos inseridos em paisagens.
Boa parte da sua produção artística dedica-se, assim, ao género da efémera pompa decorativa, produzida por ocasião de momentos importantes que marcaram a vida da corte real. O principal exemplo continua sendo o ciclo de decorações feito para a entrada triunfal em Paris de Carlos IX e sua esposa Elisabeth da Áustria em 1571, ano da morte de Nicolò dell'Abbate na França.
O legado do pintor emiliano é constituído sobretudo pelas suas paisagens que servem de pano de fundo a cenas mitológicas , motivos que vão inspirar artistas franceses como Claude Lorrain (1600 - 1682) e Nicolas Poussin (1594 - 1665).
Jean Cousin the Elder ( Soucy , perto de Sens , por volta de 1490 ou 1500 - Paris , depois de 1560 ), também é chamado de Pai, ou o Velho para distingui-lo de seu filho também chamado Jean Cousin . Este artista não é apenas pintor, designer e decorador, mas também gravador. Jean Cousin, o Velho está com Jean Clouet , o principal pintor francês do XVI th século. Apelidado de francês Michelangelo , sua pintura Eva prima Pandora, preservada no Louvre, continua sendo sua obra mais famosa.
Pouco se sabe sobre sua vida, e muitas obras são atribuídas apenas a ele, às vezes executadas mais provavelmente por seu filho Jean Cousin the Younger, com quem muitas vezes se confunde. Outro escultor não relacionado também tem o mesmo nome.
Foi na sua cidade natal de Sens , em 1526, que Jean Cousin, o pai (1490-1560) iniciou a sua carreira como agrimensor , continuando aí a sua actividade até 1540. Depois de fazer desenhos para os vitrais da catedral de Sens e retábulo da abadia de Vauluant em 1530, Jean Cousin le Père mudou-se para Paris por volta de 1540, onde realizou importantes obras.
Em 1541, ele foi contratado para as caricaturas para as tapeçarias da Vida de Santa Geneviève e em 1543, ele produziu as oito caricaturas para a História de Saint Mammès para o Cardeal de Givry . Essas tapeçarias, que deveriam decorar o coro da catedral de Langres , foram executadas por tecelões parisienses. Foi então que, em 1549, ele colaborou na entrada triunfal do rei Henrique II em Paris.
Ele também trabalha para vidreiros e executa os desenhos para os vitrais da capela do hospital Orfèvres , um calvário para a igreja dos jacobinos em Paris , vários vitrais para a igreja de Saint-Gervais ( Le Jugement de Salomon , Le martírio de Saint Laurent , A Samaritana conversando com Cristo e A cura do paralítico ), a igreja de Moret, as de Saint-Patrice e Saint-Godard em Rouen, bem como para o castelo de Vincennes ( The Approach to julgamento última , de acordo com o Apocalipse , a Anunciação da Virgem ), onde ele também executa os retratos de comprimento de François 1 st e Henry II. Jean Cousin também é creditado com vitrais em grisaille executados para o castelo de Anet (incluindo Abraão devolvendo seu filho Ismael a Hagar , Os israelitas conquistadores dos amalequitas sob a liderança de Moisés e Jesus Cristo pregando no deserto ).
Temos apenas um pequeno número de pinturas de Jean Cousin, o pai: a Eva Prima Pandora , agora no Louvre, e La Charité . Estas obras atestam, como as tapeçarias da História de Santo Mammès , a influência de Rosso , mas o pai Jean Primo soube interpretar de forma muito pessoal a arte da escola de Fontainebleau.
Alguns desenhos Penélope , Martírio de um santo e Jogos infantis , são atribuídos hoje a Jean Cousin le Père, de quem também temos duas gravuras assinadas: a Anunciação e o Entombamento .
Teórico, o artista publicou dois tratados ilustrados com xilogravuras, o Livre de perspective datado de 1560 e o Livre de pourtraicture concluído por seu filho em 1571. Reimpresso em 1589, nenhuma cópia foi encontrada até o momento. Por outro lado, é provável que esta última obra seja a publicada logo após a morte de Cousin le Jeune em Paris em 1595 por David Leclerc , com placas gravadas de Jean Le Clerc . Este tratado é também uma obra de arte da ilustração anatômica , foi reeditado várias vezes no XVII th século.
Jean Cousin le Fils (1522-1594) também disse que o jovem foi confundido por muito tempo com seu pai, de quem foi aluno. Jean Cousin the Younger estudou pela primeira vez na Universidade de Paris pelo menos até 1542, depois colaborou no trabalho de seu pai. Quando este último morreu, ele assumiu.
Sua produção parece ter sido importante. Em 1563, ele colaborou nos preparativos para a entrada triunfal de Carlos IX . Por volta de 1565, a contribuição do Primo Pai e do Primo Filho ao monumento funerário de Philippe Chabot , almirante da França é controversa; a moldura ornamental do monumento e os quatro gênios alados são atribuídos ao filho, tratados em um estilo maneirista muito brilhante.
