O Ciclo de Maria de Médicis é uma série de vinte e quatro pinturas de Pierre Paul Rubens encomendadas em 1621 pela Rainha Maria de Médici , viúva de Henrique IV , para o Palácio de Luxemburgo em Paris. Rubens deveria terminar essas pinturas em 2 anos , a fim de concluí-las para o casamento da filha de Marie de Medici, Henriette Marie . Vinte e uma pinturas representam as glórias e lutas de Maria, as três pinturas restantes sendo retratos dela e de seus pais. Desde 1816, essas pinturas estão em exibição no Louvre de Paris (Ala Richelieu - 2 º andar - Sala 801 - Galeria Rubens Medici).
Especula-se muito sobre as circunstâncias exatas que levaram Maria de Medici a convocar Rubens para pintar "um projeto tão grandioso, concebido em proporções verdadeiramente heróicas". O historiador de arte John Coolidge sugere que este projeto rivalizou com uma série de doze tapeçarias sobre a história de Constantino que Rubens fez em seu estúdio durante o mesmo período. Também foi sugerido que, a pedido de Luís XIII , filho de Maria de Médici e sucessor ao trono, Rubens preparou uma série de esboços a óleo, que podem ter influenciado a escolha da rainha quando ela queria que esta série de pinturas fosse produzida no final de 1621.
Na verdade, parece que a razão mais óbvia para a escolha de Rubens por Marie de Medici foi que ela precisava encontrar um pintor capaz de imortalizar sua vida. No entanto, não apenas Rubens já havia se estabelecido como um pintor excepcional, mas também tinha ligações estreitas com várias personalidades importantes da época, incluindo a irmã de Maria de Médici, Éléonore , esposa de um dos primeiros clientes importantes de Rubens, o Duque de Gonzaga. .
Maria de Médici tornou-se a segunda esposa do rei Henrique IV em um casamento por procuração celebrado em 5 de outubro de 1600, sob a autoridade de seu tio, o grão-duque Fernando da Toscana . Quando Henrique IV foi assassinado em 1610, seu filho e sucessor, Luís XIII , tinha apenas oito anos. Foi, portanto, sua mãe, Maria de Médicis, que se tornou regente de acordo com as leis sálicas até 1617, quando Luís tinha mais de treze anos, idade em que deveria ter oficialmente se tornado rei. Em 1617, aos quinze anos, Luís XIII finalmente decidiu assumir o reino e a rainha foi exilada em Blois .
Louis e sua mãe não se reconciliaram por seis anos, mas, finalmente, em 1621, Marie de Medici foi autorizada a retornar a Paris. Ao regressar, Marie dedicou-se à construção e decoração do Palácio do Luxemburgo , grande empreendimento em que Rubens desempenhou um papel fundamental. Rubens, que era um pintor na corte de Mantua Ducado sob o governo de Vincent I st de Mântua, Duque de Gonzaga , conheceu Marie de Medici, pela primeira vez em seu casamento em Florença, em 1600. No ano seguinte, ela escolhe Rubens para pintar duas grandes séries de pinturas representando sua vida e a de seu falecido marido, Henrique IV, destinadas a adornar as duas alas do primeiro andar do Palácio de Luxemburgo.
Embora as 21 pinturas que retratam de forma bastante alegórica a vida de Maria de Médicis tenham sido concluídas em 1624, a série de pinturas dedicadas à vida de Henrique IV nunca foi concluída, embora alguns esboços preliminares tenham sobrevivido (ver o ciclo de Henrique IV , abaixo ) A incompletude da série de pinturas de Henrique IV está parcialmente ligada a Marie de Médicis, que foi definitivamente banida da França por seu filho em 1631 e que se refugiou em Bruxelas antes de morrer no exílio em 1642 na mesma casa que a família de Rubens. ocupada há cinquenta anos.
Embora a realização desta série de pinturas tenha sido a primeira grande encomenda de Rubens, também foi um grande desafio para o artista que faria 21 pinturas de uma mulher cuja vida se resumiu ao seu casamento com Henrique IV e ao nascimento de seis filhos, um dos quais morreu na infância. Nessa época, as mulheres geralmente não recebiam homenagens tão brilhantes, embora Rubens fosse perfeitamente adequado para o trabalho, dado o grande respeito que tinha pelas "virtudes do sexo oposto", como demonstrado pelo obras que ele produziu para Isabelle da Áustria . Além disso, ao contrário de seu marido, a vida de Maria de Medici não foi pontuada por vitórias triunfantes, mas sim por seu envolvimento em escândalos políticos que proibiram Rubens de fazer um retrato abertamente literal dos acontecimentos na vida do soberano para não incorrer no desaprovação do governo.
Longe de desanimar, Rubens demonstrou seu impressionante conhecimento da literatura clássica e das tradições artísticas, usando representações alegóricas destinadas a glorificar os aspectos mundanos da vida de Maria de Médicis e ilustrar os eventos menos favoráveis de sua existência. No XVI th e XVII ª séculos, o uso da iconografia cristã, bem como a do panteão grego e romano, era de fato um dispositivo comumente usado por artistas. Assim, Rubens pintou imagens extravagantes da Rainha Mãe cercada por deuses antigos e às vezes até divinizada, a ambigüidade dos personagens sendo principalmente usada para apresentar Maria de Médicis em sua melhor luz.
As realizações de Rubens inspiraram outros artistas, notadamente os pintores franceses Jean-Antoine Watteau (1684-1721) e François Boucher (1703-1770) que fizeram cópias do ciclo de Maria de Medici.
Inicialmente, as pinturas foram penduradas no sentido horário em ordem cronológica nas paredes da sala de espera adjacente aos aposentos reais de Maria de Médicis no Palácio de Luxemburgo . Eles agora estão dispostos da mesma maneira no Louvre. As pinturas que refletem a vida de Maria de Médicis estão divididas em três capítulos: sua infância, sua vida como rainha casada e sua regência quando era viúva. Todas as pinturas têm a mesma altura, mas variam em largura para se adequar à forma da sala em que deveriam ser exibidas. As dezesseis pinturas que cobriam as longas paredes da galeria têm cerca de quatro metros de altura por três de largura, as três grandes pinturas colocadas no final da sala têm quatro metros de altura por sete de largura.