A única pintura atribuída a Jean Cousin fils é o Juízo Final datado de 1585 e conservado no museu do Louvre. Este trabalho reflete a influência do maneirismo florentino e da arte flamenga . Uma série de desenhos, as ilustrações no Livro da Fortuna (1568), as Metamorfoses de Ovídio (1570) e as Fábulas de Esopo (1582) revelam um artista habilidoso influenciado por seu pai, o meio Bellifontan e a arte dos países nórdicos .
Antoine Caron (1521-1599)Henri Lerambert , O Funeral do Amor (1560-1570, Museu do Louvre ).
Augusto e a Sibila de Tibur (por volta de 1578, Museu do Louvre ).
Os Massacres do Triunvirato (1566, Museu do Louvre ).
Henri Lerambert , Cristo e a Mulher Adúltera (por volta de 1570, Museu de Arte de Nantes ).
O triunfo do inverno (por volta de 1568, coleção particular).
Astrônomos estudando um eclipse (c. 1575, coleção Gaskin, Londres).
Antoine Caron, nascido em 1521 em Beauvais e falecido em 1599 em Paris, é um mestre vidreiro francês, ilustrador e pintor da escola maneirista de Fontainebleau.
Na dobradiça entre as duas escolas de Fontainebleau, Antoine Caron é uma das principais personalidades do maneirismo francês. Um dos raros pintores franceses de sua época a ter uma personalidade artística marcante. Sua obra reflete a atmosfera refinada, embora muito instável, do pátio da Casa de Valois , durante as Guerras Religiosas de 1560 a 1598.
Saindo de Beauvais, onde pintou desde a adolescência pinturas religiosas perdidas desde então, Antoine Caron trabalha na oficina de vitrais de Leprince , depois faz sua formação nas oficinas do Primatice e Nicolò dell'Abbate na Escola de Fontainebleau em 1540 em 1550. 1561, foi nomeado pintor da corte de Henrique II e Catarina de Médicis e mais tarde tornou-se seu pintor nomeado.
Sua função como pintor da corte incluía a responsabilidade de organizar apresentações oficiais. Ele, como tal, participou da organização da cerimônia e da entrada real em Paris para a coroação de Carlos IX e o casamento de Henrique IV com Marguerite de Valois . Algumas de suas ilustrações das festividades na corte de Carlos IX permanecem e provavelmente constituem fontes possíveis para a representação da corte nas tapeçarias Valois.
As poucas obras de Caron que sobreviveram incluem temas históricos e alegóricos, cerimônias da corte e cenas astrológicas. Ele é um estudioso, e suas cenas eruditas e sofisticadas refletem a cultura brilhante que se desenvolveu em Paris sob o reinado do último Valois .
Seus massacres ocorreram em meados da década de 1560, como sua única pintura datada e assinada, Les Massacres du Triumvirat (1566), mantida no Louvre. Evoca os masscres perpetrados durante as guerras civis romanas, em 43 aC pelos triúnviros Antoine , Octave e Lepidus . Seria uma alusão aos massacres de que foram vítimas os protestantes , durante as Guerras de Religião, principalmente a partir de 1561, quando três defensores do catolicismo , Anne de Montmorency , Jacques d'Albon de Saint-André e François de Guise formaram um triunvirato opor-se à política de apaziguamento de Catarina de Médicis
O componente essencial de seu estilo é a retomada da figura muito alongada dos artistas italianos, mesmo em retratos como Retrato de femme (1577), uma linguagem corporal eloquente, muito movimento e dinamismo. Ele dá um aspecto muito estranho às suas composições. Bem como a vivacidade das suas cores que contribuem para este carácter muitas vezes fantástico que confere às suas obras.
O outro aspecto emblemático de sua obra é a incorporação de arquiteturas fantasiosas, que às vezes se misturam com ruínas romanas. Como seu mestre Nicolò dell'Abbate , ele freqüentemente colocava figuras humanas quase insignificantes no meio de grandes cenas.
Estilisticamente, sua adesão ao maneirismo do norte se refere à tipologia de seus personagens. A crítica moderna o chama de "o avô do maneirismo" .
A escassa documentação da pintura francesa desse período significa que muitas das obras a ele atribuídas também são atribuídas a outros artistas, como Henri Lerambert . A relativa notoriedade de Antoine Caron contribui para a associação de seu nome a obras comparáveis às suas mais conhecidas. Em certos casos, essas telas, por exemplo, a Submissão de Milão a François I er em 1515 (c. 1570), são doravante atribuídas à “oficina de Antoine Caron”.
Noël Bellemare é um pintor e iluminador francês de origem flamenga, ativo entre 1512 e 1546, em Antuérpia e depois em Paris. Ele é atribuído a caixas de vitrais, bem como miniaturas . Algumas de suas iluminações foram agrupadas sob o nome da convenção de Mestre das Epístolas Getty, provavelmente à frente de um workshop também conhecido como Oficina dos anos 1520.
Noël Bellemare é filho de um residente da Antuérpia e de um parisiense. A sua presença é atestada em Antuérpia em 1512, mas encontramos o seu vestígio já em 1515 em Paris, onde termina e completa a sua carreira. Ele está instalado na cidade como pintor e iluminador na ponte Notre-Dame , ao lado de outros artistas e livreiros.
Os arquivos documentam várias ordens oficiais em Paris: ele pintou o teto do Hôtel-Dieu em 1515, decorou a entrada da ponte Notre-Dame em 1531 para a entrada da Éléonore d'Autriche em 1531, uma decoração do Palais du Louvre em colaboração com Matteo del Nassaro para a chegada de Charles Quint em 1540. Ele também fez douramento no Château de Fontainebleau . Ele foi mencionado em 1536 como pintor-iluminador juramentado.
As primeiras obras do pintor são influenciadas pelo maneirismo de Antuérpia , bem como pela gravura de Albrecht Dürer . Posteriormente, uma influência das pinturas de Raphael e Giulio Romano foi substituída . Esta influência, sem dúvida, vem-lhe da frequência da Escola de Fontainebleau, que conhece participando na decoração do castelo.
Apenas uma peça é realmente atestada por fontes da mão de Noël Bellemare: esta é a carta de uma janela na igreja pentecostal Saint-Germain l'Auxerrois em Paris . Por analogia e comparação estilística, um conjunto de iluminuras e vitrais são atribuídos a ele pelo historiador da arte Guy-Michel Leproux .
O corpo de iluminações atribuídas a ele tem sido referido como a convenção Getty Master of the Epistles. Essas obras também foram agrupadas por um tempo pelo historiador de arte americano Myra Orth em um conjunto maior de 25 manuscritos e sob o nome de Workshop da década de 1520. Noel Bellemare pode ter sido seu líder. Entre elas, as miniaturas atribuídas ao Mestre das Horas Doheny podem corresponder a um período mais antigo do mesmo pintor.
Finalmente, algumas das miniaturas do Mestre das Epístolas Getty são posteriores à sua morte: parece que esta mesma oficina continuou por algum tempo após o seu desaparecimento.
As quatro estações do Hôtel de Jacques de Ligneris , hoje Museu Carnavalet em Paris , produzido por Jean Goujon ou sua oficina (1548 a 1550).
Alívio com a salamandra e a ninfa da Fontaine des Innocents (1549, museu do Louvre ).
A Deposição de Cristo (concluída no Natal de 1545, Museu do Louvre ).
Março (entre 1548 e 1556).
Bellona (entre 1548 e 1556).
Arquimedes (entre 1548 e 1556).
Naiad of the Fontaine des Innocents (1549, Paris ).
Jean Goujon provavelmente nasceu na Normandia por volta de 1510 e morreu provavelmente em Bolonha , por volta de 1567.
Apelidado de " Fídias francesas" ou " o Correggio da escultura", Jean Goujon é com Germain Pilon o escultor mais importante do Renascimento francês.
Escultor e arquiteto, foi um dos primeiros artistas cuja obra se inspirou diretamente na arte antiga e no Renascimento italiano, que estudou pessoalmente na Itália . Ele soube submeter sua obra escultórica , especialmente seus baixos-relevos , ao quadro arquitetônico em que deveria ser inscrita.
Apesar da riqueza de sua produção artística, a carreira de Jean Goujon só pode ser acompanhada por cerca de vinte anos, de cerca de 1540 a 1562. Presente em Rouen entre 1540 e 1542, executa as primeiras obras preservadas. Para a galeria do órgão da igreja Saint-Maclou , esculpe duas colunas que ainda hoje existem. O primeiro exemplo na França de uma ordem coríntia muito pura, eles revelam o conhecimento perfeito de Jean Goujon da arte antiga. Ele também é creditado com o projeto do túmulo de Louis de Brézé (1531) na catedral de Rouen , e a arquitetura da capela de Saint-Romain , popularmente chamada de La Fierte (1543).
Chegou a Paris por volta de 1542, provavelmente trabalhou sob a direção do arquiteto Pierre Lescot , como um "criador de imagens" na tela de Saint-Germain-l'Auxerrois (1544 ao Natal de 1545). O conjunto arquitetônico desapareceu em 1750, mas os baixos-relevos dos Quatro Evangelistas e a Deposição de Cristo , geralmente conhecida como a Virgem da Piedade , esculpidos pelo artista sobreviveram e estão hoje preservados no Louvre. Uma impressão parmesão representando o Entombment inspirou Jean Goujon para a composição da Deposição de Cristo . Esta é a prova de que a arte italiana o influenciou diretamente, sem a intermediação da arte de Fontainebleau . A " cortina molhada " e as dobras paralelas dos relevos da tela rood revelam o estilo de um artista ligado à arte antiga , e mais exatamente à arte helenística .