Originalmente, o espectador entrava na galeria pelo canto sudeste e as pinturas mais visíveis desse ponto de vista eram A Coroação de Saint-Denis e A Morte de Henrique IV e a Proclamação da Regência . O ciclo começou na parede de entrada com a representação dos anos de infância de Maria de Médici e seu casamento com Henrique IV. Quatro pinturas são dedicadas ao casamento, talvez porque fosse raro na época tal união ser celebrada com uma mulher relativamente velha, Maria de Médici, então com 27 anos. A galeria termina com uma representação da coroação de Maria. A parede em frente à entrada da galeria ilustra o assassinato de Henrique IV e a proclamação da regência de Maria, a Viúva. A segunda metade do ciclo de Rubens trata dos temas mais polêmicos do reinado de Maria, por exemplo, a altercação e a reconciliação com seu filho Luís XIII .
O preço do Ciclo de Maria de Médicis era de cerca de 24.000 florins pelos 292 metros quadrados, ou cerca de 82 florins (ou 1.200 euros) por metro quadrado.
A primeira pintura do ciclo, chamada The Fates girando o destino de Marie de Medici (ou às vezes apenas O destino de Marie de Medici ), é uma composição dos Fates nas nuvens sob as figuras celestes de Juno e Júpiter .
As Fadas são representadas como deusas lindas e nuas, girando o destino de Maria de Médicis. Sua presença aos pés de Maria simboliza sua prosperidade e seus sucessos, que são retratados nas seguintes pinturas do Ciclo. Na mitologia grega e romana, um dos destinos tece o fio do destino, outro mede seu comprimento e o terceiro corta o fio. Por outro lado, na representação de Rubens, as tesouras estão ausentes como se para enfatizar o caráter privilegiado e imortal da vida da rainha.
As primeiras interpretações da pintura explicaram a presença de Juno na cena como a deusa do parto, mas mais tarde se acreditou que Rubens havia pintado essa figura mítica para representar o alter ego de Maria de Médicis. Júpiter é uma alegoria de Henrique IV, o marido alegre.
A segunda pintura do Ciclo, O Nascimento da Rainha , representa o nascimento de Maria de Medici em 26 de abril de 1573.
Os símbolos e alegorias aparecem na tela. À esquerda, dois putti brincam com um escudo no qual aparece o símbolo da cidade de Florença, um lírio vermelho (chamado Giglio Rosso em italiano), sugerindo que o céu teria favorecido o jovem Medici desde o momento de seu nascimento. O deus dos rios no canto inferior direito é provavelmente uma alusão ao rio Arno que atravessa Florença, o local de nascimento de Maria. A cornucópia acima da cabeça do bebê pode ser interpretada como um prenúncio da futura glória e fortuna de Maria de Médici, com o leão simbolizando poder e força.
O halo brilhante acima da cabeça da infanta não deve ser tomado como uma referência ao imaginário cristão, mas sim como uma representação da iconografia imperial que usa o halo como um símbolo da natureza divina da rainha e seu futuro reinado. Enquanto Maria de Medici nasceu sob o signo de Touro , é um Sagitário que aparece na tela, representando o guardião do poder imperial. No entanto, pode ser que seja o seu signo ascendente representado por Sagitário.
A Instrução da Rainha , também conhecida como Educação da Rainha , produzida entre 1622 e 1625, mostra Maria de Médicis como uma estudante.
Sua educação foi dada a ela pela graça divina na presença de três deuses, o deus Apolo associado à arte, a deusa Atenas da sabedoria e Hermes , o deus mensageiro. Alguns autores acreditam que os instrutores de Maria de Médicis seriam na verdade Minerva , deusa das Artes e das Ciências, com a ajuda de Mercúrio , deus da Eloquência descido do céu, e Orfeu , poeta e músico, símbolo de uma boa pedagogia moral útil para o futuro soberano.
Hermes entra dramaticamente no palco e literalmente traz um presente dos deuses, o caduceu . É geralmente aceito que Hermes traz para a princesa o dom da eloqüência, para acompanhar o dom divino da beleza. No entanto, o caduceu, visto em outras seis telas do Ciclo, também está associado à paz e à harmonia. Parece, portanto, anunciar o reinado pacífico de Maria de Médicis.
Os esforços combinados desses professores divinos representam a preparação idílica de Maria de Médicis para as responsabilidades que terá no futuro, as provações e tribulações que enfrentará como Rainha. Também é sugerido que os três deuses ofereceriam sua orientação como um presente que permite à alma ser "liberada pela razão" e adquirir o conhecimento do que é bom, revelando a conexão divina entre os deuses e a futura rainha. A pintura representa uma visão barroca e embelezada das relações espirituais e terrenas, que são ilustradas em um ambiente teatral. Também estão presentes nesta obra as três Graças , Euphrosyne , Thalie e Aglaé que personificam a vida em toda a sua plenitude, e mais especificamente a sedução, a beleza, a natureza, a criatividade humana.
Cronologicamente, a tabela seguinte é aquela denominada Henrique IV recebendo o retrato da rainha ou mesmo Henrique IV recebendo o retrato da rainha e se deixando desarmar pelo amor .
Para apreciar plenamente esta pintura e a coleção como um todo, deve-se lembrar que esta pintura foi feita no alvorecer da monarquia absoluta e, como tal, a realeza era considerada como estando acima da existência. Assim, desde o nascimento, Maria teria levado uma vida mais ornamental do que mortal.
Como Tamino em A flauta mágica , Henrique IV se apaixonou por uma imagem pintada. Com Cupido como acompanhante, Hyménée , deus do casamento, mostra uma pintura de Maria Médici para seu futuro rei e marido. Enquanto isso, Júpiter e Juno sentam-se nas nuvens olhando para Henry, dando ao espectador o exemplo de harmonia conjugal e mostrando assim sua aprovação ao casamento. A França é personificada na personagem usando um capacete localizado atrás de Henri e que parece compartilhar sua admiração pelo futuro soberano. Rubens tinha uma forma muito versátil de representar a França. Nesta pintura, a França assume o papel de uma mulher andrógina e de um homem ao mesmo tempo. Os gestos íntimos do personagem que personifica a França podem sugerir uma reaproximação entre Henrique IV e seu país. A forma como a personagem se veste revela seu aspecto feminino. No entanto, a metade inferior do personagem, e mais especificamente suas botas, é uma marca de masculinidade. Este personagem mostra que os deuses não são os únicos a aprovar o encontro, o rei também deseja os bons votos de seu povo.