Em 1545, Jean Goujon trabalhou para o condestável Anne de Montmorency e produziu Les Quatre Saisons (1548 a 1550) para o hotel de Jacques de Ligneris , primo de Pierre Lescot, que agora se tornou o museu Carnavalet .
A partir de 1547, o artista entrou ao serviço do novo rei Henrique II . Ele trabalhará com outros scupteurs na decoração da entrada do rei em Paris em 1549, criando a única obra permanente: a famosa fonte dos Inocentes . Seus baixos-relevos , representando ninfas e náiades , podem ser encontrados hoje no museu do Louvre.
Ao mesmo tempo, Jean Goujon trabalhou como mestre escultor sob "os desenhos de Pierre Lescot, Senhor de Clagny " nas decorações do palácio do Louvre. Entre 1548 e o início de 1549, ele completou suas alegorias de Guerra e Paz antes de ser contratado para executar as alegorias da História , Vitória, depois da Fama e da Glória do Rei . Pouco depois, produz a Plataforma das Cariátides dos Músicos, concluída em 1551, na sala homônima do Palácio do Louvre. Em 1552, esculpiu estátuas para a lareira do gabinete Ática localizado na ala oeste e, finalmente, em 1555-1556, alguns baixos-relevos da escadaria de Henrique II .
Ele é geralmente creditado com as gravuras da versão francesa do Sonho de Poliphile de Francesco Colonna (1546), após as gravuras da edição original (possivelmente devido ao estúdio de Andrea Mantegna ). Também devemos a ele xilogravuras que ilustram a primeira edição francesa dos Dez Livros de Arquitetura de Vitrúvio , traduzidos em 1547 por Jean Martin . Ele também teria feito medalhas preciosas para Catarina de Médicis .
A Diana apoiada num veado (cerca de 1549) também conhecida como Fontaine de Diane feita para Diane de Poitiers no Château d'Anet foi sucessivamente atribuída a Benvenuto Cellini , Jean Goujon e Germain Pilon . Todos esses atributos foram contestados ou refutados. É difícil julgar a obra que foi concluída em grande parte por Pierre-Nicolas Beauvallet antes de sua instalação no Louvre em 1799-1800. Alexandre Lenoir , então diretor do Museu, é o autor da atribuição a Jean Goujon.
A data exata da morte do artista é desconhecida. De protestante , seu trabalho na corte da França e até sua presença em Paris tornaram-se difíceis quando as tensões religiosas aumentaram. Uma tenaz lenda diz que Jean Goujon foi assassinado durante Saint-Barthélemy . Se assim fosse, teria sido citado a posteriori como um dos famosos mártires do drama, o que não aconteceu. A história de sua trágica morte, no entanto, foi repetida em muitas obras de crítica de arte e extensão para a XVIII th e XIX th século. Pesquisas mais recentes encontraram seus vestígios entre os refugiados huguenotes de Bolonha em 1562. Diz-se que ele morreu na Itália entre essa data e 1569.
Jean Goujon certamente teve uma oficina e alunos que o ajudaram. Suas figuras são ovais, sensuais e fluidas. Suas cortinas revelam um conhecimento da escultura grega . Espalhada por toda a França por meio de gravuras feitas por artistas da escola de Fontainebleau , a pureza e a graça de seu modelo influenciaram as artes decorativas . Sua reputação sabe no final do XVI th século, uma ligeira tendência eclipse no sentido mais educado , antes de crescer novamente na era do barroco e clássico francês.
Mascarons du Pont Neuf (por volta de 1588, os últimos seis originais estão no museu Carnavalet ).
Estátuas reclinadas de Catarina de Médicis e Henrique II (1583, basílica de Saint-Denis ).
Anotomias ( transis ) do Monumento Funerário de Henrique II ( Basílica de Saint Denis ).
A Virgem das Dores (1582-1585, Louvre )
Cristo da Ressurreição (por volta de 1572, Louvre ).
Medalhão do Chanceler René de Birague (c. 1577, bronze, Louvre ).
Medalhão de Henrique III (1575, Château de Blois ).
Tumba de Valentine Balbiani no convento de Sainte-Catherine-du-Val-des-Écoliers em Paris (1574, Louvre ).
Germain Pilon , nascido por volta de 1528 em Paris e falecido em 1590 na mesma cidade, está com Jean Goujon, um dos escultores mais importantes do Renascimento francês. Particularmente participando da criação dos túmulos do último Valois , essas obras testemunham sua pertença ao maneirismo .
Filho do escultor André Pilon, aprendeu com ele, e provavelmente com Pierre Bontemps , a modelagem do barro e da pedra. Nenhuma das criações de André Pilon ainda foi preservada, de modo que não podemos apreciar seu estilo. No entanto, certas encomendas revelam sua predileção por estátuas de madeira pintadas e por terracota. Enquanto nomeado controlador dos marcos e moedas do rei, Germain Pilon também aprendeu a arte de fundir e perseguir o bronze.
Em 1558, ele foi contratado pelo superintendente dos Edifícios do Rei, Philibert de l'Orme , para esculpir oito "gênios funerários" ou "figuras da Fortuna" , destinados ao túmulo de François I er que Philibert de l'Orme então construiu na basílica de Saint-Denis . Foi nessa ocasião que Germain Pilon, então jovem, produziu uma estatueta de mármore branco que foi sua primeira obra conhecida. Este gênio fúnebre lembra fortemente a escultura de Michelangelo e testemunha o virtuosismo de Germain Pilon em imprimir o movimento. No entanto, ele não será escolhido para adornar a tumba real e agora está em exibição no Museu Nacional do Renascimento em Ecouen .
Com a morte de Henrique II , o Primatice obteve o cargo de Superintendente de Edificações e decidiu manter Germain Pilon entre seus colaboradores. Para o Château de Fontainebleau , o artista molda estátuas de madeira, executadas sob a direção do mestre italiano, cujo estilo agora lhe era muito familiar. É somente com o Monument du cœur de Henri II (Louvre) que descobrimos a arte do escultor em toda a sua plenitude. O monumento que ele projetou consiste em um pedestal decorado, sustentando três figuras femininas sustentando uma urna funerária em suas cabeças. A maior parte do trabalho de escultura coube a Germain Pilon , notadamente a execução das três estátuas alegóricas nas quais podemos ver as Três Graças e as Virtudes Teológicas .
Ainda está sob o controle da Primatice que Germain Pilon cria suas seguintes obras. Quando Catarina de Medici construiu um mausoléu na rotunda da Igreja da Abadia de St. Denis , Germain Pilon está entre os artistas responsáveis pela decoração escultórica. Ele participou primeiro da realização do túmulo do falecido rei e da rainha, ao lado de outros escultores como Girolamo della Robbia e Mestre Ponce . Porém, a maior parte do trabalho acaba caindo sobre ele. Ele é, portanto, o autor das figuras reclinadas , as orações , duas Virtudes de bronze e dois relevos de mármore pertencentes à edícula . É na estátua reclinada da rainha, imitação de uma antiga estátua chamada hoje Vênus dos Medici , que ele se liberta grande parte de seus laços, talvez porque ali tenha estado noivo. Os orantes revelam uma grande liberdade de movimento e uma reprodução muito pessoal da fisionomia que mostra que Germain Pilon abandonou o gótico tardio pela arte renascentista .
A partir de 1570, Germain Pilon, agora muito ocupado, teve uma grande oficina em Paris . Entre suas obras atuais foram preservadas a Virgem de Notre-Dame-de-la-Couture ( Le Mans ) e as principais esculturas do túmulo de Valentine Balbiani (falecido em 1572). Neste túmulo, onde se misturam elementos italianos e franceses, o falecido é representado, segundo a tradição francesa, sob duas vertentes. Valentine Balbiani, vestido com um traje suntuoso, meio reclinado, apoiado sobre um cotovelo e folheando um livro, corresponde a um tipo italiano já bem conhecido na França antes de Germain Pilon. No entanto, de acordo com a tradição francesa, o baixo-relevo colocado abaixo apresenta o morto reclinado com um realismo tão impressionante que situa a obra na tradição dos transientes "cadavéricos" da escultura medieval francesa. Hoje, a maioria das tumbas executadas por Germain Pilon não são mais conhecidas, exceto por meio de documentos ou esboços encomendados .
Em 1572, o artista obtém o cargo de "controlador geral de efígies da Corte de Monnaies" . Devemos-lhe a série de medalhões com as efígies de membros da família real, bem como vários bustos de mármore e bronze, entre os quais se destacam o de Carlos IX e o de Jean de Morvilliers . Nos últimos dez anos de sua vida, enquanto era apreciado pela aristocracia francesa, teve uma grande oficina: a abundância de encomendas e a realização dos 380 pedreiros da Pont Neuf , obrigou-o a s 'adicionar seus filhos, como bem como colaboradores como Mathieu Jacquet dit Grenoble, que garantiu o sucesso do estilo de Germain Pilon ao longo de várias décadas.