Durante a negociação do casamento entre Marie de Médicis e Henri IV, eles trocaram um certo número de retratos. O rei ficou satisfeito com a aparência de sua noiva e, quando se encontraram, o rei ficou ainda mais impressionado do que com seus retratos. Essa união foi amplamente aprovada, em particular pelo Papa e muitos nobres florentinos poderosos que defenderam esse casamento e trabalharam para convencer o rei das vantagens de tal união. O casal se casou por procuração em 5 de outubro de 1600.
Em O casamento da rainha ou A recepção do anel , também conhecido como O casamento por procuração de Maria de Médici e Henrique IV , Rubens descreve a cerimônia de casamento da princesa florentina Maria de Médici com o rei da França Henrique IV, realizada em Florença Catedral em 5 de outubro de 1600.
Cardeal Pietro Aldobrandini presidiu a cerimônia, mas como Henry estava ocupado demais para comparecer ao seu próprio casamento, tio da noiva, o Grão-Duque da Toscana, Ferdinand I primeiro tomou seu lugar e foi ele que, sobre a mesa, desliza um anel em o dedo de sua sobrinha.
Todos os personagens ao redor são identificáveis, incluindo o próprio Rubens. Embora estivesse presente no evento vinte anos antes, como membro da família Gonzaga em suas viagens pela Itália, Rubens parece jovem e fica atrás da noiva, segurando uma cruz. É altamente improvável que Rubens ocupasse um lugar de destaque no próprio casamento. As outras personalidades presentes na cerimônia são Christine de Lorraine, Grã-Duquesa da Toscana , Éléonore, Duquesa de Mântua, irmã de Marie e, em torno do Grão-Duque podemos distinguir Roger de Bellegarde , o Grande Escudeiro da França , e o Marquês de Sillery que conclui o casamento.
Como em outras cenas do Ciclo Medici, Rubens incluiu elementos mitológicos: o deus do casamento, Himeneu usando uma coroa de rosas, segura a cauda da noiva em uma das mãos e a tocha de casamento na outra. A cena se passa em frente a uma estátua de mármore de Deus Pai lamentando o cadáver de Cristo, aludindo à Pietà , a escultura de Baccio Bandinelli (1493-1560).
Rubens pintou O Desembarque da Rainha em Marselha para ilustrar a chegada de Marie de Médicis à cidade Phocaean após seu casamento com Henrique IV em Florença .
Rubens conseguiu nesta pintura transformar algo comum em um evento magnífico e sem precedentes. Maria de Médici estava acompanhada pela grã-duquesa da Toscana e por sua irmã, a duquesa de Mântua . Eles são recebidos de braços abertos por um personagem que simboliza a França, como evidenciado pela flor-de-lis em ouro em sua capa azul royal. Marie de Médicis é cercada por sua irmã e sua tia enquanto a Fama toca duas trombetas para recebê-las. No barco que traz Marie de Médicis, Netuno , o deus dos mares, emerge das águas depois de a ter acompanhado durante toda a viagem para garantir a sua chegada em segurança a Marselha.
“Ele [Rubens] cercou [Marie de Medici] com tantos acessórios que a cada momento ela quase ficava em segundo plano. Considere, por exemplo, The Landing in Marseille , onde todos têm olhos apenas para náiades voluptuosas, em detrimento da rainha que é recebida de braços abertos pela França. "
A pintura intitulada A Chegada da Rainha em Lyon , ou O Encontro do Rei e da Rainha, o9 de dezembro de 1600, descreve o primeiro encontro entre Marie de Médicis e Henri IV que ocorre logo após seu casamento por procuração . Um esboço está no Museu Hermitage .
A metade superior da pintura representa Maria de Médicis e Henrique IV como os deuses romanos Juno e Júpiter , acompanhados por seus atributos tradicionais. Maria é personificada por Juno, equivalente a Hera na mitologia grega e caracterizada pelos pavões e pela carruagem. Henry é representado na forma de Júpiter equivalente a Zeus na mitologia grega, com seus símbolos, a águia e o raio em sua mão. Ambos apertam a mão direita, um sinal tradicional de união conjugal. Eles estão vestidos em um estilo clássico que se adapta naturalmente à cena. Acima deles está Himeneu , o deus do casamento, que os une. Um arco-íris se estende do canto esquerdo, um símbolo de concórdia e paz.
A metade inferior da pintura é dominada pela imagem de leões (trocadilho com o nome da cidade de Lyon ). Da esquerda para a direita, vemos uma paisagem urbana dominada por uma única colina. Os leões puxam a carruagem que é a figura alegórica da própria cidade de Lyon com o topo de suas muralhas. Rubens teve que ser muito cuidadoso ao retratar o primeiro encontro do casal, já que Henrique IV estava supostamente muito envolvido em seu relacionamento com sua amante na época do casamento. Na verdade, devido a outros compromissos do rei, a reunião teve de ser adiada e Maria de Medici teve que esperar até meia-noite por quase uma semana antes que Henrique finalmente se juntasse à esposa. Ao apresentá-lo como Júpiter, Rubens apresenta a promiscuidade do homem com o divino e, ao mesmo tempo, ao colocar o rei e a rainha juntos, ilustra bem o status superior do casal.
Esta pintura representa o nascimento do delfim, primeiro filho de Maria de Médicis e futuro Luís XIII , em Fontainebleau , 27 de setembro de 1601.
Rubens desenhou o palco em torno do tema da paz política. O nascimento do primeiro herdeiro masculino traz uma sensação de segurança à família real, pois, naquela época, ter um herdeiro era de extrema importância, principalmente se Henrique IV quisesse mostrar sua virilidade e acabar com as dúvidas sobre a capacidade do Rei para dar um filho ao seu reino.
As maneiras leves de Henrique IV dificultaram a vinda de um herdeiro legítimo e, de acordo com alguns rumores, os artistas da corte foram solicitados a remediar essa imagem para convencer o país de que o rei não tinha problemas para ter um filho. Um dos meios empregados foi personificar Maria de Médicis em Juno ou Minerva , o que fez de Henrique IV a encarnação de Júpiter (sendo este último irmão e marido de Juno), o rei foi visto como domesticado pelo casamento, embora pudesse se beneficiar de a destreza militar associada ao simbolismo da deusa Minerva.
Rubens incluiu um cachorro em sua pintura, sugerindo assim fidelidade no casamento. Além da ideia de paz política, ele também incorporou em sua obra uma representação da Justiça, na pessoa da deusa Astrea cujo retorno à terra é o símbolo da encarnação da Justiça que se perpetua com o nascimento. Rei. Luís é alimentado por Thémis , deusa da ordem divina, em referência ao direito de primogenitura de Luís XIII de se tornar rei um dia. A criança está perto de uma cobra que é o símbolo da saúde . Rubens também incorporou uma cornucópia, uma alegoria tradicional da prosperidade, na qual vemos as cabeças dos filhos ainda não nascidos de Maria de Médici entre os frutos. Enquanto Maria olha com adoração para seu filho, a deusa da fertilidade segura a cornucópia em seus braços, um símbolo da família generosa e realizada.