Até cerca de 1585, Germain Pilon foi ocupado por novas esculturas de mármore destinadas à capela funerária dos Valois de Saint Denis . Um pathos e um novo drama caracterizam então os últimos anos de produção do escultor. Notamos em particular o Cristo da Ressurreição com dois soldados romanos (Louvre), um São Francisco de Assis ( Catedral de Sainte-Croix de Paris dos Armênios ), bem como duas novas estátuas funerárias de Henrique II e Catarina de Médicis , representadas neste tempo em decúbito dorsal ( Saint-Denis ). A Virgem da Piedade , última criação do conjunto, toma emprestado da iconografia cenas de depoimentos da cruz ou de sepulturas , o véu caindo na frente do rosto e as mãos cruzadas no peito. No túmulo de René de Birague , construído por volta de 1583, Germain Pilon retoma a tradição medieval pintando o bronze do líder da oração enquanto faz o corpo do falecido desaparecer quase totalmente sob o casaco amplo com dobras profundas cuja longa cauda é hoje ' hui desapareceu. Nos últimos anos de sua vida, o relevo em bronze da Deposição de Cristo (hoje conservado no Louvre), foi inspirado na Deposição de Cristo executada por volta de 1544 por Jean Goujon (Louvre).
Maison Maillard em Dijon (1561).
Porte du Scrin (1580, antigo Parlamento da Borgonha em Dijon ).
Hotel Bénigne Le Compasseur (1573-1581, Dijon ).
Maison Maillard em Dijon (1561).
Hotel Fyot-de-Mimeure (1562).
A fachada do antigo Parlamento de Besançon (1585).
Gabinete ( XVI e s, Metropolitan Museum , Nova York ).
Hugues Sambin é uma figura artística característica do Renascimento pela variedade de seus centros de interesse e pela extensão de seus talentos. Ele exerceu uma influência duradoura no repertório ornamental de sua época.
Como muitos artistas de sua época, Hugues Sambin (1520-1601) reunia muitas qualidades: carpinteiro (este termo designa os artesãos que constroem móveis), escultor, engenheiro hidráulico, arquiteto, decorador e gravador.
Embora ele funciona em todo França , ele rapidamente se tornou no leste da França, principalmente em Dijon e Besançon , na segunda metade do XVI th século (onde ele ganhou o título de fi cial do arquiteto ). Ele então apareceu como uma das raras personalidades da região capaz de propor planos para a construção de fortificações ( Salins-les-Balins , Dijon ) ou projetos para vários sítios urbanos: foi-lhe atribuído em particular algumas casas em Dijon, incluindo o ' Hotel Fyot-de-Mimeure (1562), a casa Maillard (1561) ou o portão Scrin do antigo Parlamento da Borgonha (1580). Apesar destes compromissos, a artista consegue manter uma intensa actividade na confecção de móveis, vários exemplares dos quais ainda estão em exposição em museus. No entanto, temos relativamente poucos elementos sobre sua vida e um certo número de obras são atribuídas a ele sem serem autenticadas com certeza: um armário com duas portas nas Artes Decorativas de Paris e no Louvre (por volta de 1580), o Gauthiot d ' Mesa Ancier no Musée du Temps em Besançon e duas outras peças de mobiliário no Musée de la Renaissance em Écouen e no Metropolitan Museum de Nova York .
Nascido em Gray 1520, um pai carpinteiro , o Borgonha do Império ou Franche Comté , ele aprendeu desde cedo a arte da marcenaria e carpintaria , bem como arquitetura. Durante o ano de 1544, o artista trabalhou na equipa de carpinteiros do Château de Fontainebleau , sob a direcção da Primatice , e especialmente com o designer Sebastiano Serlio , que utilizou em particular a técnica italiana do " designo ".
É a partir desta experiência que o jovem companheiro talvez faça uma viagem à Itália , porque posteriormente apresentará um perfeito conhecimento da escultura e da arquitetura ultramontana .
Receita em Dijon em 1547 , ele se casou com a filha de Jean Boudrillet, mestre carpinteiro , ele leva alguns anos depois, em 1564 , a direção prática da oficina após ter sido recebido mestre carpinteiro entretanto em 1548 . Ele também será jurado da corporação em várias ocasiões. Na época, a atividade mais próspera da oficina de Boudrillet continuava sendo a fabricação de móveis e armários que, sob a influência de Hugues Sambin, seriam concebidos de acordo com os códigos gráficos do " designo " como uma verdadeira "enciclopédia da arquitetura" de está na hora. Reconhecido, o artista tornou-se um dos líderes na arte dos móveis da Borgonha , especialmente ativo para patrocinadores ricos da Borgonha e Franche-Comté . Assim, em 1550, a cidade de Dijon encomendou três estátuas dele para a entrada triunfal do duque de Aumale .
Continuando a sua actividade como escultor, concluiu pouco antes de 1560, a realização de uma obra sobre o Juízo Final , destinada a adornar o pórtico central da igreja de Saint-Michel em Dijon , tornando-se posteriormente, em 1564 , superintendente e maestro das obras realizadas para a recepção do rei Carlos IX em Dijon.
Apesar de tudo, parece que a morte do sogro em 1565 fez com que perdesse o controlo técnico da carpintaria: Maistre Sambin diversificou então a sua actividade a nível individual, provavelmente afastando-se da oficina de Boudrillet, onde irá só funcionam ocasionalmente. A partir de agora, cada vez com mais frequência longe de Dijon , passa a trabalhar regularmente como particular como "designer, ornamentalista, engenheiro, arquiteto".
Em Lyon, em 1572, publicou uma importante coleção composta por 36 placas gravadas, intitulada "Obra da diversidade de termos usados na arquitetura" , que, mostrando uma imaginação desenfreada, ainda representa uma obra hoje. Notável classificação das ordens arquitetônicas seguindo o antigo modelo . Suas atividades o levaram por alguns anos à Holanda espanhola , sendo então contratado como escultor e carpinteiro pelo governador de Luxemburgo . É assim que sua influência afetará não apenas pintores da Borgonha e Lorena , até mesmo do sul da Alemanha , mas também arquitetos e decoradores, como Joseph Boillot ou Wendel Dietterlin .
Em 1571 , o artista parece regressar momentaneamente à França-Comté e depois à Borgonha, onde receberá o título de arquitecto da cidade de Dijon . Em 1581 , os governadores de Besançon encomendaram-lhe a fachada do pátio do antigo parlamento de Besançon (atual tribunal ), cujas tarefas supervisionou entre 1582 e 1587, ao mesmo tempo que executava os planos para o telhado imperial da torre cruzada de a igreja colegiada de Notre-Dame de Beaune , construída entre 1580 e 1588.
Podemos concluir que Hugues Sambin permanecerá fortemente influenciado, ao longo de sua carreira, por sua passagem pelo time do Fontainebleau . O sistema ornamental desenvolvido por Rosso e Primaticcio incluindo a galeria de Francois I st , literalmente explode em toda a sua obra. Para sempre marcada por esta curta estada em Bellifont , suas raízes borgonhesas permanecem, no entanto, expressas em sua predileção por certos ornamentos regionais como o famoso "repolho da Borgonha" ou o uso de rolos de hera em vez dos tradicionais motivos de acanto .
Enquanto isso, termos (elementos arquitetônicos esculpidos, composto de um busto humano terminando bainha ) desenhado e esculpido por Hugues Sambin são muito populares na França na segunda metade do XVI th século, particularmente no mobiliário escala Lyons , que desde então decorativo muito semelhante ponto de vista, móveis bourguignon : um verdadeiro "Estilo Sambin" nasceu assim, marcando a segunda metade XVI th século.
É por meio do confronto com seu acervo que o artista recebe não apenas qualquer peça de mobiliário que combine termos com o acúmulo de motivos ornamentais, mas também, por extensão, qualquer arquitetura com decoração exuberante. No entanto, ainda há o suficiente grande dificuldade em provar os comandos ou obras de Hugues Sambin e estúdio, porque eles foram imitados ou copiado descaradamente incluindo o XIX th século sob o nome de "II Estilo Henry ".
Caixa com cenas do Antigo Testamento de Pierre Courteys (1550-1560, Louvre ).
Manna Harvest Cup de Pierre Courteys (c. 1550, Varsóvia ).
A Festa de Balthasar, de Pierre Reymond (por volta de 1550-1575, Louvre ).
Planalto de esgoto com Moisés e Jetro por Pierre Reymond ( Lyon ).
A Ressurreição de Léonard Limosin (1553, Louvre ).
Alexandre mandou colocar a Ilíada de Homero em um baú muito precioso por Jean Pénicaud III (final do século 16, Saint-Louis ).
Josué , um dos nove valentes de Colin Nouailher (c. 1550, Louvre ).
O mês de setembro por Pierre Reymond (1562, Lyon ).
Placa de esmalte da escola de Pierre Courteys (por volta de 1580, Museu de Arte de Saint Louis ).
Apelidado opus Lemovicense , o trabalho de Limoges em Latina , a técnica de esmalte sobre cobre tinha feito a fortuna desta cidade ao XII th e XIII th séculos, com seus esmaltes famosos champlevé , pseudo-champlevé ou cloisonné . Depois de ter sido um grande sucesso na Europa Ocidental, a cidade foi duramente atingida pela Guerra dos Cem Anos antes de ser saqueada pelos exércitos de Eduardo de Woodstock em setembro de 1370. A produção parecia ter cessado por mais de um século antes de reaparecer no último trimestre da XV th século, mas de acordo com uma técnica diferente, esmaltes são agora pintadas em placas de cobre. Sem que são conhecidas as circunstâncias de seu renascimento ou possíveis ligações com experiências na XV th século na França , na Flandres ou Itália , a técnica aparece imediatamente perfeitamente controlada. Os esmaltes pintados tornaram-se, como em sua época os esmaltes champlevé , o monopólio das oficinas Limousin . Esmalte pintado torna-se o XVI th século, quase especialidade exclusiva de esmalte de Limoges . Com efeito, são os únicos que aproveitaram a técnica do esmalte pintado para fazer das suas criações os suportes das representações figurativas.