A próxima tabela do Ciclo é intitulada Os Preparativos do Rei para a Guerra Alemã ou A Rendição da Regência à Rainha, 20 de março de 1610 .
Em suas descrições da vida de Maria de Médicis, Rubens deveria ter cuidado para não ofender Maria ou o rei Luís XIII ao descrever eventos controversos. Ele, portanto, teve que ser diplomático e, mais de uma vez, teve que refrear sua licença artística para representar Maria de Médicis em sua melhor luz. Em A rendição da Regência à Rainha , Henrique IV confia a Maria de Médici tanto a regência da França quanto os cuidados do Delfim, o futuro Luís XIII , antes de partir para a campanha, com o risco sempre de guerra de não voltar vivo.
No estilo da pintura arquitetônica italiana, Rubens retratou a deusa romana da Sabedoria e Prudência, Atenas , à direita de Maria de Médici, mas despojando-a de sua serpente icônica para obscurecer os rumores sobre a participação de Maria de Médici no assassinato do rei. Você também deve saber que Rubens pintou originalmente Três Destinos atrás do rei, um símbolo de seu destino, guerra e morte. Mas ele acabou sendo forçado a remover essas figuras míticas para substituí-las por três soldados.
Nesta pintura, também podemos notar a primeira aparição do globo como um símbolo da autoridade e do poder do Estado. Essa imagem particular parece ter certa importância nas obras produzidas por Rubens, pois aparece em seis das vinte e quatro pinturas do ciclo. O globo faz alusão ao orbis terrarum romano (o globo terrestre), que representava tanto o poder quanto o território do imperador romano, e aparece na pintura de Rubens como uma afirmação sutil do que a monarquia francesa representava. Reivindicou a coroa imperial. Embora Rubens certamente estivesse ciente do significado intrínseco deste globo que ele usou propositalmente, parece que Maria de Medici e seus conselheiros o viram acima de tudo como um meio de adicionar majestade alegórica e política aos eventos que cercaram sua regência.
A Coroação da Rainha na Abadia de Saint-Denis é uma das pinturas do Ciclo que não contém qualquer personagem mitológico. Primeira grande pintura localizada no fundo da galeria, é uma das duas obras mais visíveis ao entrar na galeria. Rubens fez esta pintura em tons de vermelho para que seja visível de longe, por exemplo para as vestes dos dois cardeais à direita. Esta técnica é bastante semelhante à usada em outra pintura, A Apoteose de Henrique IV e a proclamação da regência da rainha .
Esta obra representa um acontecimento histórico na vida de Maria de Médicis durante a qual, em 13 de maio de 1610, a rainha foi coroada na basílica de Saint-Denis .
Considerada uma das principais pinturas da série com A apoteose de Henrique IV e a proclamação da regência da rainha , essas duas cenas mostram Maria de Médici recebendo a coroa real, o Globo do Estado. Ela é conduzida ao altar pelos cardeais Pierre de Gondi e François d'Escoubleau de Sourdis , com os senhores Maximilien de Béthune e Gilles de Courtenvaux de Souvré ao seu lado , a cerimônia presidida pelo cardeal de Joyeuse .
Na comitiva real também estão o Delfim , o príncipe de Conti com a coroa, o duque de Ventadour que carrega o cetro e o cavaleiro de Vendôme com a Mão da justiça . As damas de honra de Marie de Médicis, a princesa de Conti e a duquesa de Montpensier (mãe de Marie de Bourbon-Montpensier , futura esposa de Gaston de France , terceiro filho de Henri IV e Marie de Médicis), carregam o trem do manto real. Henri IV está localizado acima da plataforma, como se estivesse julgando o evento.
A multidão no fundo da basílica levanta as mãos para saudar a nova rainha, enquanto acima de Maria de Médici estão as personificações da Vitória e da Abundância derramando sobre a cabeça da rainha as bênçãos da paz e da prosperidade. Além disso, enquanto os cães de Marie de Medici são colocados no primeiro plano da pintura, seu marido Henri IV não está no grupo central, mas é colocado na varanda ao fundo.
A apoteose de Henrique IV e a proclamação da regência da rainha ou a morte de Henrique IV e a proclamação da regência faziam inicialmente parte de uma série de três pinturas que Rubens havia produzido para o Ciclo de Maria dos Médicis. Os outros dois, de tamanho idêntico, adornavam as salas do Palácio de Luxemburgo. Conhecemos dois esboços, na Alte Pinakothek e no Hermitage.
A pintura é dividida em duas cenas distintas, mas relacionadas: a elevação de Henrique IV ao céu (ele foi assassinado em 14 de maio de 1610, o que resultou na proclamação imediata de Maria como regente) e a ascensão de Maria de Médici à coroa .
À esquerda, Júpiter e Saturno dão as boas-vindas ao rei da França, assassinado no dia seguinte à coroação oficial da rainha em Saint-Denis. Ele é descrito como um imperador romano deificado subindo em direção ao Monte Olimpo , enquanto uma serpente simbolizando seu assassino morre no chão. Como em todas as pinturas alegóricas de Rubens, a escolha dessas duas figuras tem um significado simbólico. Júpiter é o equivalente celestial do rei, enquanto Saturno, que representa o tempo finito, representa o fim da existência mortal de Henrique IV. Ele é recebido no céu por Mercúrio e Hércules, cuja imagem foi recuperada pelos Bourbons.
O tema desenvolvido nesta pintura foi retomado por muitos grandes mestres que se inspiraram na personagem atormentada de Bellona , a deusa da guerra, que Rubens representou desarmada e que foi repetidamente copiada pelo pintor pós-impressionista , Paul Cézanne. (1839- 1906) ou mesmo Eugène Delacroix que o absorveu por sua Liberdade liderando o povo .
O lado direito da pintura mostra a ascensão ao poder da nova rainha que está vestida com roupas escuras, um símbolo de sua condição de viúva. É emoldurado por um arco triunfal e rodeado pelo povo da Corte, bem como pela personificação da França que lhe oferece o globo real. A Rainha aceita o Orbe , o símbolo do governo, enquanto o público se ajoelha diante dela, o que é, sem dúvida, um exagero da realidade dos fatos. Rubens insiste na ideia de que a Regência teria sido oferecida à rainha, ao passo que foi ela quem a reivindicou no mesmo dia em que o marido foi assassinado.