Se o esmalte, que não é resistente a choques, é adequado para objetos devocionais, dificilmente é adequado para louças utilitárias: jarras , xícaras e pratos cobertos são, portanto, objetos cerimoniais, destinados a serem exibidos e expostos., Como talheres ou faiança italiana , a riqueza, requinte e cultura de seu dono.
Os anos 1530-1540 são marcados por muitas mudanças e representam uma verdadeira época de ouro. O verso das placas agora está coberto com um esmalte transparente de volta. Na continuidade do estilo Luís XII , os esmaltadores perpetuaram a produção de objetos religiosos, mas também começaram a criar baixelas: xícaras, saleiros e também objetos de uso pessoal, como caixas.
O cinza torna-se um meio privilegiado de expressão e aparecem temas profanos ou mitológicos . Por fim, o estilo renascentista , conhecido pelas gravuras que inspiram as composições, agora é adotado.
O estudo das peças, por vezes assinadas, monogramadas ou marcadas com marcas , e as menções encontradas nos arquivos do Limousin , permitem-nos identificar as principais personalidades artísticas: Les Pénicaud, Colin Nouailher, Pierre Reymond ou Pierre Courteys . No entanto, as confusões permanecem devido aos homônimos frequentes: As iniciais IC também poderiam abranger várias Jean Court dit Vergier. O papel dos funcionários e a produção de oficinas secundárias permanece relativamente mal documentado.
O esmaltador mais conhecido é Léonard Limosin , pela diversidade e qualidade da sua produção, em particular pelos seus retratos notáveis. Introduzido pelo Bispo de Limoges Jean de Langeac na corte da França por volta de 1535, ele trabalhou por François I st e Henry II , e por grandes personagens como o Constable Montmorency . Em sua imitação, o gosto pelo esmalte atinge uma clientela aristocrática
Em meados do século E XVI , o esmalte de Limoges converte-se em um dos primeiros recursos de riqueza da cidade e suas produções apreciadas em toda a Europa . Assim, um serviço, composto por uma jarra , uma bandeja e várias xícaras, feito para a família Tucher de Nuremberg, foi enviado a Limoges entre 1558 e 1562 para ser esmaltado na oficina de Pierre Reymond , antes de ser montado pelo ourives Wenzel Jamnitzer .
Desde o reinado de Henrique II , houve uma evolução real com produções com formas arquitetônicas marcadas, na maioria das vezes adornadas com incrustações de mármore e placas em tons de bronze. Este período também marca o surgimento de novos móveis como caquetoire (ou caqueteuse), a cadeira de braço , a cadeira vertugadin o assento de pinça (também disse Savonarola , ou faudesteuil ) eo retorno da base do assento dobrável em X, surgiu a partir do VII th século ( trono de bronze do Rei Dagobert ).
Estas criações da Renascença imitou a partir do meio do XIX ° século sob o nome de estilo Henry II , que hoje o mobiliário autêntico se tornaram extremamente raros e são restaurada e modificada.
Cama da câmara chamado "The Queen" (meados XVI th século Castelo de Blois ).
Cama de taboa (cópia de 1840, Château d'Azay-le-Rideau ).
A presidência (por volta de 1530, Château d'Ecouen ).
Seguro disse de Catherine de Medici (terceiro trimestre do XVI th século castelo Ecouen ).
Baú de casamento com os braços das famílias Bertholon e Bellièvre (1512, Musée des Beaux-Arts de Lyon ).
Dressoir de Joinville (1524, Château d'Ecouen ).
Buffet com dois corpos (final XVI th século castelo Ecouen ).
Buffet com dois corpos (por volta de 1560/1570, Musée des Beaux-Arts de Lyon ).
Wardrobe dois corpos para divindades (final XVI th século, Museu de Belas Artes de Lyon ).
Gabinete de Hugues Sambin (cerca de 1580, Baltimore ).
Cadeira do braço (meio XVI th século, Museu de Arte Aplicada de Colónia ).
Tabela "fã" (terceiro trimestre do XVI th século castelo Ecouen ).
Tabela "fã" (terceiro trimestre do XVI th século castelo Ecouen ).
Tabela "fã" (terceiro trimestre do XVI th século, Metropolitan Museum of Art ).
Gabinete em Marrocos (primeiro trimestre do XVII º século castelo Ecouen ).
Cadeira Farthingen (c. 1575–1600, Museu Metropolitano de Arte ).
Encosto da cadeira de Farthingale (c. 1575–1600, MET ).
Cadeira Farthingen (c. 1575–1600, Baltimore ).