Parece que para a realização desta parte certa da pintura Rubens poderia ter se inspirado na obra de Caravaggio , A Madona do Rosário . Na verdade, em ambas as pinturas, encontramos pilares sob um dossel , tecidos exuberantes, figuras com os braços estendidos, mas também objetos como um leme, um globo ou rosários. Além disso, as duas pinturas contêm personagens alegóricos: Minerva , Prudência , Divina Providência e França em Rubens, São Domingos , São Pedro o mártir e dois monges dominicanos em Le Caravaggio.
O Conselho dos Deuses , também chamado de Le Concert des dieux para os casamentos recíprocos da França e Espanha ou anteriormente O Governo da Rainha , é uma pintura que comemora a tomada do poder por Maria de Médici como a nova regente, e seu desejo de promover paz na Europa através de casamentos entre as casas reais.
Esta pintura representa a conduta da rainha e o grande cuidado com que ela governou seu reino durante sua regência, incluindo a forma como ela superou as revoltas e turbulências políticas do estado, em continuidade com os ideais de seu falecido marido, Henrique IV .
À esquerda, Júpiter e Juno , deusa do casamento, representam o amor e a paz na Europa por meio da aliança da França e da Espanha , simbolizada por dois pares de pombas colocadas no globo terrestre e ligadas entre si. Na verdade, Maria de Medici esperava que seu filho, Luís XIII , se casasse com a infanta da Espanha Ana da Áustria e que sua filha Isabel se casasse com o futuro rei da Espanha, Filipe IV , a fim de selar a aliança entre a França e a Espanha, que foi um dos principais objetivos do reinado de Marie de Medici.
Além disso, a pintura contém uma grande variedade de personagens mitológicos, em particular deuses do Olimpo como, na frente e no chão, Apolo e Minerva perseguindo os Vícios (ódio, fúria e inveja) e, acima, Netuno , Plutão , Saturno , Hermes e seu caduceu , Pan , Flore , Hebe , Vênus que detém Marte, o deus da guerra que quer ajudar as Fúrias , Zeus , Hera , Cupido e Diana com seu feixe de flechas.
A captura de Juliers , no final da qual a cidade de Juliers, na Alemanha, foi devolvida aos príncipes alemães protestantes em1 r setembro 1610. Sendo esta cidade um ponto de passagem para cruzar o Ruhr , era de importância estratégica para a França.
Rubens representou essa vitória francesa por meio de uma cena rica em símbolos que sugerem a grandiosidade desse glorioso evento e lhe conferem mais brilho do que realmente teve.
A rainha, de elmo e com o bastão de chefe na mão, é coroada com folhas de louro pela Vitória , vitória que também é simbolizada pela presença, ao fundo, de uma águia imperial que espanta os pássaros mais fracos. À direita, no céu, um personagem que encarna a Fama anunciando essa conquista usando seu trompete.
A rainha vem acompanhada por uma personagem feminina que se poderia acreditar ser a imagem da Força , pela presença de um leão ao seu lado, mas que na verdade é a encarnação da Generosidade ou da Magnanimidade , revelada pelos objetos preciosos ela segura na palma da mão, incluindo um precioso colar de pérolas pertencente à Rainha. A figura segue exatamente a descrição de Generosidade de Cesare Ripa .
Rubens joga no contraste entre, ao fundo, a rendição de Juliers pintada em tons escuros e, diante da cena, uma Maria de Medici adornada com um manto extravagante e montada em um garanhão branco para demonstrar isso, como o falecido rei Henrique IV, poderia triunfar sobre seus rivais em tempos de guerra.
Esta pintura, cujo nome completo é A Troca das Duas Princesas da França e da Espanha na Bidassoa em Hendaye, celebra o duplo casamento de Ana da Áustria , filha de Filipe III da Espanha (à direita) com Luís XIII , e da irmã de o delfim, Elisabete de Bourbon (à esquerda), com o futuro rei da Espanha, Filipe IV . O evento, que pretendia selar a paz entre França e Espanha, teve lugar no dia9 de novembro de 1615em Hendaye , em uma barcaça localizada entre as margens do rio Bidassoa , ao longo da fronteira franco-espanhola .
As figuras alegóricas da Espanha (à esquerda), reconhecíveis pelo leão que aparece em seu capacete, e da França (à direita), cuja capa traz a flor-de-lis , enquadram as duas jovens princesas que se abraçam com seus mãos diretamente unidas. Acima deles, à esquerda e à direita, dois putti brandem tochas enquanto Zephyr , a personificação do vento, sopra uma brisa quente de primavera e espalha rosas. No ar, no centro, um círculo de felizes putti gira, como borboletas, em torno de uma encarnação de Bliss com o caduceu e cuja cornucópia derrama ouro sobre futuras rainhas.
Na parte inferior da pintura, o rio Andaye está repleto de divindades marinhas que vieram homenagear as esposas: o deus do rio Andaye apoiado em um barril, uma Nereida coroada de pérolas oferece um colar de pérolas e coral como presente de casamento , enquanto 'um Tritão sopra uma concha para anunciar o evento.
Por fim, deve-se notar que Maria de Médicis está ausente desta mesa, ao contrário de todos os do Ciclo dedicado à sua história.
Esta pintura é particular no ciclo de Maria de Médicis na medida em que se distingue pela sua singularidade na execução. Enquanto as outras pinturas foram feitas no estúdio de Rubens em Antuérpia , La Félicité de la Régence foi desenhada e totalmente pintada por Rubens no local para substituir outra, muito mais polêmica, que retrata a expulsão de Maria de Médicis por seu filho em 1617, intitulado a retirada da rainha de Paris para Blois . Concluída em 1625, esta é a última pintura do ciclo produzida por Rubens.
Nesta obra, Maria de Médicis é representada alegoricamente como a personificação da Justiça . Ela é cercada por uma procissão de personagens ou deuses do panteão grego e romano, como Cupido , Minerva , Prudência , Abundância, Saturno e duas encarnações de Fama . Todos são representados com seus atributos tradicionais: Cupido com sua flecha, Prudência usa uma serpente enrolada em seu braço como um sinal de sabedoria, Abundância usa sua cornucópia, Minerva usa seu capacete e escudo, Saturno tem sua foice e o Fama carrega uma trombeta para anunciar o evento. Essas personificações são acompanhadas por sua vez por várias figuras alegóricas sob o disfarce de quatro putti e três criaturas malignas ( inveja , ignorância e vício ), bem como uma série de outros símbolos normalmente empregados por Rubens em todas as tabelas do Ciclo.
Embora esta pintura seja a mais simples da série, os historiadores às vezes discordam sobre seu significado. Em vez de considerar Maria encarnada como juiz, alguns afirmam que o verdadeiro tema da pintura é o "retorno à terra de Astrea , o princípio da justiça divina, na idade de ouro". Baseiam-se em notas de Rubens nas quais o pintor indica que “este tema não inclui nenhuma referência especial [...] ao reino francês”. Uma carta de Rubens para uma carta a Peiresc de13 de maio de 1625 parece colocar um fim a esta controvérsia, no entanto:
"Acredito ter escrito a vocês que foi retirada uma pintura que retratava a partida da rainha de Paris e que, em seu lugar, fiz uma completamente nova que mostra o fluxo do reino da França, com o renascimento do ciências e artes através da liberalidade e esplendor de Sua Majestade que se senta em um trono brilhante e segura uma balança em suas mãos, mantendo o mundo em equilíbrio através de sua prudência e justiça. "
Dada a rapidez com que Rubens produziu esta pintura, a falta de referência específica a uma época de ouro em sua carta e a existência de várias representações contemporâneas de Maria de Medici incorporando a Justiça, a maioria dos historiadores se contenta com uma interpretação alegórica mais conforme com o estilo de Rubens e o resto do Ciclo.
Embora se possa pensar que a pintura original mencionada na carta que descreve a partida de Maria de Paris foi rejeitada em favor de La Félicité de la Régence por causa do tema menos controverso desta última, Rubens afirmou na mesma carta:
“ Este assunto, que não afeta particularmente a razão de estado deste reino, não se aplica individualmente a ninguém; choveu muito, e acredito que, se eu tivesse confiança total, os outros assuntos teriam se saído melhor sem escândalo ou murmúrio. "
Esta pintura, intitulada A Maioria de Luís XIII ou a Rainha entrega os negócios ao rei , representa um acontecimento histórico: a entrega do poder de Maria de Medici a seu filho, o Rei Luís XIII , em 20 de outubro de 1614. De fato, depois a morte de seu marido Henrique IV em 14 de maio de 1610, Marie de Médicis foi regente durante a juventude de seu filho até que ela devolveu o governo a Louis, o novo rei da França.
No trabalho de Rubens, o navio representa o Estado com Luís XIII à frente e colocado em movimento por remadores que podem ser identificados pelo icônico escudo que está pendurado na lateral do navio: da esquerda para a direita, a Força , a Religião , Concórdia e Justiça . O barco é adornado com um dragão na proa e golfinhos na popa. Louis olha para sua mãe, que se inclina ligeiramente em direção ao governante, em busca de conselhos sobre como conduzir o navio estatal. Nas nuvens tumultuadas estão duas Fames , uma com um búzio romano e a outra com o que parece ser uma trombeta. O personagem que ajusta a vela parece ser Prudência ou Temperança . No centro, em frente ao mastro, um personagem representa a França, com uma chama em sua mão direita, um símbolo de firmeza, e o orbe do governo em sua mão esquerda, representando o globo do poder.
Esta pintura deve ser vista no contexto da relação tensa entre o jovem rei e sua mãe. De fato, algum tempo antes de sua coroação, Luís XIII e Maria de Médicis tiveram uma briga que levou ao exílio da rainha. Rubens, que não desconhecia, no entanto optou por ignorar esta disputa entre Maria e o filho, preferindo enfatizar a sua compostura no momento em que ela lhe transferiu o poder.
La Fuite de Blois , também chamada de A Rainha foge do Château de Blois na noite de 21 para 22 de fevereiro de 1619, é uma pintura que mostra Marie de Medici fugindo do Château de Blois para onde, após sua fuga de Paris, ela havia sido enviada por ordem de seu filho, o rei Luís XIII .
Nesta obra, Rubens retrata uma rainha digna que mostra compostura em tempos de angústia, enquanto uma multidão caótica de servos e soldados se aglomera ao seu redor. Marie de Medici é protegida por uma alegoria da França protegida por capacete e é escoltada até Angoulême por Minerve, que personifica sabedoria e coragem. No céu, acima dela, estão representadas a Noite e o Amanhecer que situam o evento no tempo.
Rubens retratou o evento dando-lhe uma natureza um tanto heróica em vez de retratar elementos exatos e realistas. Por exemplo, podemos notar que Maria de Médicis não expressa nenhum dos sofrimentos por que passou durante sua fuga. De acordo com documentos históricos relativos à fuga da Rainha, esta pintura não reflete o evento, pois Rubens omitiu uma série de aspectos negativos, sem dúvida temendo ir contra a Rainha. Assim, Maria de Médicis é retratada de maneira humilde enquanto a pintura revela seu poder sobre o exército. Na verdade, se as figuras masculinas em primeiro plano são desconhecidas, as de fundo são soldados cuja presença na pintura simboliza a crença que a Rainha tinha em seu poder de comando.
O Tratado de Angoulême , anteriormente denominado de Reconciliação de Maria de Médicis com seu filho em Angers , representa a tentativa de reconciliação entre a Rainha, refugiada em Angoulême , e seu filho Luís XIII que,30 de abril de 1619, apresenta-lhe propostas de arranjos para que ela aceite ter uma discussão para pôr fim ao confronto sobre os rumos do reino.
Maria de Médicis está sentada em um trono, com a Vigilância ao seu lado. Na frente dela, Mercúrio , o deus mensageiro desceu do Olimpo , entrega-lhe um ramo de oliveira em sinal de paz. A rainha é aconselhada por dois cardeais, François de La Rochefoucauld à direita e Louis de Nogaret de La Valette ou Cardeal de Guise à esquerda.
Rubens empregou vários métodos para trazer Maria de Médicis à luz, como a guardiã e sábia conselheira de seu filho. Sentada em um pedestal com esculturas de Minerva , simbolizando a sabedoria, e dois putti segurando uma coroa de louros para ilustrar a vitória e o martírio, Maria de Medici é retratada de maneira humilde, com um olhar que expressa sabedoria. A presença dos cardeais dá um lado verdadeiro à cena em oposição à desonestidade de Mercúrio que esconde um caduceu atrás da coxa. O contraste entre esses dois grupos de personagens visa destacar a lacuna entre as duas partes. Rubens também acrescentou um cachorro latindo, referência usada para indicar ou alertar sobre a chegada de um estranho mal intencionado.
No geral, esta pintura é a mais problemática e controversa, bem como a menos compreendida, de todo o Ciclo, pois mostra uma imagem de Maria de Medici reivindicando a autoridade real detida pelo Rei, ao mesmo tempo que ilustra o primeiro passo para a paz e reconciliação entre mãe e filho.
A Conclusão da Paz em Angers ilustra a trégua que Maria de Médicis foi forçada a assinar em 10 de agosto de 1620 depois que suas tropas foram derrotadas em Ponts-de-Cé .
Esta pintura representa a busca pela segurança de Maria de Médicis com o templo de formas arredondadas compreendendo uma placa acima do nicho no qual está inscrita em latim “Securitati Augustae” (“Pela segurança da Imperatriz”). Ao mesmo tempo, Rubens simbolizava ali o mal e a insegurança que rodeia Marie de Médicis, nomeadamente com um céu nublado e ameaçador. Ela própria é representada com a serpente do caduceu e é acompanhada ao templo da paz por Mercúrio , tantos símbolos que ilustram a sua vontade de não ser derrotada. Em primeiro plano, Paz, vestida de branco, queima as armas da Guerra, enfrentando Fraude, Ciúme e Fúria Cega, com uma citação do Gladiador Borghese .
Esta pintura, cujo nome completo é A Reconciliação Perfeita da Rainha e seu Filho, após a morte do Condestável de Luynes em 15 de dezembro de 1621 , era anteriormente chamada de L'Entrevue de Marie de Médicis et de son fils à Coussières, perto de Tours, 5 de setembro de 1619 , ou La Paix confirmado dans le Ciel .
Após o confronto militar entre Maria de Médicis e seu filho, Luís XIII , que terminou com a vitória deste último, Maria de Médicis foi forçada a negociar com seu filho por intermédio do Cardeal Richelieu . Foi assim que o rei da França e sua mãe se reconciliaram novamente, assinando o Tratado de Angers em agosto de 1620. Posteriormente, a morte do Condestável de Luynes , favorito de Luís XIII e fervoroso adversário de Maria de Médici, facilitou a reaproximação e a reconciliação do rei e sua mãe.
Nesta pintura, Luís XIII é retratado como um adulto e é retratado na forma de Apolo . A morte da hidra , que simboliza o condestável de Luynes, não está nas mãos de Apolo como se poderia esperar, mas é o fato de uma amazona que encarna a Providência. Encontramo-nos assim com uma entidade que, sem a ajuda de Luís XIII, mata a adversária de Maria de Médicis que se apresenta como uma mãe amorosa, disposta a perdoar todos os males e dores sofridos.
A última pintura do ciclo, O Triunfo da Verdade ou A União Perfeita e Sincera da Rainha Mãe e Seu Filho , é uma pintura puramente alegórica da reconciliação de Luís XIII e sua mãe, a Rainha Maria de Médicis, antes de entrar no Paraíso. Anteriormente pendurado na parede leste da galeria do Palácio de Luxemburgo , agora está à direita voltado para a pintura que marca a abertura do ciclo, Les Parques girando o destino de Maria de Médicis .
A Rainha e Luís XIII são representados flutuando no céu, ligados pelo símbolo da deusa Concórdia que representa o bom entendimento e a harmonia, que representa a paz que foi celebrada entre eles. Abaixo, Saturno , deus do tempo, ergue a deusa Veritas que simboliza a verdade elevada ao céu e à luz, marcando assim a reconciliação entre a rainha e seu filho.
A representação do Tempo e da Verdade ocupa quase 3/4 da parte inferior da tela. A parte superior é preenchida por Luís XIII e sua mãe Maria de Médicis, que se apresenta como muito maior que seu filho e ocupa muito mais espaço. Seu corpo é maior e menos obscurecido, o que a coloca em destaque na imagem, enfatizando sua importância. Ao contrário, a representação do filho é mais obscura e seu corpo está parcialmente oculto pela asa do tempo. Ele se ajoelha diante da rainha e apresenta-lhe o sinal de amizade, mãos unidas e coração em chamas em uma coroa de louros. Com essa composição, Rubens dá maior importância à Rainha em sua pintura. Ao mesmo tempo, projeta mãe e filho no futuro, retratando-os como mais velhos e mais maduros do que na pintura anterior.
Esta obra marca uma mudança no ciclo de Maria de Médicis a respeito do reinado da rainha-mãe. Com a morte do favorito de Luís XIII, Charles d'Albert de Luynes , mãe e filho se reconciliaram. Marie recebeu uma legitimação final ao ser readmitida no Conselho de Estado em janeiro de 1622.
Esta última pintura do ciclo coincidiu com o interesse que Maria de Médicis teve pela vida política após a morte do marido. Ela acreditava que a diplomacia tinha de ser obtida pelo casamento e foi o casamento de sua filha Henriette-Marie com Carlos I que precipitou o fim do ciclo dos Medici.
As últimas três pinturas são retratos de Marie de Medici, seu pai François I st (estudo em Copenhagen), Copenhagen e sua mãe Joana da Áustria . François I er é mostrado vestindo uma capa de arminho forrada com uma cruz em volta do pescoço, simbolizando a ordem toscana de Santo Estêvão que seu pai fundou. O retrato da mãe de Maria de Médicis a representa usando um vestido de tecido prateado com bordados em ouro, mas ela não está usando nada que sugira classe. Este trabalho é inspirado em uma pintura de Alessandro Allori que mais tarde foi copiada por Giovanni Bizzelli . Rubens sem dúvida admirou essas pinturas que influenciaram seu estilo na representação da mãe da rainha. No entanto, surpreendentemente, a versão de Rubens é classificada como menos notável do que os modelos originais.
No geral, este retrato de Joan da Áustria é a de uma mulher sem expressão, Rubens ter descartado a representação do equilíbrio hierática tradicional da XVI th século para uma interpretação casual, a mãe de Maria traz uma roupagem simples parece fazê-lo parecer doente e fraco.
Os dois retratos dos pais de Maria de Médicis são estilisticamente muito diferentes, inclusive do resto das pinturas do Ciclo, em relação às quais esses retratos parecem escuros em comparação, em particular, com o retrato de Maria. Enquanto Rubens fez grande uso de imagens alegóricas na maioria das obras da galeria, os dois retratos dos pais da Rainha são simples na composição e executados de maneira clássica.
A comissão inicial para o ciclo de Maria de Médicis incluiu a confecção de uma galeria semelhante retratando a vida de Henrique IV, que nunca foi concluída, embora Rubens tenha começado a trabalhar nela logo após a conclusão do ciclo. O ciclo de Henrique IV seria composto de vinte e quatro cenas monumentais que ilustram a vida de Henrique, seus encontros, lutas, suas conquistas e os cercos das cidades sobre as quais ele triunfou. Os dois ciclos de Marie e Henri foram projetados para serem unidos em uma arcada que uniria as duas galerias nas quais as pinturas seriam exibidas aos pares.
Parece que Rubens não fez nenhum esboço para o ciclo Henrique IV enquanto se dedicou à primeira galeria. Em uma de suas cartas, o pintor descreveu o tema desta segunda galeria como sendo "tão vasto e magnífico que dez galerias seriam suficientes" e se alguém se referir a outro de seus escritos de27 de janeiro de 1628, ele ainda não havia investido muito na confecção dos esboços antes dessa data. Apenas nove esboços permanecem hoje de todos aqueles feitos para o ciclo Henri IV, bem como cinco telas inacabadas. A maioria dos esboços representam batalhas nas quais Henrique IV participou.
Deve-se notar que os motivos pelos quais Rubens não concluiu o ciclo Henrique IV estão intimamente ligados aos acontecimentos políticos da época. Maria de Médicis foi banida de Paris em 1631, quando o cardeal Richelieu tomou o poder de Luís XIII . Como resultado, o projeto foi completamente abandonado, pois a aprovação do Tribunal dos planos de layout da galeria era constantemente atrasada. Richelieu, que agora tinha total poder sobre a produção do ciclo, recusou-se a discutir com Rubens a conclusão da galeria Henri IV sob o pretexto de que estava muito ocupado com os assuntos do Reino. Na verdade, as verdadeiras razões de Richelieu eram muito mais políticas. Nesse período, Rubens estava em Madri preparando uma missão diplomática a Londres com o objetivo de aproximar a Espanha da Inglaterra. No entanto, sendo o pintor um membro ativo de um partido de oposição, Richelieu tinha ali um motivo óbvio para frustrar os projetos de Rubens e, além disso, procurava ativamente por um artista italiano que pudesse ter substituído Rubens, o que explica por que este último só continuou esporadicamente para realizar o ciclo. Após o banimento de Maria de Médicis em 1631, o projeto seria definitivamente abandonado, embora Rubens ainda parecesse otimista, indicando: “Já comecei o projeto da outra galeria que, em minha opinião, pela natureza do assunto, acabará sendo ainda mais esplêndido do que o primeiro, de modo que espero ganhar [em reputação] em vez de perder. "
Um dos esboços mais importantes da coleção é chamado A Reconciliação do Rei Henrique III e do Rei Henrique de Navarra, feito em 1628 e que traça um importante evento na ascensão de Henrique IV ao trono. Após a morte do duque de Anjou , irmão do próprio Henrique III, sem filhos, o herdeiro do trono parecia ser Henrique de Navarra, o futuro rei Henrique IV. No entanto, uma bula papal privou-o do trono e excomungou-o para que Henrique de Navarra protestasse, o que deu origem à Oitava Guerra Religiosa (1585-1598) . Quando Henrique III foi banido de Paris por ter ordenado o assassinato do duque de Guise , ele se encontrou com Henrique IV para fazer as pazes e reconhecê-lo como herdeiro legítimo. Embora Rubens tenha retratado essa reconciliação como ocorrendo na sala do trono, testemunhas da época relataram que a reunião aconteceu em um jardim cheio de espectadores.
O esboço mostra Henrique de Navarra prostrando-se diante de Henrique III, o que, de acordo com relatos de testemunhas oculares, parece correto. Rubens retratou um putto segurando a coroa de Henrique III, com a intenção de colocá-la na cabeça do futuro Henrique IV, embora a transferência real de poder só tenha ocorrido após o assassinato de Henrique III alguns meses depois1 r agosto 1589. Uma página está atrás de Henri de Navarre segurando seu crachá pessoal, um capacete de penas brancas, enquanto um cachorro a seus pés simboliza lealdade. As duas figuras perturbadoras por trás de Henrique III são provavelmente as personificações da fraude e da discórdia.
O Ciclo Henrique IV consistiria em cenas tiradas da carreira militar do rei. A violência dessas imagens teria contrastado um pouco com a relativa tranquilidade e majestade das cenas do Ciclo de Maria de Médicis.
A Batalha de Ivry é uma pintura da batalha mais decisiva no reinado de Henrique IV para unificar a cidade de Paris. Inicialmente cinza, este esboço mostra o rei vestido de veludo carmesim para enfatizar que foi "a mais famosa de todas as lutas de Henrique IV". Ele é retratado no centro da cena, erguendo uma espada flamejante, seu exército vitorioso correndo caoticamente atrás dele. Esta pintura é a contrapartida da pintura da Coroação da Rainha no Ciclo de Maria de Médici.
A entrada triunfal em Paris é um esboço que representa a última grande batalha de Henri IV. Rubens queria que a pintura fosse instalada no fundo da galeria, de forma que fosse uma obra "grande e importante" relativamente avançada em execução. A pintura mostra Henrique IV desfilando por Paris, vitorioso como um imperador romano segurando um ramo de oliveira, um símbolo de paz. No entanto, como Henrique IV nunca realmente entrou na capital dessa maneira, acredita-se que a cena representa simplesmente um triunfo simbólico. Além disso, o suposto cenário em que teria ocorrido a cena (os edifícios, o Arco do Triunfo) não existia em Paris na época, o que confirma que o esboço não se baseia em fatos históricos, mas trata-se de um clássico metáfora da vontade de Henrique IV de permanecer rei da França. Esta pintura é a contrapartida da pintura A Morte de Henrique IV e a proclamação da regência no Ciclo de Maria de Médicis.
A Clemência de Henri em Paris corresponde ao Conselho dos Deuses no ciclo de Maria de Medici, com um Henrique IV trazendo paz à terra onde Maria a trouxe para o céu. Esta pintura de Henrique IV retrata as cenas após a captura de Paris. O exército de Henrique IV empurra os rebeldes para fora de Paris, jogando-os de uma ponte no rio. No canto esquerdo, porém, podemos ver o novo soberano discutindo com alguns conselheiros a leniência que vai mostrar.